Japanilainen maalaus ( jap. 絵 画kaiga , "kuva, piirustus") on yksi vanhimmista ja hienostuneimmista japanilaisista taiteista, jolle on ominaista laaja valikoima genrejä ja tyylejä. Japanilaiselle maalaukselle ja kirjallisuudelle on tyypillistä osoittaa luonnolle johtava paikka ja kuvata sitä jumalallisen prinsiipin kantajana. [1] Toinen japanilaisessa maalauksessa laajalti käytetty aihe on arkielämän kohtausten kuvaaminen ja temaattiset maalaukset, jotka ovat usein täynnä hahmoja ja yksityiskohtia. Tämä perinne sai alkunsa epäilemättä varhaiskeskiajalla Kiinan vaikutuksen alaisena, mutta ajan myötä sitä alettiin nähdä osana edelleenkin olemassa olevaa japanilaista perinnettä.
Ensimmäinen maalaus Japanissa on peräisin Japanin paleoliittikaudelta .
Kofun- ja Asuka - aikoina ( 4. - 7. vuosisadat ), kiinalaisten kirjoitusten (hieroglyfien), Kiinan mallin mukaisen valtionhallinnon luomisen ja buddhalaisuuden leviämisen myötä Kiinasta tuotiin monia taideteoksia . Japani. Sen jälkeen Japani alkoi kopioida maalauksia kiinalaiseen tyyliin.
Buddhalaisuuden kehittyessä 6. ja 7. vuosisadalla Japanissa kukoisti uskonnollinen maalaus, jota käytettiin koristelemaan lukuisia aristokratian pystyttämiä temppeleitä, mutta yleisesti ottaen Nara-kaudella Japanissa panos taiteen ja kuvanveiston kehitykseen. oli suurempi kuin maalauksessa. Varhaisimpia säilyneitä maalauksia tältä ajalta ovat seinämaalaukset Horyu-ji-temppelin sisäseinillä Naran prefektuurissa . Nämä seinämaalaukset sisältävät tarinoita Buddha Shakyamunin elämästä .
Japanilaisessa maalauksessa on 1000- luvulta lähtien ollut yamato-e- suunta , maalaukset ovat vaakasuoria kääröjä, jotka havainnollistavat kirjallisia teoksia. Siitä lähtien Japanissa alkaa ilmestyä levyjä lahjakkaimmista artisteista, mukaan lukien Kose Kanaoke [2] .
1300-1600 - luvuilla kehittyi sumi-e- tyyli (yksivärinen mustemaalaus).
Terävä vastakohta Muromachi-kauden maalaukselle on Azuchi-Momoyama-kauden (1573-1603) maalaus. Hänelle on ominaista monivärinen tyyli, jossa käytetään laajasti kultaa ja hopeaa. Tuolloin Kanon koululla oli suuri maine ja arvovalta . Sen perustaja Eitoku Kano maalasi kattoseinät ja liukuovet erillisiin huoneisiin. Tällaiset maalatut elementit toimivat koristeina sotilaallisen aateliston linnoissa ja palatseissa.
Tänä aikana taide kääntyi ensimmäistä kertaa arjen teemoihin - teehuoneiden maailmaan, Kabuki-teatteriin, sumopaineihin. Puupiirrosten ilmestyminen liittyi kulttuurin demokratisoitumiseen, sillä kaiverruksille on ominaista levikki, halpa ja saavutettavuus. Jokapäiväisen maalauksen jälkeen kaiverrus tuli tunnetuksi nimellä ukiyo-e . Kaiverruskehitys liittyy taiteilija Hisikawa Moronobuun, joka kuvasi yksinkertaisia kohtauksia teehuoneiden asukkaiden, käsityöläisten elämästä, yhdistäen erilaisia liittymättömiä tapahtumia yhteen kaiverrukseen. Japanilainen kaiverrus 1780-1790. saapuu kukoistusaikaansa. Suzuki Haranobu käytti ensimmäisenä rullaustekniikkaa, joka luo siirtymisen tummasta vaaleaan, vaihteli linjojen paksuutta ja tekstuuria. Hän ei välittänyt todellisista väreistä, meri hänen kaiverruksissaan on vaaleanpunainen, taivas on hiekkainen, ruoho on sininen, kaikki riippuu kohtauksen yleisestä tunnetunnelmasta.
1800-luvun toiselta puoliskolta lähtien havaittiin taiteen jakautuminen kilpaileviin eurooppalaisiin ja perinteisiin tyyleihin. Meijin aikana Japanissa tapahtui suuria poliittisia ja yhteiskunnallisia muutoksia hallituksen ohjaaman eurooppalaistumis- ja modernisointiprosessin kautta. Länsimaista maalaustyyliä edisti virallisesti hallitus. Lupaavia nuoria taiteilijoita lähetettiin ulkomaille opiskelemaan, ja ulkomaalaiset taiteilijat saapuivat Japaniin kehittämään koulun taiteen opetussuunnitelmaa.
Alkuperäisen kiinnostuksen nousun jälkeen länsimaiseen taidetyyliin heiluri kuitenkin kääntyi päinvastaiseen suuntaan, ja perinteinen japanilainen tyyli elpyi. Vuonna 1880 länsimainen taiteen tyyli kiellettiin virallisista näyttelyistä ja sitä arvosteltiin voimakkaasti.
Taishō-aikakausi osuu lyhyelle ajanjaksolle Japanin Meijin aikakauden (1868–1912) nopeutetun modernisoinnin ja Showa-ajan alkuvuosien (1926–1989) aggressiivisen militarismin välillä.
Taishō-kausi alkoi 30. heinäkuuta 1912 keisari Mutsuhiton (Meiji, 1852–1912) kuolemalla ja kruununprinssi Yoshihiton (1879–1926) taivaaseenastumisen myötä. Uusi keisari valitsi hallituskautensa tunnuslauseeksi Taishon, joka tarkoittaa "suurta oikeudenmukaisuutta". Huono terveys pakotti hänet jäämään eläkkeelle vuonna 1921, ja hänen vanhin poikansa Hirohito (1901–1989), tuleva Shōwan keisari, julistettiin prinssivaltionhoitajaksi.
Samaan aikaan myös maalauksen kehitys sai uuden kierroksen. Perinteiset genret olivat edelleen olemassa, mutta länsi vaikutti niihin merkittävästi. Samaan aikaan monet nuoret taiteilijat kiinnostuivat impressionismista, postimpressionismista, kubismista, fauvismista ja muista länsimaissa kehittyvistä taiteellisista liikkeistä.
Yleisesti ottaen Taisho-aikaa voidaan kutsua japanilaisten ja länsimaisten piirteiden ja tekniikoiden sekoittamisen ajaksi lähes kaikenlaisessa taiteessa ja luovuudessa.
Showa-aikakausi on Japanin historian ajanjakso 25. joulukuuta 1926 7. tammikuuta 1989, jolloin Hirohito oli keisari (1901-1989). Hän valitsi hallituskautensa tunnuslauseeksi Showan, joka voidaan kääntää "valaistunut maailma".
Sodanjälkeisen maalauksen historian tunnetuimpia taiteilijoita olivat Okumura Togyu (1889-1990), joka tuli tunnetuksi kuvaamalla sata näkymää Fuji-vuorelle, ja Higashiyama Kaii (1908-1999), joka tuli tunnetuksi. , erityisesti siksi, että hän loi ja kunnosti monien japanilaisten palatsien ja temppelien seinämaalauksia (Keisarillinen palatsi, Toshodaijin temppeli jne.). Länsimaalaisessa maalauksessa tunnetuin taiteilija on Hayashi Takeshi (1896-1975), jonka työt voidaan jäljittää Cezannen, Picasson, Modiglianin vahvaan vaikutukseen.
| Aasian maat : Maalaus | |
|---|---|
| Itsenäiset valtiot |
|
| Riippuvuudet | Akrotiri ja Dhekelia Brittiläinen Intian valtameren alue Hong Kong Macao |
| Tuntemattomat ja osittain tunnustetut valtiot |
|
| |