Immersiivinen teatteri on yksi suosituimmista modernin vuorovaikutteisen teatterin muodoista , jossa katsoja yrittää "uppoutua" kehittyvään toimintaan.
Immersiivinen teatteri eroaa perinteisestä teatterista siinä, että se poistaa näyttämön ja upottaa katsojan suoraan näytelmän näyttelijöiden leikkiin. Usein tämä saavutetaan käyttämällä tiettyä sijaintia - historiallisesti merkittävää arkkitehtuuria tai laajamittaista lavastetta, jonka avulla yleisö voi kommunikoida toimijoiden kanssa ja olla vuorovaikutuksessa heidän ympäristönsä kanssa ( vuorovaikutteisesti ) murtaen siten neljännen seinän .
Samaan aikaan mukaansatempaava teatteri ja interaktiivinen teatteri eivät välttämättä ole synonyymejä: immersiivisessä teatterissa ei välttämättä ole interaktiivisia elementtejä, eikä interaktiivisessa teatterissa voi olla mukaansatempaavuutta.
Nykyaikaisilla immersiivisen teatterin muodoilla on laaja valikoima määritelmiä, jotka perustuvat toimijoiden ja yleisön välisen vuorovaikutuksen asteeseen ja tyyppiin. Samaan aikaan teatteriympäristössä [1] käydään edelleen vakavia kiistoja näistä vuorovaikutuksen määritelmistä, jotka perustuvat sellaisiin käsitteisiin kuin yleisön osallistuminen ja niiden vaikutus esityksen kulkuun, sosiaaliset rakenteet ja roolit, sekä osallistumisen astetta. Vaikka monet kriitikot väittävät, että kaikkeen taiteeseen liittyy jonkinasteista yhteistyötä sen luojan ja yleisön välillä, mukaansatempaava teatteri eroaa siinä, että yleisön odotetaan osallistuvan aktiivisesti teoksen luovaan prosessiin.
Samaan aikaan mukaansatempaavalla teatterilla voi olla erilainen yleisön osallistumisaste: näyttelijöiden leikin katsomisesta esityksen kulkuun ja loppujuontaan vaikuttamiseen.
Kolme pääkohtaa erotetaan immersiivisen teatterin keskeisistä eroista:
Yleisin tapa upottaa katsoja avautuvaan toimintaan on käyttää monikroonista kerrontaa. Tämän tyyppisessä kerronnassa osallistuja ei näytä pääroolia, mutta samalla hänelle annetaan tuotannon ennalta määrääminä hetkinä mahdollisuus suorittaa mitä tahansa toimia - liikettä, keskusteluja. Nämä hetket eivät vaikuta tarinaan, mutta niillä on suurempi vaikutus osallistujaan.
Toinen tapa saavuttaa uppoutuminen on käyttää "sinä" vetoomusta yleisöön. Tämän tekniikan avulla voit yhdistää yleisön esityksen määrättyyn rooliin hämärtäen todellisuuden rajoja. Lisäksi tämä tekniikka sallii jonkin verran epäselvyyttä, ikä, sukupuoli, ammatti jne. jätetään huomiotta.
Mukaansatempaavissa esityksissä käytetään erilaisia ympäristöjä tarvittavien ympäristöjen luomiseen suurista monitasoisista rakennuksista avoimiin alueisiin.
Näin voit lisätä yleisön osallistumista esitykseen. Erilaisissa personoiduissa tiloissa yleisö voi liikkua huoneesta toiseen, ja joissakin mukaansatempaavissa tuotannoissa sisätilat voivat sijaita eri tasoilla, jokainen huone voi olla täysin erilainen. Huoneet voivat olla tummia, vaaleita, värikkäitä, kylmiä, lämpimiä, tuoksuvia ja täynnä huonekaluja ja esineitä oikean tunnelman luomiseksi .
Brittiläistä teatteriryhmää Punchdrunk pidetään genren perustajana , Sleep No Moren (2003) [2] tekijöinä. Se on mukaansatempaava versio William Shakespearen Macbethistä , joka sijoittuu 1930 -luvun noir - ympäristöön ja viittasi vuoden 1697 Paisleyn noitaoikeudenkäynteihin.
Näytelmän alkaessa vieraat tulevat hotelliin suurten merkitsemättömien pariovien kautta ja kävelevät pimeää käytävää pitkin, jossa he tarkistavat takkinsa ja laukkunsa. Kun he antavat nimensä vastaanottoon, he saavat pelikortin lipuksi ja heidät näytetään yläkerrassa sokkeloon. Poistuessaan he huomaavat olevansa 1930-luvun Manderley-hotellin valoisassa, sisustetussa ja täysin toimivassa jazzbaarissa. Hetken kuluttua numerot annetaan vieraskorttien mukaan. He saavat naamionsa ja menevät tavarahissiin, josta heidän matkansa viiden kerroksen läpi alkaa.
Samasta ajanjaksosta lähtien mukaansatempaava teatteri, erillisenä teatteritaiteen suuntana, alkoi saada maailmanlaajuista suosiota.
Ajatus saada yleisö mukaan teatterituotantoon syntyi Venäjällä 1900-luvulla. Esimerkiksi ohjaaja Vsevolod Meyerhold töissään sijoitti toisinaan näyttelijät yleisön joukkoon ja siirsi näytelmän toiminnan saliin tai jopa aulaan. Samalla tavalla ohjaaja Nikolai Okhlopkov pyrki muodostamaan yhteyttä yleisöön - suoran vuorovaikutuksen kautta hänen tuotantonsa näyttelijät koskettivat usein yleisöä.
Meidän aikamme Venäjällä ensimmäisenä upotusesityksenä pidetään Juri Kvjatkovskin " Normanskia " Vs. Meyerhold . Tuotanto perustuu Strugatsky - veljesten tarinaan " Rumat joutsenet " , ja toiminta tapahtui TsIM : n kuudessa kerroksessa ( joka on samanlainen kuin " Sleep No More " - tuotanto ) . Paikkoja olivat toimistotilat, aula, vaatekaappi, josta tuli sairaala, koulu, asunto, kabaree, baari. Katsojat kävelivät hyttysverkossa ja valitsivat itsenäisesti reitin ja loivat siten oman tarinansa.
Vuonna 2016 ilmestyi mukaansatempaava musikaali " Black Russian ", joka perustuu Aleksanteri Pushkinin tarinaan " Dubrovsky " . Katsojat astuivat Spiridonovin taloon Maly Gnezdnikovsky Lane -kadulla, sisäänkäynnin luona heille annettiin pöllön, peurojen ja kettujen naamiot. Reitti ja vastaavasti esityksen skenaario riippuivat maskista. Joillekin vieraille päähenkilö oli Dubrovsky, toisille - Troekurov, toisille - Masha. Mutta lopulta kaikki kolme vierasryhmää tapasivat kuitenkin suuren salin juhlassa.
Henrik Ibsenin " Ghosts " -näytelmään perustuvan mukaansatempaavan esityksen esittivät amerikkalainen Journey Lab -tiimi ja venäläinen tuotantoyhtiö YBW. Esityksen ennakkonäytökset pidettiin marraskuussa 2016 Moskovassa osana New European Theater "NET" -festivaaleja. Vuonna 2019 esitys muutti Pietariin.
Esitys sijoittuu 1800-luvun kartanon neljään kerrokseen Pietarin historiallisessa keskustassa Palatsin rantakadulla. Esityksessä on yli 240 kohtausta, joista monet avautuvat samanaikaisesti. Esityksen kesto on noin kaksi ja puoli tuntia.
Ensimmäinen teatterituotannon ja todellisuuden etsinnän hybridi Venäjällä loi kansainvälisen interaktiivisen viihteen " Claustrophobia " -verkoston tilauksesta Moskovan taideteatterikoulusta valmistuneen, Kirill Serebrennikovin opiskelijan ohjaaja Alexander Sozonovin toimesta . Projektin sisustajat muuttivat Moskovan Kristallin tehtaan alueella sijaitsevan teollisuusrakennuksen maalauksellisen ympäristön post-apokalypsia varten. Tällä hetkellä temaattinen kaksikerroksinen sijainti on Venäjän suurin mukaansatempaavien teattereiden joukossa, jonka pinta-ala on 1500 m2.
Mukaansatempaava esitys "Moscow 2048" koostuu kahdesta esityksestä - "Confrontation" ja "Dangerous Raid" [3] . Tekijät väittävät, että käytyään kahteen, kuten he niitä kutsuvat, peliin, katsojat "kokevat erityisen esteettisen nautinnon" siitä, että kaksi tarinaa muodostavat yhden kokonaisuuden.
Jopa 40 ihmistä osallistuu "Confrontationiin", pelin juoni on rakennettu kahden taistelevan ryhmittymän - Järjestyksen ja vapauden - väliseen yhteenottoon. Jokaisesta pelaajasta tulee ainutlaatuisen tarinan sankari, jota ei toisteta kenenkään muun kanssa. Samalla osallistujat valitsevat puolensa ja heillä on mahdollisuus kääntää historian aalto.
Shown osallistujat kuljetetaan tulevaisuuden ankaraan Moskovaan, tarkemmin sanottuna suodatusleirille lähellä kaupungin rajaa. Heidän muodollisena tavoitteenaan on voittaa paikallisilta viranomaisilta toimeenpanovallan ja lainkuuliaisten kansalaisten maine ja saada pääsy pääkaupunkiin suojassa mutanteista ja säteilystä, kun taas prioriteetit voivat muuttua toiminnan aikana ja näytelmän lopussa on monia loppuja. . Hankkeella on myös poliittista taustaa: osallistuja kohtaa väistämättä pohdintoja vapaudesta ja vastuusta.
Dangerous Raidissa yleisö jaetaan kahteen joukkueeseen, ja he menevät stalkerien johdolla hylättyyn bunkkeriin etsimään arvokasta esinettä. Ohjelman verkkosivuilla on varoitus, jonka mukaan pelin käsikirjoitusta ei ole tarkoitettu alle 12-vuotiaille lapsille.
Puolentoista tunnin esitys-promenadi Golden Mask -palkinnon toistuvalta ehdokkaalta Talgat Batalovilta , joka perustuu Antibooker-palkinnon voittajan Maxim Kurochkinin näytelmään. Jokainen esitys esitetään vain 12 katsojalle, jotka nauttivat yhteisen illallisen viinin kanssa.
Klassinen kävelykaduooppera mukaansatempaavassa muodossa, Patakuningatar upottaa katsojan Aleksanteri Puškinin ja Pjotr Tšaikovskin teosten maailmaan . Esityksen toiminta tapahtuu vanhassa Moskovan Goncharov-Filippovien kartanossa.
Samaan aikaan mukaansatempaavasta muodosta huolimatta oopperan alkuperäinen rakenne on säilynyt: 3 näytöstä, 7 kohtausta ja yksi patakuningatar. Esityksen alussa yleisön silmät sidotaan ja viedään saliin, jossa muusikot ja esiintyjät esittävät ensimmäisen kuvan. Lisäksi vieraat liikkuvat koko oopperan ajan huoneesta toiseen, menevät alas ja ylös portaita pitkin putoamalla uusiin maisemiin. Laulajat eivät huomaa ulkopuolisia eivätkä ole vuorovaikutuksessa heidän kanssaan, jolloin syntyy tunne, että menneisyyden kohtauksia eivät näytä oopperan hahmot, vaan vieraat itse - väitetysti näkymättömiä haamuja, jotka ovat tunkeutuneet todellisuuteen. hahmot.