Sosaku-hanga ( japaniksi : 創作大画) on eräänlainen puupalikkaprintti,joka syntyi Japanista 1900-luvun alussa. Toisin kuin rinnakkainen olemassa oleva Shin-hanga ("uusi print") -liike, joka tuki perinteistä järjestelmää, kun taiteilija, veistäjä, kirjapaino ja kustantaja osallistuivat työnjakoon, sosaku-hanga -liikkeen taiteilijat pyrkivät itsenäisesti. luonnos ( jap . 自画, "jiga" ), veistää puuta ( jap . 自刻, "jikoku") ja painaa ( jap . 自刷, "jizuri") [1] . Taiteilijan itseilmaisu [2] nousi etualalle.
Sao Paulon taiteen biennaalissa vuonna 1951 sosaku-hanga sai maailmanlaajuista tunnustusta ensimmäistä kertaa. Molemmat japanilaiset voittajat Kanae Yamamoto ja Kiyoshi Saito, sosaku-hangan kannattajat, ylittivät perinteisen nihongan , länsimaisen joogan ja avantgarde- maalaukset . Myös muut sosaku-hanga-taiteilijat, kuten Koshiro Onchi (1891-1955), Uniti Hiratsuka (1895-1997), Sadao Watanabe (1913-1996) ja Maki Haku (1924-2000), tulivat suosittuja . luvut lännessä [3] .
Sosaku-hanga -liikkeen synty liittyy Kanae Yamamoto vuonna 1904 tekemän pienen kaiverruksen "The Fisherman" luomiseen. Perinteisestä työnjakojärjestelmästä poiketen Yamamoto työskenteli printin parissa yksinomaan [4] . Hänen lähestymistapansa kehittivät seuraajat, ja toisen maailmansodan jälkeisenä aikana sosaku-hangan suunta sai vauhtia ja alettiin nähdä ukiyo-e :n perinteiden uudelleenajatteluna [5] .
Sosaku-hanga -liikettä voidaan pitää yhtenä ilmentymänä Meijin aikakauden lopulla yleisestä kasvavasta kiinnostuksesta individualismia kohtaan . Sekä taiteellisissa että kirjallisissa piireissä oli vuosisadan vaihteessa halu ilmaista omaa "minää". Tämä suuntaus näkyy taiteilija Kotaro Takamuran kommentissa teokseen Vihreä aurinko (1910): ”Haluan ehdotonta taiteen vapautta. Siksi tunnistan taiteilijan yksilöllisyyden rajattoman auktoriteetin... Vaikka joku piirtää "vihreän auringon", en arvostele häntä. Loppujen lopuksi se saattaa näyttää vihreältä myös minusta” [6] .
Vuonna 1912 Natsume Soseki (1867-1916) kirjoitti kirjassaan Bunten and the Creative Arts, että "taide alkaa itsensä ilmaisemisesta ja päättyy itsensä ilmaisemiseen." Tämä essee aloitti älyllisen keskustelun yksilöllisyydestä, joka resonoi välittömästi taidemaailmassa [7] . Vuonna 1910 innokkaat nuoret individualistiset taiteilijat järjestivät ensimmäisen näyttelynsä [8] .
Kehitysvuosinaan sosaku-hanga -liike, kuten monet muutkin liikkeet, kuten shin-hanga , futurismi ja proletaarinen taide, kamppailivat selviytyäkseen taidemaailmassa, jota hallitsevat "Buntenin" (Japan Art) omaksumat perinteiset taiteen lajit. Akatemia). Sosaku-hangan ammattia pidettiin japanilaisen maalauksen ja kuvanveiston lisäksi myös länsimaisen joogan maalauksia huonompana käsityönä [9] . Ja jos muodin leviämisen myötä Japanissa eurooppalaiset alkoivat pitää ukiyo-e- printtejä taiteena, niin itse Japanissa nykyaikaisia printtejä pidettiin edelleen yksinkertaisina massakulutuskopioina. Sosaku-hanga-taiteilijat eivät voineet ansaita elantoaan pelkästään painatuksella. Monet myöhemmin tunnetuista taiteilijoista, kuten Koshiro Onchi (tunnetaan myös sosaku-hangan "isänä"), työskentelivät kirjankuvittajina ja puunveistäjinä [10] . Vasta vuonna 1927 "Taiten" (entinen Bunten) hyväksyi sosaku-hangan täysimittaiseksi taideliikkeeksi. Vuonna 1935 oppitunnin ulkopuoliset tunnit hangassa lopulta sallittiin [11] .
Sotavuodet 1939-1945 osoittautui sosaku-hangan muodonmuutoksen aikaa. Vuonna 1939 perustettiin First Torstai -seura, jolla oli tärkeä rooli japanilaisen grafiikan sodanjälkeisessä elpymisessä. Sen jäsenet tapasivat kerran kuukaudessa Koshiro Onchin kotona Tokiossa keskustelemaan taiteellisista asioista ja liikkeen tavoitteista [12] . "Seura" toimi mielipiteiden vaihdon paikkana, tuki taiteilijoita vaikeina sodan vuosina, kun taidetta sensuroitiin. "Seuran" jäseniä olivat kenraali Yamaguchi (1896-1976) ja Junichiro Sekino (1914-1988) [13] . Myös amerikkalaiset tuntijat Ernst Hacker, William Hartnett ja Oliver Statler olivat mukana. He osallistuivat näyttelyiden järjestämiseen ja auttoivat herättämään länsimaisen kiinnostuksen japanilaiseen printtiin [14] . Vuonna 1944 ensimmäinen kokoelma ryhmän teoksista julkaistiin nimellä "First Torstai" (Ichimoku-shu) [15] .
Voidaan sanoa, että japanilaisesta kaiverruksesta on tullut yksi sodanjälkeisen talouden elpymisen komponenteista. Saarten miehityksen aikana amerikkalaiset sotilaat ja heidän vaimonsa ostivat ja keräsivät japanilaisia printtejä matkamuistoiksi. Edistääkseen "demokraattista taidetta" amerikkalainen holhous siirtyi suhteellisen perinteisen shin-hangan tukemisesta nykyaikaisempaan sosaku-hangaan [9] . Sotahallitus kielsi abstraktin taiteen sodan aikana [16] , mutta sodan jälkeen taiteilijat kääntyivät jälleen abstraktion puolelle .
São Paulon taidebiennaalissa 1951 sosaku -hanga esiteltiin ensimmäistä kertaa kansainvälisessä näyttelyssä. Myöhemmin taiteilijat Munakata Shiko ja Matsubara Naoko pitivät henkilönäyttelynsä Yhdysvalloissa [17] .
Moderni japanilainen grafiikka jatkaa osittain sosaku-hangan perinteitä, sillä taiteilija on yleensä vastuussa kaikista tuotannon vaiheista, mutta samalla se erottuu tekniikoiden, aiheiden ja tyylien runsaudesta. Niinpä Tetsuya Noda käyttää luonnoksia valokuvia, jotka ilmentävät kaiverruksissaan arkielämästä repeytyneitä fragmentteja. Taiteilijat, kuten Maki Haku ja Shinoda Toko , käyttävät kalligrafian ja abstraktien viivojen synteesiä luodakseen meditatiivisia kuvia [18] . Sadao Watanabe loi kaiverruksia mingei -perinteen (kansantaide) mukaisesti yhdistäen teoksissaan buddhalaisia ja länsimaisia kristittyjä hahmoja [19] .