Elektronista musiikkia

Elektroninen musiikki ( saksaksi  elektronische Musik , englanniksi  electronic music ) on musiikkia, joka on luotu sähköisillä soittimilla ja elektronisilla tekniikoilla (tietokoneteknologiat 1900-luvun viimeisistä vuosikymmenistä lähtien). Erityisenä suunnana musiikin maailmassa elektroninen musiikki muotoutui 1900- luvun jälkipuoliskolla ja 2000-luvun alkuun mennessä se oli yleistynyt akateemisessa ja populaarikulttuurissa.

Elektroninen musiikki toimii äänillä, jotka pystyvät tuottamaan elektronisia ja sähkömekaanisia soittimia, sekä äänillä, jotka syntyvät sähköisten / elektronisten laitteiden ja erilaisten muuntimien (nauhurit, generaattorit, tietokoneen äänikortit, mikrofonit jne.) avulla, jotka varsinaisessa merkityksessä eivät ole musiikki-instrumentteja.

1900-luvun viimeiseen kolmannekseen asti elektroninen musiikki yhdistettiin pääasiassa akateemisen musiikin kokeiluihin (sekä Neuvostoliitossa että ulkomailla) , mutta tilanne muuttui äänisyntetisaattoreiden massatuotannon alkaessa 1970-luvulla. Syntetisaattorit tulivat suuren yleisön saataville kohtuuhintaistensa vuoksi. Tämä muutti populaarimusiikin imagoa - monet jazz-, rock- ja popmuusikot alkoivat käyttää syntetisaattoreita. 2000-luvun alussa elektroninen musiikki sisältää laajan valikoiman tyylejä ja genrejä - avantgarde-taiteilijoiden yksittäisistä kokeiluista laajasti kopioituun sovellettuihin musiikkiin .

Alkuperä: 1800-luvun loppu ja 1900-luvun alku

Mahdollisuus äänittää ääniä liittyy usein ajatukseen elektronisen musiikin tuottamisesta. Mutta tämä ei tarkoita, että elektronisen musiikin tuotanto olisi äänitysprosessin tavoite.

Vuonna 1857 ranskalainen kustantaja ja kirjakauppias Edouard Léon Scott de Martinville patentoi keksimänsä laitteen, äänimerkin .

Äänikirjoitin oli ensimmäinen laite, joka salli äänien tallentamisen, mutta ei pystynyt toistamaan niitä.

Vuonna 1878 amerikkalainen keksijä Thomas A. Edison patentoi fonografin . Edisonin fonografi, kuten Scottin nimikirjoitus, käytti sylintereitä äänien tallentamiseen, mutta toisin kuin ääninimi, ääni voitiin sekä tallentaa että toistaa.

Vuonna 1887 amerikkalainen keksijä Emile Berliner esitteli keksintönsä - levyfonografin.

Vuonna 1906 ilmestyi suuri keksintö, jolla oli syvällinen vaikutus elektronisen musiikin kehitykseen. Se oli amerikkalaisen keksijän Lee de Forestin suunnittelema triodiputkivahvistin (audion) . Se oli ensimmäinen tyhjiöputki, joka koostui lasiastiasta, jonka sisällä oli termioninen katodi, joka mahdollisti sähköisten signaalien generoinnin ja vahvistamisen. Tyhjiöputken keksintö merkitsi radiolähetysten alkua ja mahdollisti elektronisten laskentaprosessien syntymisen.

Kauan ennen elektronisen musiikin syntyä säveltäjien keskuudessa oli halu käyttää uusia teknologioita musiikillisiin tarkoituksiin.

Luotiin useita instrumentteja, joiden suunnittelussa käytettiin sekä mekaanisia että elektronisia komponentteja. Juuri nämä instrumentit tasoittivat tietä kehittyneempien elektronisten instrumenttien syntymiselle.

Vuosina 1898–1912 amerikkalainen keksijä Tadeusz Cahill työskenteli sähkömekaanisen instrumentin, nimeltä telharmonium ( eng.  Telharmonium ) luomisen parissa. Mutta tätä instrumenttia ei hyväksytty sen mittojen vuoksi: sen vuoden 1906 versio painoi noin 200 tonnia, sen liike kattoi noin 18 m²:n alueen.

Thereminiä pidetään ensimmäisenä elektronisena instrumenttina . Thereminin loi venäläinen keksijä Lev Theremin noin 1919-1920. Tämä on instrumentti, jossa ääni erotetaan esiintyjän käsien liikkeellä kahden metalliantennin sähkömagneettisessa kentässä.

Varhaisia ​​elektronisia instrumentteja ovat myös: ääniristi ( fr.  Croix Sonore ), jonka venäläinen säveltäjä Nikolai Obukhov keksi vuonna 1926 , ja Martenot-aallot , jotka ranskalainen muusikko Maurice Martenot keksi vuosina 1919-1928. Tunnetuin esimerkki Martenotin aaltojen käytöstä on Olivier Messiaenin Turangalila-sinfonia ja hänen muut sävellyksensä. Waves de Martenot - soitinta ovat kirjoittaneet myös muut pääasiassa ranskalaiset säveltäjät , kuten André Jolivet .

Luonnos uudesta musiikkitaiteen estetiikasta

Vuonna 1907, vain vuosi audionin keksimisen jälkeen, Ferruccio Busoni julkaisi tutkielman Sketch for a New Aesthetic of Musical Aesthetic (saksa: Entwurf einer neuen Ästhetik der Tonkunst ), jossa hän pohti mahdollisuutta käyttää sähköisiä ja muita äänilähteitä. tulevaisuuden musiikissa. Hän oletti, että tulevaisuudessa oktaavi jaetaan useampaan puolisäveleen kuin olisi mahdollista klassinen viritys, jossa oktaavi koostuu 12 puolisävelestä, ja tämä olisi mahdollista Cahillin dynamofonin ansiosta: ”Vain pitkä ja huolellisesti toteutettu sarja kokeilujen ja jatkuvan korvaharjoituksen avulla uusi sukupolvi tekee tästä tuntemattomasta materiaalista sopivan työhön ja taiteeseen.

Myös teoksessaan "Sketch of a new estetics of musical arts" Busoni kirjoittaa (vertaamalla musiikkia muinaisempiin taidemuotoihin - maalaukseen, arkkitehtuuriin ja kuvanveistoon):

Musiikki taiteena on tuskin 400 vuotta vanha; musiikin tämänhetkinen tila on vain yksi sen kehityksen vaiheista, ehkä aivan ensimmäinen vaihe nykypäivän hyväksytyn käsitteen ulkopuolella, ja me - sanomme, että nykyään kehittynyt musiikillinen muoto on "klassikko" ja "pyhät perinteet" ! Ja olemme puhuneet tästä jo jonkin aikaa! Olemme tehneet sääntöjä, vahvistaneet periaatteita, säätäneet lakeja; Sovellamme lapseen aikuiselle ihmiselle luotuja lakeja. Mutta lapsi ei tiedä vastuusta mitään! Tämä lapsi on nuori, ymmärrämme, että hän on jotenkin erityinen, ja tämä piirre saa meidät ymmärtämään, että hän on jo mennyt pidemmälle kuin hänen vanhemmat sisarensa. Ja lainsäätäjät eivät näe tätä ominaisuutta, koska muuten heidän lakinsa on määrätty unohduksiin. Tämä vauva leijuu ilmassa! Hän ei kosketa maahan jaloillaan. Tämä lapsi ei ole painovoimalain alainen. Hän on aineeton. Se koostuu jostain läpinäkyvästä aineesta. Tämä lapsi on tehty resonoivasta ilmasta. Tämä lapsi on melkein luonnon ruumiillistuma kaikessa olemuksessaan. Se on ilmainen! Mutta vapaus on jotain, jota ihmiskunta ei ole koskaan täysin ymmärtänyt, ei koskaan tajunnut sen todellista olemusta. Ihmiset eivät voi ymmärtää eivätkä tunnustaa vapauden olemassaoloa. Lainsäätäjät kieltävät tämän lapsen tehtävän; he ripustavat raskaan taakan sääntöjä ja lakeja hänen harteilleen. Hän tuskin saa hypätä - vaikka se on hänen luonteensa - seurata sateenkaaren linjaa ja rikkoa auringonvalon virtoja pilvillä.

Busonin tässä tutkielmassa ilmaistut ajatukset vaikuttivat syvästi monien muusikoiden ja säveltäjien mieliin. Mutta ennen kaikkea hän vaikutti oppilaansa Edgard Varèseen :

Aiemmin pohdittiin yhdessä, minkä polun musiikki tulee kulkemaan tulevaisuudessa, tai tarkemmin sanottuna sen pitäisi mennä, mutta ei, koska se on sidottu kädestä ja jalasta temperamenttiasteikon asettamiin sääntöihin. Hän valitti, että hänen kosketinsoittimensa oli saattanut korvamme havaitsemaan vain äärettömän pienen osan luonnon äärettömän vaihtelevista äänistä. Hän oli erittäin kiinnostunut sähkösoittimista, joista kuulimme, ja muistan lukeneeni dynamofonista. Hänen tutkielmastaan ​​löydät valtavan määrän ennusteita tulevaisuuden musiikista, jotka toteutuvat vähitellen. Nyt ei ole mitään, mitä hän ei voinut ennakoida. Esimerkiksi: ”Olen melko varma, että koneita tarvitaan uuden hienon musiikin luomiseen. Ehkä myös teollisuus vaikuttaa taiteelliseen nousuun."

Futuristit

Italiassa futuristit lähestyivät musiikillisen estetiikan muutosta eri näkökulmista. Futuristisen filosofian pääideana on arvostaa "kohinaa" ja sijoittaa taiteelliset ja ilmeikkäät komponentit sellaisiin ääniin, joita ei voi edes suunnilleen pitää musiikillisina.

Vuonna 1911 italialainen musiikkitieteilijä ja säveltäjä Balilla Pratella julkaisi "Tulevaisuuden musiikin teknisen manifestin", jonka mukaan futuristien uskontunnustus on: "Näytä massojen, suurten tehtaiden, rautateiden, transatlanttisten laivojen musiikillinen sielu , sotalaivoja, autoja ja lentokoneita. Musiikkiteosten ikuisiin pääteemoihin lisätään koneiston henki ja sähkö, joka on tunkeutunut kaikille elämän alueille.

11. maaliskuuta 1913 futuristi Luigi Russolo julkaisi manifestinsa The Art of Noises . 21. huhtikuuta 1914 Milanossa hän piti ensimmäisen "melutaide-konsertin". Tässä konsertissa käytettiin hänen melukoneitaan, joita Russolo itse kuvaili "akustisiksi meluinstrumenteiksi, joiden äänet (ulvominen, ulvominen, korttien sekoitus, gurgling ja vastaavat) tehtiin käsin ja saavuttivat yleisön torvien ja megafonien kautta" . Kesäkuussa samanlaisia ​​konsertteja pidettiin Noterbungissa.

1920-1930

Näiden kymmenen vuoden aikana ilmestyi monia elektronisia instrumentteja ja ensimmäisiä sävellyksiä niille.

Ensimmäinen elektroninen instrumentti oli eterofoni, jonka Lev Theremin keksi Leningradissa vuosina 1919-20 ja joka myöhemmin nimettiin Thereminiksi [1] . Thereminin myötä ilmestyi myös ensimmäiset sävellykset elektronisille soittimille. Nämä sävellykset erosivat paljon "shumovikkien" teoksista. Ja tämä on johtanut siihen, että koneiden käyttötarkoitus musiikissa on muuttunut.

Vuonna 1927 amerikkalainen keksijä JA O'Neill kehitti laitteen, jossa käytettiin magneettinauhaa - tämä toi tallennusprosessin uudelle tasolle. Mutta tämä laite ei tuonut kaupallista menestystä.

Vuonna 1928 ranskalainen sellisti Maurice Martenot keksi " Martenot waves " -soittimen ja debytoi sillä Pariisissa.

Vuonna 1929 säveltäjä Joseph Schillinger kirjoitti sarjan thereminille ja orkesterille - " First Airphonic Suite" . Sarja esiteltiin ensin Cleveland Orchestran kanssa Lev Thereminin solistina. Samana vuonna amerikkalainen säveltäjä George Antheil kirjoitti teoksessaan ensimmäistä kertaa osia mekaanisiin soittimiin, sähköisiin melukoneisiin, moottoreihin ja vahvistimiin. Hän kirjoitti nämä osat oopperaan Monsieur Bloom, jota hän ei koskaan saanut valmiiksi.

Vuonna 1930 Lawrence Hammond (Hammond) perusti elektroniikkainstrumenttiyhtiönsä. Hän aloitti laajalle levinneen " Hammond-urkujen " tuotannon, jotka toteuttivat samaa äänituotantoperiaatetta kuin Cahillin telharmoniumissa . Hammond otti tuotantoon myös muita keksintöjä, kuten varhaisen kaiun. Lisäksi Hammond keksi yhteistyössä John Hanertin ( John Hanert ) ja CN Williamsin ( CN Williams ) kanssa toisen elektronisen instrumentin - "novacordin". Novacord oli ensimmäinen kaupallinen polyfoninen syntetisaattori. Ensimmäistä kertaa "novacord" esiteltiin yleisölle vuonna 1939 New Yorkin maailmannäyttelyssä, mutta jo vuonna 1942 se lopetettiin.

Elokuvassa käytetty äänen fotooptinen tallennusmenetelmä mahdollisti ääniaallon graafisen kuvan näkemisen. Tämä menetelmä mahdollisti myös äänisynteesiprosessin toteuttamisen näyttämällä graafisesti tulevaa ääntä elokuvan pinnalle. Muusikko joutui kirjaimellisesti maalaamaan musiikkia.

Tänä aikana muusikot, kuten Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti ja muut, alkoivat kokeilla "äänitaidetta" tai äänitaidetta .

Kehitys: 1940- ja 1950-luvut

Sähköakustista musiikkia magneettinauhalle

Huonolaatuisia puolijohdemagneettisia tallennuslaitteita on käytetty vuodesta 1900 lähtien. 1930-luvun alussa elokuvateollisuus alkoi soveltaa fotooptista äänen tallennusmenetelmää äänielokuviin. Samoihin aikoihin saksalainen elektroniikkayhtiö AEG kehitti ensimmäisen magneettisen tallennuslaitteen, "Magnetophon" K-1:n, joka esiteltiin elokuussa 1935 Berliinin kansainvälisessä radionäyttelyssä [2] .

Vuonna 1940 saksalainen insinööri Walter Weber sai patentin korkeataajuiselle vaihtovirtabias-tekniikalle, joka paransi huomattavasti tallennuksen ja toiston laatua. Vuonna 1941 AEG julkaisi uuden mallin nauhurista (Magnetophon K4-HF), joka käytti ensimmäisenä Weberin löytämää korkeataajuista bias-tekniikkaa. Vuonna 1942 AEG suoritti kokeita äänen tallentamiseksi stereona [3] .

Magneettinauha avasi joukon uusia mahdollisuuksia äänen manipulointiin muusikoille, säveltäjille, tuottajille ja insinööreille. Magneettinauha oli suhteellisen halpa ja erittäin luotettava äänensiirto. Ja se kuulosti paremmalta kuin mikään muu tuolloin äänen kantaja. Mutta mikä tärkeintä, magneettikalvo oli yhtä helppokäyttöinen kuin elokuva. Aivan kuten elokuvaa, sitä voitiin muokata tekijän idean mukaan: elokuvan ei-toivotut osat voidaan poistaa tai siirtää toiseen paikkaan; oli mahdollista yhdistää elokuvia eri medioista. Nauha voidaan liimata yhteen siten, että syntyy silmukkavaikutelma yhdestä tai useammasta äänestä. Elokuvan nopeutta voitiin hidastaa tai nopeuttaa. Nauhaa voitiin toistaa edestakaisin ja kelata.

Signaalivahvistimet ja editointilaitteet ovat entisestään laajentaneet nauhan ominaisuuksia tallennusvälineenä, mikä mahdollistaa tallenteiden (elävät äänet, puhe, musiikki) moninkertaistamisen ja sekoittamisen ja nauhoituksen toiselle nauhalle suhteellisen pienellä äänenlaadun heikkenemisellä. Toinen odottamaton yllätys oli, että nauhurit voitiin muuntaa kaikukoneiksi, jotka toistavat monimutkaisia, ohjattavia korkealaatuisia kaiku- ja kaikuefektejä . Useimpia näistä vaikutuksista ei yksinkertaisesti voitu simuloida mekaanisilla laitteilla.

Magneettisten tallennuslaitteiden tuotanto johti välittömästi uuden elektronisen musiikin muodon - elektroakustisen musiikin - syntymiseen .

Ensimmäisen elektroakustisen teoksen kirjoitti vuonna 1944 Egyptin pääkaupungista Kairosta kotoisin oleva opiskelija Halim El-Dabh [4] . Halim El Dabh, joka oli läsnä muinaisessa mystisessä puhdistusrituaalissa zaarissa ( eng.  zaar ), nauhoitti soittimien äänet ja laulajien äänet isolla nauhurilla kiinteälle alustalle (langalle). Hän käsitteli tallennettua materiaalia yhden paikallisen radioaseman studiossa ja lisäsi äänitykseen kaiku- ja kaikuefektejä. Näytelmän nimi oli "Zaari-seremonian musiikkikuva" ( eng.  The Expression of Zaar ) ja se esiteltiin vuonna 1944 yhdessä Kairon taidegalleriassa järjestetyistä tapahtumista. Halim El-Dabhin magneettisia elokuvakokeita ei tuolloin tunnettu Egyptin ulkopuolella, mutta hänet tunnetaan myöhemmistä elektronisen musiikin työstään Columbian yliopiston Princeton Centerissä 1950-luvun lopulla.

Tietty musiikki

Pian uusien tallennusvälineiden, nauhurin ja nauhan, käyttöönoton jälkeen säveltäjät alkoivat käyttää näitä välineitä luodakseen uutta musiikin sävellystekniikkaa, jossa äänitetyllä äänellä olisi tärkeä rooli. Tätä sävellystekniikkaa on kutsuttu " konkreettiseksi musiikiksi " ( ranskalainen  musique concrète ). Tätä tekniikkaa käyttävän säveltäjän tehtävänä on luoda äänite tallennetuista luonnon- ja teollisten äänien katkelmista.

Vuonna 1918 Arseniy Avraamov , salanimellä Revarsavr, kirjoitti "Symphony of Horns", jossa käytettiin laukauksia, moottoreiden huminaa, tehdastorvia ja kaupungin melua [1] . Ensimmäiset tällä tekniikalla tehdyt teokset editoi ranskalainen äänisuunnittelija ja insinööri Pierre Schaeffer . 5. lokakuuta 1948 Ranskan yleisradioyhtiö ( Fr.  Radiodiffusion Française - RDF ) esitti Schaefferin ohjelman nimeltä "Concert of Noises". Ohjelmassa oli viisi kappaletta, mukaan lukien yksi säveltäjän ensimmäisistä teoksista Etude  aux chemins de fer . Tämä tapahtuma merkitsi uuden musiikillisen suunnan alkua - "tape music" ( eng.  tape music ). Tämän musiikin esittämistapa on luodun äänitteen julkinen soitto.

Vuonna 1949 Pierre Henri liittyi Schaefferiin . Heidän yhteistyöllään oli syvällinen ja pysyvä vaikutus elektronisen musiikin kehitykseen.

Toinen Pierre Schaefferin kollega oli säveltäjä Edgard Varèse , joka työskenteli tuolloin näytelmän "Aavikot" ( fr.  Déserts ) parissa - sävellyksen kamariorkesterille ja elokuvalle. Osa nauhasta äänitettiin Schaefferin studiossa ja remasteroitiin myöhemmin Columbian yliopistossa .

Vuonna 1950 Pierre Schaeffer piti ensimmäisen julkisen konkreettisen musiikin konsertin Pariisin musiikkikoulussa. Tässä esityksessä Schaeffer käytti äänenvahvistusjärjestelmää, useita levysoittimia ja useita miksauskonsoleita. Esitys ei sujunut mutkattomasti, sillä on uskomattoman vaikeaa ja uutta yhdistää kaikki tavallisesti peräkkäin studioympäristöön asennettavat instrumentit livenä [5] . Samana vuonna Pierre Henri ja Pierre Schaeffer työskentelivät Sinfonia yksinäiselle miehelle ( ranska:  Symphonie pour un homme seul ), ensimmäinen suuri konkreettinen musiikkikappale.

Vuonna 1951 RDF avasi ensimmäisen elektronisen musiikin tuotantostudion. Ranskalaisen studion jälkeen samanlaisia ​​äänitysstudioita alkoi avata ympäri maailmaa. Samana vuonna Henri ja Schaeffer sävelsivät oopperan tietyille äänille, Orpheus ( englanniksi:  Orpheus ).

Elektronische Music

Vuonna 1949 saksalainen fyysikko Werner Meyer-Eppler julkaisi kirjan "Sound Radiation: Electronic Music and Synthetic Speech" ( saksa:  Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und synthetische Sprache ), jossa hän esitti ajatuksen musiikin syntetisoinnista. yksinomaan sähkölaitteiden tuottamista signaaleista. Tässä saksalaisen elektronisen musiikin käsite erosi konkreettisen musiikin käsitteestä, jossa pääajatuksena oli äänen tallentaminen, ei sen synteesi.

Tutkiakseen mahdollisuuksia syntetisoida musiikkisignaaleja Kölnissä perustettiin äänitysstudio vuonna 1950 WDR -radioasemalle . Huolimatta siitä, että vuonna 1950 studio oli juuri alkanut rakentaa, WDR Corporation oli aloittanut elektronisen musiikin lähettämisen jo vuonna 1951. Herbert Eimertistä tuli Kölnin studion ensimmäinen johtaja. Pian Karlheinz Stockhausen ja Godfried Michael König liittyivät studiotiimiin, johon kuuluivat Werner Mayer-Eppler ja Robert Bayer .

Saksalaisen elektronisen musiikin tunnetuin ja huomattavin hahmo on K. Stockhausen. Hän on kirjoittanut yli 350 musiikkiteosta, joista merkittävä osa kuuluu kokeellisen elektronisen musiikin alaan. Stockhausen kuvaili kuuntelijoiden kokemuksia hänen musiikkiaan kuunnellen. Jotkut hänen kuuntelijoistaan ​​väittivät, että heillä oli tunne lentämisestä, avaruudessa olemisesta tai jostain fantastisesta epätodellisesta maailmasta.

Neuvostoliiton elektronista musiikkia

Vuonna 1929 Nikolai Obukhov keksi "kuultavan ristin" (la croix sonore), joka on verrattavissa Thereminin [6] periaatteeseen . 1930-luvulla Nikolai Ananiev keksi "luotaimen" ja insinööri Alexander Gurov - neoviolena , I. Ilsarov - ilston [7] , A. Rimski-Korsakov ja A. Ivanov - emiriton [6] . Säveltäjä ja keksijä Arseniy Avraamov osallistui tieteelliseen työhön äänen synteesin parissa ja suoritti sarjan kokeita, jotka myöhemmin muodostivat perustan Neuvostoliiton sähköisille soittimille [1] . Vuonna 1956 Vjatšeslav Meshcherin loi ensimmäisen Neuvostoliiton sähköisten soittimien ensemblen (EMI), joka käytti theremiiniä , sähköharppuja , sähköurkuja, ensimmäisen Neuvostoliiton syntetisaattorin " Ekvodin " [6] ja loi myös ensimmäisen Neuvostoliiton kaiun . . Tyyliä, jolla Meshcherin-yhtye soitti, kutsuttiin lännessä " avaruusajan popiksi ".» [1] . Vuonna 1957 insinööri Igor Simonov kokosi toimivan melupuhelimen mallin (elektroeolyfonin), jolla oli mahdollista poimia erilaisia ​​meluluonteisia sointisävyjä ja harmonioita [6] .

Sekä "Ekvodyn"-syntetisaattori että " ANS "-optinen syntetisaattori valmistettiin pieninä sarjoina; Ensimmäinen massatuotantona valmistettu sähköinen musiikki-instrumentti oli Yunost-70 sähköurut, joka kehitettiin vuonna 1965. Jevgeni Murzinin vuonna 1966 perustamasta Moskovan elektronisen musiikin kokeellisesta studiosta (MESEM) tuli uuden sukupolven kokeilijoiden tukikohta - E. Artemiev , A. Nemtin , Sh. Kallosh , S. Gubaidulina , A. Schnittke , V. Martynov. ja muut [6] [1] .

1960-luvun lopulla Neuvostoliittoon ilmestyi kevyttä elektronista musiikkia soittavia musiikkiryhmiä ( Electron - kvartetti , Rococo -yhtye ja erilaiset jazz -yhtyeet). Valtion tasolla tätä musiikkia alettiin käyttää houkuttelemaan ulkomaisia ​​turisteja maahan ja radiolähetyksiin ulkomaille [8] . Säveltäjä A. Zatsepin suunnitteli 70-luvulla orkesterin - version mellotronista [9] .

Baltian maissa esiintyivät myös niiden pioneerit: Virossa  - Sven Grunberg , Liettuassa  - VIA "Argo" Giedrius Kupryaviciuksen johdolla, Latviassa  - ryhmät " Opus " ja " Zodiac " [1] .

Japanilaista elektronista musiikkia

Sotaa edeltävässä Japanissa varhaisia ​​elektronisia instrumentteja, kuten Martenot Waves , theremin ja trautonium ( saksa:  Trautonium ) tunnettiin tuskin. Mutta jotkut säveltäjät, mukaan lukien Minao Shibata, tiesivät, että tällaisia ​​soittimia oli jo olemassa. Muutama vuosi toisen maailmansodan päättymisen jälkeen japanilaiset muusikot alkoivat kokeilla elektronista musiikkia. Joissakin tapauksissa nämä kokeilut johtivat myönteisiin tuloksiin pelkästään institutionaalisen taloudellisen tuen ansiosta: muusikoilla oli mahdollisuus työskennellä uusimpien äänentallennus- ja äänenkäsittelylaitteiden mallien kanssa. Siten aasialaisesta musiikista on tullut osa nousevaa elektronisen musiikin genreä. Tämä johti myöhemmin Japanista nousemaan johtavaksi musiikkiteknologian kehittäjäksi muutamassa vuosikymmenessä.

Amerikkalainen elektroninen musiikki

Yhdysvalloissa musiikki luotiin sähköisin keinoin, ja tämä näkyy selvästi Morton Feldmanin Marginal Intersectionissa . Tässä teoksessa käytetään tuulen, lyömäsoittimien, jousisoittimien, äänitaajuusgeneraattoreiden ääniä. Tämä näytelmä on myös erityinen siinä mielessä, että se on kirjoitettu Feldmanin erityisellä "graafisella" notaatiolla .

Music for Magnetic Tape -projektin kappaleet ovat kirjoittaneet New Yorkin avantgarde-taideryhmän ( New York School ) jäsenet, joihin kuuluivat John Cage , Earl Brown , Christian Wolfe , David Tudor ja Morton Feldman . Tämä ryhmä oli olemassa kolme vuotta: 1951-1954.

Princeton Center, Columbia University

Vuonna 1951 Columbia University osti nauhurin, ammattimaisen magneettisen äänityslaitteen amerikkalaiselta Ampex -yhtiöltä konserttien tallentamiseen.

Columbian yliopiston musiikin laitoksella työskennellylle Vladimir Usachevskylle annettiin vastuu uudesta nauhurista ja hän aloitti melkein välittömästi musiikin äänittämistä koskevat kokeilut.

Niinpä Columbian yliopiston Princetonin sähköakustisen musiikin keskus avattiin. Vuonna 1959, saatuaan Rockefeller -apurahaa , keskus avattiin virallisesti. Keskuksen perustajat ovat Vladimir Usachevsky ja Otto Luening.

Stokastinen musiikki

Stokastinen musiikki luokitellaan avantgardistiseksi akateemiseksi musiikiksi . Stokastisen sävellyksen menetelmän perustajaksi pidetään kreikkalaista alkuperää olevaa ranskalaista säveltäjä Janis Xenakista , "itse asiassa tämän menetelmän perusteet olivat kuitenkin tiedossa aiemmin, ja Xenakiksen historiallinen ansio tässä suhteessa on näiden perusteiden yhdistäminen korkeatasoisella sävellystekniikalla (joka yhdistettynä itse taiteellisten ideoiden omaperäisyyteen ja sisältöön ja antoi hänen teoksilleen klassisten merkityksen)” [10] .

Xenakis alkoi soveltaa matematiikkaa (matemaattiset tilastot, suurten lukujen laki, todennäköisyysteoria) ja joitakin yleisiä tieteenaloja (informaatioteoria, joukkoteoria) musiikissa vuonna 1954; nimi "stokastinen musiikki" ilmestyi kaksi vuotta myöhemmin, vuonna 1956 [11] .

Termi "stokastinen" tarkoittaa todennäköisyysteoriassa satunnaista tapahtumaa. Stokastisen musiikin näkökulmasta satunnainen tapahtuma on yksittäinen ääni tai nuotti. Yksittäinen ääni tietokoneessa esitetään numerona. Numeroiden muodossa voit myös näyttää ääniparametrit (korkeus, kesto).

Musiikin matemaattisia tilastoja käytetään paljastamaan musiikillisen ajattelun logiikkaa. Eri säveltäjien töitä analysoimalla he laskevat sävellyksen rakenteen (esim. sävellyksen tahtien lukumäärän ja niiden toistovälin), sävellyksen säännöt (esim. jos viisi nuottia menee peräkkäin kasvavassa järjestyksessä). suuntaan, kuudennen on mentävä alas ja päinvastoin). Kun muodostuu tietty joukko sävellyssääntöjä, tietokoneelle käännetään ohjelma (algoritmi), jonka mukaan nuotit valitaan melodian rakentamiseksi.

Stokastinen musiikki on algoritmisen musiikin erikoistapaus.

1950-luvun jälkipuolisko

Australialaiset tiedemiehet Trevor Pearcey ja Maston Beard keksivät ja rakensivat CSIRACin ,  yhden ensimmäisistä digitaalisista tietokoneista .  Ensimmäinen testiohjelma suoritettiin vuonna 1949. Vuosina 1950-1951 konetta käytettiin musiikin toistoon. Matemaatikko Geoff Hill ohjelmoi tietokoneen soittamaan suosittuja musiikkikappaleita 50-luvun alusta. Vuonna 1951 tietokone pelasi suosittua " eversti Bogey 's March " sotilasmarssia . Tietokone soitti kuitenkin vain vakiorepertuaaria, eikä se ollut mukana musiikintekotutkimuksessa. CSIRAC-ohjelmistoa ei ole koskaan äänitetty, mutta sen soittama musiikki on restauroitu huolella.   

Ison-Britannian kansallislaulu ja lastenlaulu mustista lampaista olivat ensimmäisiä tallenteita tietokoneella soitetusta musiikista [12] . Ne toistettiin Ferranti Mark 1 -tietokoneella ( eng.  Ferranti Mark 1 ) - kaupallisella versiolla Manchester Mark 1 :stä . Musiikin soittamiseen tarkoitetun ohjelman on kirjoittanut brittiläinen tiedemies Christopher Strachey . 

Vuonna 1954 Stockhausen kirjoitti kappaleen "Electronic Etudes-2" - ensimmäisen elektronisen musiikin teoksen, jonka partituuri julkaistiin.

Vuonna 1955 useat studiot alkoivat kokeilla elektronista musiikkia.

Tärkeä tapahtuma elektronisen musiikin maailmalle oli kolmen studion avaaminen: Studio "Fonologiya" (Studio di Fonologia) Milanossa; studiot Toshiro Mayuzumin perustaman japanilaisen yleisradioyhtiön NHK :n rakennuksessa ; Philips - studiot Hollannin Eindhovenin kaupungissa (vuonna 1960 tämä studio siirrettiin Utrechtin yliopistoon ja nimettiin uudelleen Institute of Sound Studiesiksi ( eng. Institute of Sonology )).  

1956 antoi maailmalle useita merkittäviä löytöjä ja keksintöjä elektronisen musiikin alalla:

1. Louis ja Bebe Barron kirjoittivat musiikin elokuvaan Forbidden Planet .  Louis Barron suunnitteli itse elektroniset piirit, joista yksi oli rengasmodulaatiopiiri . Piirit luotiin tuottamaan ääniä, kuten surinaa, narinaa, jauhamista ja useita "kosmisia" tehosteita. Kun kaikki tarvittavat äänet nauhoitettiin, Barrons viimeisteli ne viiveellä , jälkikaikulla , taaksepäin ja nopeuden muutoksilla saadakseen vielä vakuuttavamman äänen.  

2. Kemisti, ohjelmoija ja säveltäjä Lejaren Hiller luovat yhdessä Leonard Isaacsonin kanssa  Iliac Suiten jousikvartetille, ensimmäisen tietokonesävellyksen. Hiller oli vakavasti kiinnostunut informaatioteoriasta ja väitti, että tietokone voisi "oppia" kirjoittamaan musiikkia yksinään, jos sille luodaan erityinen sävellysalgoritmi, joka voitaisiin eristää analysoimalla suurten säveltäjien musiikkia.  

3. Karlheinz Stockhausen kirjoittaa näytelmän "Nuorten laulu" (Gesang der Jünglinge), joka on aikansa erinomainen näytelmä ,  jossa käytetään puhesynteesitekniikkaa. Teos perustuu profeetta Danielin kirjan tekstiin .

4. Amerikkalainen säveltäjä ja keksijä Raymond Scott patentoi keksintönsä - yksiäänisen Clavivox-näppäimistösyntetisaattorin, jonka elektroniset piirit suunnitteli Scottin pyynnöstä Robert Moog .

Vuonna 1957 Bellissä työskentelevä insinööri Max Matthews loi MUSIC-ohjelman, ensimmäisen tietokoneäänen synteesiohjelman.

Vuonna 1958 Brysselissä pidetyssä kansainvälisessä näyttelyssä Philips-yhtiön paviljongissa esitettiin ensimmäistä kertaa Edgard Varèsen "Elektroninen runo" ( fr.  Poème électronique ).

1960-luvulta nykypäivään

1960-luku oli elektronisen musiikin hedelmällisyyttä. Menestystä saavuttivat paitsi akateemisen elektroniikan muusikot, myös riippumattomat muusikot - äänisynteesiteknologiasta tuli helpommin saatavilla, ja sen seurauksena ensimmäiset syntetisaattorit ilmestyivät vapaaseen myyntiin.

Siihen mennessä uusien äänien ja uusien instrumenttien parissa työskentelevien säveltäjien ja muusikoiden yhteisö oli muodostunut ja kehittynyt riittävästi.

1960-luvun alussa syntyi kaksi merkittävää teosta kahdelta vaikutusvaltaiselta elektronisen musiikin säveltäjältä:

"Kontaktioissa" Stockhausen poikkesi perinteisestä musiikillisesta muodosta, joka perustuu sävellyksen johdonmukaiseen kehitykseen ajassa ja dramaattiseen huippukohtaan. Hän levitti ajatusta "musiikissa olemisesta", joka ei vaadi "edellistä" ja "seuraavaa" - staattisesti keskittymistä jokaiseen hetkeen [13] . Stockhausen kutsui lähestymistapaansa "hetkimuodoksi" (se on samanlainen kuin 1900-luvun alussa elokuvateattereissa käytetty elokuvamainen tekniikka, jossa elokuva liimataan peräkkäin).

Vuonna 1963 ilmestyi ensimmäinen syntetisaattori, jonka kirjoittaja oli insinööri ja keksijä Don Buchla . 

Theremin on ollut käytössä 1920-luvulta lähtien, mutta se saavutti laajan suosion, kun sillä tehtiin useita 1950-luvun tieteiselokuvia (esim. Bernard Hermannin partituuri elokuvasta The Day the Earth Stood Still).

Vuonna 1958 BBC Radiophonic Workshop perustettiin Isoon-Britanniaan. Tämä studio alkoi julkaisun yhteydessä 1960-luvun alussa BBC:n tieteissarjassa Doctor Who. Sarjan teemamusiikin on säveltänyt Ron Grainer ja äänittänyt henkilökunnan jäsen Delia Darbyshire.

Vuonna 1961 israelilainen säveltäjä Josef Tal perusti elektronisen musiikin keskuksen Israeliin Jerusalemin heprealaiseen yliopistoon .

1960-1970: psykedeliasta elektroniikkaan

Elektronisen musiikin alku itsenäisenä suunnana loi 1960- ja 1970-luvun vaihteessa kraut rock -esiintyjien Can , Popol Vuhin , Klaus Schulzen ja Tangerine Dreamin , Organizationin , Kraftwerkin , Clusterin , Neu! . Nämä muusikot loivat kokeellisia äänikollaaseja, jotka ammensivat pääideoita sekä space rockista että psykedeelisesta rockista sekä akateemisesta avantgardista Karlheinz Stockhausenista ja Janis Xenakisista . Pääideana oli käyttää elektroniikkaa uutena ilmaisuvälineenä, joka pystyy loihtimaan surrealistisia kuvia.

1960-luvun lopulla Robert Moog loi ensimmäisen kaupallisen syntetisaattorinsa, MiniMoogin . Koko 1970-luvun syntetisaattoreista tuli muodikas ja suosittu innovaatio musiikissa, ja ne korvasivat vähitellen sähköurut. 1970-luvun elektroninen musiikki on enimmäkseen kosketinsynttikoiramusiikkia.

1980-luvun alkuun mennessä elektroniikan kehitykselle muodostui kolme pääsuuntaa:

  1. Instrumentaalimusiikkia, joka käyttää sähköisiä soittimia luomaan laajennettuja kappaleita "avaruusaiheisilla" teemoilla. Tämän suuntauksen johtajat ovat Tangerine Dream , Vangelis . Siellä oli kansallisia piirteitä: Berliinin koulukunnan edustajat vetosivat psykedeeliseen musiikkiin (Tangerine Dream, Klaus Schulze ) ja ranskalaiset esiintyjät - kevyempään, suositumpaan tyyliin ( Jean-Michel Jarre , Space ).
  2. Taustalla oleva "ympäristömusiikki", vailla selkeää rytmiä ja tiettyä melodiaa, jota kutsutaan nimellä " ambient ". Tämän määritelmän kirjoittaja oli Brian Eno , jota oikeutetusti pidetään tyylin perustajana.
  3. Elektronisen musiikin "laulu"muodot ( synth-pop , electro-pop , techno-pop ), joille on ominaista selkeä, mekaaninen tanssirytmi, äänen demonstroiva keinotekoisuus (syntetisaattorit eivät enää jäljittele oikeiden soittimien ääntä), laulun käyttö ( usein robotti) kontrapointin syntikkasovituksena, minimalismina ja ostinato- sävellysrakenteena. Sanoitukset ovat usein sosio-futurologisia ja scifi-painotteisia . Tämän tyylin pioneereja ovat ryhmä Kraftwerk . Uuden aallon myötä tästä suunnasta on tullut laajalle levinnyt ja suosittu, ja se on nostanut suurelle näyttämölle Depeche Mode -ryhmän, josta on tullut elektronisen musiikin suunnannäyttäjä, ja monet heidän genren kollegoistaan ​​( Pet Shop Boys , Gary Newman , OMD , The Human League , Ultravox ja muut).

1980-1990

1970-luvun lopulla ja 1980-luvun alussa syntyi useita uusia teknologioita ja niihin liittyviä uusia genrejä. Ohjelmoitavien rumpukoneiden , kuten Roland TR-808 :n , myötä elävät rummut ovat hävinneet elektroniikasta. Breakbeatin (broken beat) syntyminen vaikutti suuresti musiikkiin . Sävellyksissä alettiin käyttää muiden taiteilijoiden äänitteitä, silmukoita tai prosessoituja. DJ:n ammatti ( DJ , Disk Jockey) on siirtynyt elektroniseen musiikkiin diskoista ja radiosta , joka toimii levyillä erityisellä levysoittimella.

Pioneerien menestyksen jälkeen on kasvanut monia musiikkiryhmiä, jotka rikastuttavat elektronista musiikkia uusilla ideoilla. " New Age " sai vaikutteita elektronisesta musiikista. Taito luoda lyyrisiä elektronisia melodioita välähti japanilaisessa Kitarossa . Puolalainen Marek Bilinsky ja itäsaksalainen Pond , unkarilainen Laszlo Benkö, bulgarialainen Simo Lazarov, jugoslavialainen Micha Krall osallistuivat suositun syntetisaattorityylin kehittämiseen ; ja Neuvostoliitossa / Venäjällä - Mikhail Chekalin , Janis Lusens ja Zodiac -ryhmä , Giedrius Kupryavicius ja Argo -ryhmä , Eduard Artemiev , Sven Grunberg , Lepo Sumera , Vadim Ganzha ja New Collection elektronisen musiikin duo (Igor Kezlya ja Andrey Morgunov). Heidän parhaat työnsä eivät ole millään tavalla huonompia kuin arvostettujen elektroniikkainsinöörien tunnustetut hitit. Tehokasta rytmistä tanssiaiheista musiikkia soittavat Laserdance ja Koto . Mutta ennen kaikkea erilaiset alatyypit ja haarat sisältävät teknomusiikkia . Kraftwerkin ideat otettiin räjähdysmäisesti vastaan ​​DJ-klubeissa, ja klubin undergroundista syntyi vähitellen uusi tyyli technoa, jossa rytmi ja efektit ovat etusijalla. Melodia ei ole pakollinen, koska tällaisen musiikin tarkoitus on teknotronisen ekstaasin saavuttaminen. Ei ole sattumaa, että kemiallisia piristeitä käytettiin usein klubijuhlissa tehostamaan vaikutusta.

Mutta teknosta on myös enemmän musiikillisia muunnelmia. Kun techno ja ambient yhdistettiin, syntyi IDM -tyyli  – vakavaa teknomusiikkia, avointa kaikenlaisille kokeiluille. Tätä soittavat Orb , Autechre , Aphex Twin . " Psykedeelisen transsin " johtajat ovat Juno Reactor ja Astral Projection . Ja lopuksi elektronista ja rock-musiikkia yhdistämällä saimme " teknoindustrialin ", Skinny Puppyn , Front Line Assemblyn , Front 242 :n edustajat .

Tänä aikana alkaa tanssin elektronisen musiikin kukoistus, johon kuuluvat muun muassa tekno, elektro , drum and bass , house ja trance . Elektronisen tanssimusiikin luovat elektroniset muusikot, joiden ensisijaisena tavoitteena oli tarjota sävellyksiä DJ :lleen (DJ:lle), tyypillisiä tämän kulttuurin edustajia olivat: Robert Miles , Moby , Tiesto , Paul Van Dyk , BT , ATB , Paul Oakenfold , Armin van Buuren ja Yli ja yli . Mutta elektronista tanssimusiikkia löytyy usein täysimittaisen musiikkialbumin muodossa, kuten "Pulse 1" ja "512 KB" venäläisen elektronisen musiikin pioneereilta Andrey Rodionovilta ja Boris Tikhomirovilta .

2000-luku

2000- luvun alkua elektroniselle musiikille leimaa halu yhtenäisyydestä loputtomien muotojen kautta. Puhtaat tyylit jäivät vain teoriassa. Käytännössä lähes mikä tahansa teos sisältää elementtejä niin monentyyppisestä musiikista, ja albumien kuvaamiseen on käytettävä monimutkaisia ​​yhdistemääritelmiä. Ajatus tekno-remixeiden luomisesta 1970-1980-luvun kuuluisien sävellysten teemoille on erittäin suosittu. Jarren , Spacen , Vangelisin ja Tangerine Dreamin musiikki on käynyt läpi tällaista käsittelyä . Monet teknomuusikot ovat oppineet elektronista musiikkia genren perustajien mestariteoksista, ja nyt perustajat itse sisällyttävät teoksiinsa keksijöiden ideoita. Jarren albumi " Metamorphoses " on tehty huomattavalla infuusiolla techno/pop/new age -musiikkia, ja Klaus Schulze kokeilee aktiivisesti techno/rumpu- ja bassosoundia (albumit " Dosburg Online " ja " Trance Appeal "). Techno, trance, ambient ja industrial kietoutuvat yhteen albumeilla Delerium , System 7 ja Synaesthesia . Raskaan vaihtoehtopunkrockin ja teknon synteesiä esittävät Velvet Acid Christ ja Wumpscut .

Katso myös

Muistiinpanot

  1. ↑ 1 2 3 4 5 6 Neuvostoliiton elektronista musiikkia
  2. ↑ 1935 AEG Magnetophon Tape Recorder // Mix: Professional Audio and Music Production  (  mixonline.com). - 2006. Arkistoitu 8. helmikuuta 2013.
  3. ↑ Friedrich Engel, Peter Hammar; lisäedittäjä Richard L. Hess. Valikoitu magneettitallenteen  historia . Richardhess.com (2006).
  4. ↑ Rob Young. Olipa kerran: Kairossa  //  The Wire . - 2007. - maaliskuu ( julkaisu 277 ). - s. 24 .
  5. ↑ Jeff Snyder. Pierre Schaeffer: Inventor of Musique Concrete  (englanniksi)  (linkki ei saatavilla) . Arkistoitu alkuperäisestä 15. toukokuuta 2008.
  6. ↑ 1 2 3 4 5 "ANS", noisephone ja theremin: kuinka Neuvostoliiton elektroninen musiikki syntyi
  7. ↑ Aikakauslehti "Teknologia - Nuoriso", nro 3 vuodelta 1960. Kirjailija: B. Orlov
  8. ↑ Bakanov Konstantin. Unohtunut melodia. Neljäkymmentä vuotta sitten tuhoon tuomittua musiikkia löytyi levy-yhtiön arkistosta  // Novye Izvestia . - 2005 - 8. heinäkuuta.
  9. ↑ Tatyana Antsiferova: "Minulla ei ollut halua valloittaa maailmaa ..."
  10. ↑ Xenakis J. "Formalized Music", s. 6
  11. ↑ Xenakis J. "Formalized Music", s. 17
  12. ↑ Fildes, Jonathan . "Vanhin" tietokonemusiikki julkistettiin  (englanniksi)  (17. kesäkuuta 2008).
  13. ↑ Savenko S. I. Karlheinz Stockhausen // XX vuosisata. Ulkomaista musiikkia. Esseitä. Asiakirjat - Ongelma. 1.- M., 1995. Ss. 15-18.

Kirjallisuus

Linkit

  Siirry Wikidata-kohteeseen  Sanakirjat ja tietosanakirjat
 Elektronisen musiikin tyylit