Taiteilija ( bulgarialainen taiteilija , ukrainalainen taiteilija, laiha, taiteellinen persoona , alkaen ( vanha slaavilainen khedog ), goottilaisista handugs - viisas; goottilainen handags - taitava, käsistä - käsi) [1] - arkipäiväisessä mielessä taiteilija on henkilö, joka tekee kuvataidetta [2] . Taiteilijaksi kutsumme kuitenkin usein henkilöä, joka työskentelee paitsi kuvataiteen , myös muun taiteellisen luovuuden parissa, ja myös vertauskuvallisesti: taiteilija omalla alallaan millä tahansa luovan toiminnan alueella. Siksi toinen määritelmä on hyväksyttävämpi: "luova henkilö, asiantuntija, mestari, jolla on taiteellinen lahjakkuus ja luova mielikuvitus" [3] .
On tarpeen tehdä ero esteettisen ja taiteellisen toiminnan käsitteiden välillä. Vielä 1960-luvulla M. S. Kagan selitti estetiikan luennoilla esteettisen ja taiteellisen tietoisuuden alueiden välisiä eroja piirtäen liitutaululle kaavion kahdesta ympyrästä, jotka ovat osittain päällekkäin. M. S. Kagan selvensi tällaisia suhteita kirjoissa "Ihmisen toiminta" (1974), "Estetiikka filosofisena tieteenä" (1997) korostaen, että näitä käsitteitä ei voida synonyymisoida tai pitää taiteellisina vain "estetiikan korkeimpana ilmentymänä". . Taideteos voi olla vain osittain estetiikan piirissä tai mennä kokonaan sen ulkopuolelle, eikä esteettinen toiminta puolestaan välttämättä sovi yhteen taiteellisen toiminnan kanssa. Joten esimerkiksi värillisten kivien poimiminen merenrannasta tai huonekalujen järjestäminen huoneeseen, kuvien ripustaminen seinille on esteettistä, mutta ei taiteellista toimintaa. Samaan aikaan ihmisestä, joka huolehtii kauneudesta, ei tule taiteilijaa [4] .
Selvennys on se, että kutsumme taiteellista toimintaa luovaksi toiminnaksi, jonka tarkoituksena on luoda paitsi esteettisiä arvoja (kauneutta), myös taiteellisia kuvia - "esineen painaminen toiseen", uuden eheyden luominen, yleistäminen kolmen perusperiaatteen mukaisesti. :
Taiteellinen kuva on aina konkreettinen, yksilöllinen (subjektiivinen) ja emotionaalinen. Taitavassa materiaalityössä yksinkertaista käsityötä, kuviollista mallia ei yleensä synny. Esteettinen toiminta ei tuota taiteellisia kuvia, vaan ainoastaan harmonisoi todellisuudessa olemassa olevia esineitä ja niiden henkisiä malleja; taiteellisen toiminnan avulla ihminen "kaksinkertaistaa itsensä figuratiivisessa mallissa" ja tämän tai sen tyyppisen taiteen materiaalissa. Kuvannollinen ajattelu "saa kaksinkertaistaa koetun kohteen niin, että taiteilija itse jää siihen" [7] . Esteettisessä tietoisuudessa - kauneuden tuntemisessa ja kokemuksessa - ihminen ikään kuin liukenee, depersonalisoituu koettavassa esineessä; taiteessa se häiritsee aktiivisesti todellisuutta. Siksi jokainen kuva ei ole esteettinen ja taiteellinen, taiteellinen kuva voi olla ruma, ja esteettinen ei välttämättä ole taiteellista.
Ihmisen taiteellisen toiminnan erityispiirre on monien sen osien kokonaisvaltaisessa vuorovaikutuksessa.
Pääkomponentteja on yleensä neljä:
Kaikki heistä erikseen luonnehtivat sitä tai sellaista ihmisen toimintaa. Yhdessä he hankkivat erityisen aiheen - taiteellisen luovuuden, joka toteutuu tietyillä luovilla menetelmillä, menetelmillä ja tekniikoilla käsitteen " sävellys " [8] .
Romaanisissa kielissä käsitteiden "taide" ja "taide" välillä ei ole kielellistä ja semanttista eroa. Taide, taide, taito, käsityötaito, taiteellisuus määritellään samalla tavalla (englanti, ranska taide, italialainen arte, saksalainen taide). Tästä syystä Länsi-Euroopan estetiikassa on kehittynyt muita kategorisia suhteita, mikä näkyy erityisen negatiivisesti nykytaiteen teorioissa. Esimerkiksi käsite "taideobjekti" voi tarkoittaa mitä tahansa: taideteosta tai ei-taideteosta, dadaismia , installaatioita, bodyartia , valmiita , joilla ei usein ole esteettisiä eikä taiteellisia ominaisuuksia. Tilavin määritelmä: "Taiteellinen luovuus on osa kulttuuria, ihmisen toimintaa (henkistä ja aineellista) luodakseen "inhimillistyneestä maailmasta" taiteellisia kuvia, jotka heijastavat korkeinta, henkistä todellisuutta" [9] . Ortodoksisessa perinteessä taiteilijaa kutsutaan usein Herra Jumalaksi [a] .
Ihmisen primitiivinen visuaalinen toiminta ei ollut esteettistä ja taiteellista näiden sanojen nykyisessä merkityksessä alkuperäisten toimintojen: rituaalin, maagisen, kognitiivisen, kasvatuksellisen, kommunikatiivisen, luovan (teknisen) synkretismin (erottamattomuuden) vuoksi. Myös kuvien esteettiset ominaisuudet kehittyivät ja toteutuivat paljon myöhemmin. Tämän todistavat vakuuttavasti "primitiivisten metsästäjien luonnollisen tyylin" ja niin sanotun "pedon luonnollisen mallin" [11] [12] kalliokaiverrukset .
Jo antiikin aikana ”taide” on yhä holistista, esteettinen tai varsinainen taide tai kognitiivinen tai ”tuotanto” (tekniset toiminnot) ei erotu siitä. Daedalusia pidettiin ensimmäisenä mytologisena taiteilijana , mutta hän oli samalla kuvanveistäjä, valimotyöntekijä ja käsityöläinen-keksijä. Muinaisessa Egyptissä taiteilijat koristelivat hautoja ja kivitaloja, ja taiteilijan käsityö liittyi läheisesti maalien valmistukseen [13] . Muinaisessa Egyptissä kuvien luomista pidettiin maagisena tekona, ja taiteilijoita kunnioitettiin pappien kanssa.
Muinaiset kreikkalaiset ymmärsivät taiteen mitä tahansa hyvin tehtyä työtä, käsityötä. Jakamatta käsitteitä materiaalista, esteettisestä ja taiteellisesta arvosta, he merkitsivät sitä yhdellä sanalla "techne". A.F. Losev kirjoitti: "Muinaiset ihmiset yleensä jakoivat taiteen ja käsityön hyvin heikosti, samoin kuin taiteen ja henkisen toiminnan, tieteen tai, kuten kreikkalaiset sanoivat, viisauden... Homeros ei tunne kuvanveistoa tai maalausta" itsenäisinä taiteen muodoina. , mutta kuvailee yksityiskohtaisesti "erilaisia taiteellisia tuotteita... Homeroksen taide on täysin identtistä käsityön kanssa, eikä tässä ole mitään keinoa vetää selvää rajaa yhden ja toisen välille" [14] .
Jopa klassisessa Kreikassa jumala Apollo suojeli koko "musiikin" (myöhemmin: kuvataiteen) ja "teknisen taiteen" (mukaan lukien tiede ja käsityö) kompleksia [15] . Ja vasta vähitellen "mekaaniset taiteet", joita Athena ja Hephaestus holhosivat , erottuivat "musiikkikompleksista" .
Keskiajalla ikonimaalaajat ja freskomaalarit, esimerkiksi Andrei Rublev [16] ), heijastivat kirkon perinteen mukaan "transsendenttistä", sanoinkuvaamatonta jumalallista olemusta, eikä heitä siksi pidetty täysin teostensa tekijöinä. Vain Italiassa renessanssin aikana alettiin kehittää intensiivisesti eri taiteen tyyppien, tyyppien, lajikkeiden ja genrejen itsemääräämisprosessia, vapaan taiteilijan luojan persoonallisuuden muodostumista, itsenäistä liikesuhteita asiakkaan kanssa. Samalla vahvistettiin taiteilijan oikeus "säveltää tarinoita". Mutta pitkään kuvataiteen mimetiikka (jäljitelmä), ei sävellystoiminto , pysyi pääasiallisena . Muotoutui maalaustelinetaide, maalaus ja kuvanveisto erotettiin arkkitehtuurin ja teknisen käsityön tilasta: taiteilijat vapautuivat vähitellen käsityöpajan riippuvuudesta [17] [18] .
Taidekriitikko N. O. Tamruchin mukaan 2000-luvun puoliväliin mennessä useimpia taiteilijoita ohjasivat rationaaliset kaupalliset suhteet, ja täysin ei-kaupallisten asioiden luominen oli harvinainen, määrittelemätön ilmiö heidän elämässään, samassa haastattelussa Natalia Tamruchi väitti, että tapaukset, joissa taiteilijat saattoivat suhtautua välinpitämättömästi sosiaaliseen ympäristöön, olivat tuolloin erittäin harvinaisia, koska "vapaat taiteilijat" olivat riippuvaisempia rahasta ja kriitikoista kuin kaupalliset käsityöläiset:
Vapaasti luova taiteilija on enemmän riippuvainen lompakosta kuin luova artesaani. Koska käsityöläinen - arkkitehti tai suunnittelija - saa palkan ensin. Ja he eivät enää ole heistä riippuvaisia. Se, mitä hän tekee saatuaan tilauksen ja toteuttanut sopimuksen, riippuu vain siitä, mihin hän pystyy. Mutta freelance-taiteilijan, jos hän haluaa saada rahaa työstään, hänen on sitä luodessaan otettava huomioon yleisön maku, gallerian omistajan maku, kriitikkojen maku, eli ympäristö. ... Ellei hän tietenkään halua muuttaa, halua olla menestyvä taiteilija.
- N. O. Tamruchi, aikakauslehti [kak) nro 30-31 / 2004Taidepäällikkö ja galleriaomistaja Marat Gelman [19] oli eri näkökulmasta , vuonna 2008 hän väitti, että sillä hetkellä, kun ulkoinen ympäristö alkoi sanella, millaista taidetta hän tarvitsee, nykytaiteilija vastusti sitä:
Taiteesta ruokkivat alat alkavat jossain vaiheessa haluta vaikuttaa taiteeseen, ja sillä hetkellä taiteilija alkaa rakentaa tunkeutumattomuuden rajoja: tunne paikkasi.
- Marat Gelman: "Kriisi ei ole este taiteelle..." [20]Kuitenkin historiallisessa mielessä Marat Gelman myönsi, että taiteilijan oli otettava huomioon politiikan ja markkinoiden erityispiirteet:
Historiallisesti taide on ikuista, ja markkinoilla on erilaisia muotoja. Ja markkinat ovat järkeviä vain keinona rahoittaa taidetta. Raha on taiteen verta. Kerran kirkko oli ainoa asiakas, oli tarpeen noudattaa näytteitä, saada tilaus, osallistua juonitteluihin. Sitten oli valistuksen aika, valistuneet hallitsijat rahoittivat taidetta, oli pakko arvata heidän makunsa... On täysin mahdollista, että markkinat muuttavat muotojaan.
— Marat Gelman, Taide ja raha [21] 2010-lukuTaidepäällikkö Victor Misiano uskoi 2010- luvun alussa, että taiteellinen käytäntö Venäjällä heijastelee poliittista tilannetta, joten sitä tarvitaan joko propagandalähteenä tai luksus- ja viihdeteollisuudena, kuraattori nosti esiin myös tuon ajanjakson piirteitä, mm. vastaaminen Kun kysyttiin, oliko kriisi hyvä venäläiselle taiteelle, Victor Misiano vastasi seuraavaa:
Olen jo kuullut samanlaisen näkökulman, että kriisi hyödyttää taiteellista tilannetta. Uskon kuitenkin, että jos taiteilijat pitävät markkinoita taiteensa optimaalisena kontekstina, he eivät todennäköisesti muutu talouden taantuman aikana: he vain yrittävät sopeutua uusiin markkinaolosuhteisiin.
Samalla paljastuu jo se tosiasia, että yleinen mielipiteemme liittää kriisiin tietyn positiivisen näkökulman. Tämä tarkoittaa, että hänelle taiteen kehittäminen tavalla tai toisella tapahtuu yksinomaan rahan kautta! Tästä ei taideyhteisön pitäisi olla huolissaan.
- Victor Misiano: "Pisara kuluttaa kiven" [22]