Kokeellinen teatteri (tunnetaan myös avantgarde-teatterina ) syntyi 1800-luvun lopulla, samaan aikaan kun Alfred Jarryn johtama Western Theater syntyi ja hänen kuningas Ubusta kertovat näytelmänsä olivat eräänlainen klassisen tavan hylkääminen. näytelmien kirjoittamisesta ja lavastamisesta yleensä. Ajan myötä tämän termin merkitys on muuttunut. Nyt avantgarde-teatteri on hallitseva teatterimuoto maailman näyttämöllä. Se otti erilaisia ilmentymisen muotoja, joita aiemmin pidettiin radikaaleina. Avantgarde-teatterin katsojat yrittävät väsymättä keksiä jotain uutta, jolle ei ole analogia missään maailman kolkassa.
Kuten muutkin " avantgardismin " ilmentymät, kokeellinen teatteri syntyi vastauksena jyrkästi koettuun joukkokulttuurikriisiin. Kaikenlaisista poliittisista ja ulkoisista sovintomenetelmistä huolimatta avantgarde-teatterit vastustavat poikkeuksetta porvarillista teatteria. Kokeellinen teatteri puolestaan yrittää käyttää uusia kommunikaatiotapoja puheen ja liikkeen avulla muuttaakseen havainnon sävyä [1] ja luodakseen uuden, tehokkaamman suhteen yleisöön.
Kuuluisa kokeellinen teatteriohjaaja ja näytelmäkirjailija Peter Brook kuvailee päätehtäväänsä vetämällä yhtäläisyyden "...teatterin, jossa näyttelijän ja katsojan välinen ero on vain käytännöllinen, ei perustavanlaatuinen." [2]
Perinteisesti yleisöä pidetään passiivisena tarkkailijana, mutta monet kokeellisen teatterin kannattajat halusivat muuttaa tätä standardia. Esimerkiksi Bertolt Brecht halusi saada yleisön mukaan toimintaan näyttelijän avulla, joka murtaa näytelmän aikana kuvitteellisen " neljännen seinän " ja kyseenalaistaa yleisön suoraan; samaan aikaan näyttelijä ei anna vastauksia, mikä pakottaa yleisön ajattelemaan ja syventämään itseään. Augusto Boal unelmoi, että yleisö reagoi välittömästi toimintaan, ja Antonin Artaud yritti vaikuttaa suoraan yleisön alitajunnan tasoon. [3] Peter Brook tunnisti esityksen sisäisten suhteiden kolmion: esiintyjien itsensä sisäiset suhteet, esiintyjien suhde toisiinsa lavalla ja heidän suhteensa yleisöön. [3] [4] Brittiläinen kokeellinen teatteriryhmä Wellfire State International viittasi "seremonialliseen ympyrään" esityksen aikana, jossa näyttelijät muodostavat yhden sektorin, yleisö toisen ja energia keskittyy keskelle. [5]
Katsojan roolin ideologisen vaikutuksen lisäksi näyttelijät teatterissa osallistuvat ja ovat vuorovaikutuksessa yleisön kanssa eri tavoin. Koska esityksiä alettiin esittää paikoissa, joita ei ollut tarkoitettu teatteriesityksiin, esikuvan olemassaolo kyseenalaistettiin. Yleisöä houkuteltiin kaikin mahdollisin keinoin, useimmiten aktiivisina osallistujina tuotantoon, ja prosceniumin käyttö usein heikensi näitä aikomuksia.
Yleensä yleisö kutsuttiin lavalle vapaaehtoisvoimin, mikä otettiin mukaan toimintaan. Näyttelijä sai heidät tuntemaan olevansa eri roolissa, jotta yleisö sai muuttaa näkemyksiään, arvojaan ja uskomuksiaan puheen juonen ja sen aiheen suhteen. Esimerkiksi lyöntikohtauksen aikana näyttelijä voisi lähestyä yleisöä, "arvioida" yhtä yleisöstä ja haastaa hänet kaksintaisteluun heti paikan päällä. Pelko ihmisen kasvoilla painaisi lujasti viestin "kiusaamisen kauhusta" katsojan itsensä ja koko yleisön muistiin.
Siellä oli myös erimuotoisia ja -muotoisia teattereita. Ohjaajat miettivät uudelleen erilaisia tapoja ohjata näytelmää. On tärkeää huomata, että Elisabetin ja muinaisten aikakausien teattereista on olemassa monia tutkimuspapereita. Joitakin jo perinteiseksi katsottuja piirteitä voidaan havaita rakenteessa kaikkialla. Esimerkiksi London National Theatre -rakennus on rakennettu erittäin joustavasti. Se muistuttaa meitä Elisabetin aikaisesta teatteritilasta, jossa käytetään traverssia (Dorfman Theatre) ja prosceniumin (Littleton Theatre) ja amfiteatterin (Olivier Theatre) muodossa rakennettua näyttämöä. Ohjaajat ja arkkitehdit halusivat tietoisesti "tuhota" perinteisen esikuvan. Jacques Copeau oli näyttämösuunnittelun kannalta erittäin tärkeä hahmo. Hän pyrki luopumaan liiallisesta naturalismista löytääkseen uuden ja tiiviimmän näkemyksen kohtauksen tarkoituksesta. [6]
Joillakin ryhmillä oli tärkeä rooli teatterin kasvojen muuttamisessa yleisön silmissä sen roolin sijaan. Näyttelijät käyttivät taitojaan yleisön sitouttamiseen ja sen kulttuurisen aktiivisuuden lisäämiseen monin eri tavoin: opettavaisena propagandana lavalta luettuna tai suhteellisesti. Esimerkiksi Welfire State International -teatterissa yleisö voi vetää rinnakkaisuuden näyttämöllä edustettuna luodun "mikroyhteiskunnan" ja oman elinympäristönsä välille. [5]
Augusta Boal esitteli Legislative Theaterin Rion kansalaisille. Hän halusi auttaa asukkaita ymmärtämään, mitä he haluavat muuttaa brasilialaisessa yhteiskunnassa. Neuvonantajana Boal otti käyttöön useita uusia lakeja hyödyntäen yleisön reaktiota esityksiin. Ohjaajien päätavoite kokeellisen teatterin puitteissa on vaikuttaa yhteiskuntaan tai ainakin saliin kokoontuneeseen yleisöön, minkä seurauksena asenteet, näkemykset ja arvot muuttuvat sekä sosiaalista toimintaa.
Perinteisesti näytelmän luomisessa on ollut erittäin hierarkkinen menetelmä. Ensin kirjoittaja löytää merkittävän ongelman ja kirjoittaa sitten käsikirjoituksen. Ohjaaja tulkitsee tarinan yhdessä näyttelijöiden kanssa siten, että se pystyy esittämään sen näyttämöllä, ja esiintyjät ilmentävät suoraan ohjaajan ja käsikirjoittajan kollektiivista näkemystä. Monet teatteriohjaajat ovat suhtautuneet skeptisesti tähän hierarkiaan, kun he alkoivat tunnustaa esiintyjät täysivaltaisiksi luoviksi yksilöiksi. Kaikki alkoi siitä, että näyttelijöille annettiin yhä enemmän vapautta oman tulkinnan ja roolin suhteen. Loppujen lopuksi näin kollektiivinen teatteri syntyi. Tämä suunta auttoi improvisaatioteatteriryhmän syntymistä kokeellisen ryhmän puitteissa. Näyttelijät ja esiintyjät kirjoittivat sanat itselleen, joten he eivät tarvinneet käsikirjoittajaa kirjoittaakseen materiaalia esitykseen tai teatterituotantoon.
Juuri tämän olosuhteiden yhdistelmän ansiosta voimme havaita nykyään uusia tapoja toteuttaa itseään ja toimijoiden hankkimia mahdollisuuksia. Ohjaajan ja käsikirjoittajan suunta on muuttunut dramaattisesti. Nykyään johtajat eivät enää toimi korkeimman auktoriteetin roolissa, kuten ennen, vaan toimivat vain neuvonantajana tai järjestäjänä .
Itse hierarkian muutosten lisäksi myös esiintyjien yksittäisiä rooleja muutettiin. Integroitu lähestymistapa on yleistymässä näyttelijät eivät halua tuntea olonsa epämukavaksi rooleissaan. Teatteritoiminnan muutosten ohella muut taiteen muodot eivät myöskään pysy paikallaan. Tanssi , musiikki , kuvataide ja kirjallisuus alkoivat imeä uusia värejä, kun taas taiteilijat viihtyvät hyvin yhteistyössä keskenään, kiinnittämättä huomiota erilaisiin koulutus- ja pätevyyksiin.
Kokeellinen teatteri on tehnyt osuutensa muutoksista teatterin vakiintuneisiin perinteisiin. Metamorfoosi tapahtui: