Anti -taide on laajalti käytetty termi, joka viittaa avantgardistisiin käsitteisiin, asenteisiin ja liikkeisiin, jotka hylkäävät alkuperäisen taiteen määritelmän ja kyseenalaistavat taiteen kokonaisuutena. Termi yhdistetään ensisijaisesti dadaan - 1900-luvun alun taiteen modernistiseen liikeeseen, ja sitä käytti ensimmäisen kerran noin 1913-1914 ranskalainen ja amerikkalainen taiteilija, taideteoreetikko Marcel Duchamp , kun hän alkoi luoda ensimmäisiä teoksia valmiina . tekniikka [1] . Myöhemmin termin otettiin käyttöön 1960-luvun konseptualistien keskuudessa kuvaamaan perinteisistä taidekäytännöistä luopuneiden taiteilijoiden töitä ja myyntiin tarkoitettujen teosten luomista sekä monia muita taidesuuntauksia, kuten 1950- luvun lopun postitaidetta tai Nuoret brittitaiteilijat, jotka aloittivat yhteisen uransa vuonna 1988 [1] .
Antitaideteokset voivat ilmaista erimielisyyttä siitä, että taide ja elämä on erotettu toisistaan, sekä kyseenalaistaa taiteen olemassaolon [2] . "Antitaide on ilmeinen paradoksaalinen neologismi . Vaikka taide voidaan määritellä, antitaide on määritelmän vastaista. Luominen on siis olennainen osa taidetta, antitaide ilmaisee itsensä tuhossa” [3] . Antitaide toimi selkeänä vastakohtana 1900-luvun taiteen virtauksille, erityisesti niille virtauksille, jotka tietoisesti pyrkivät poikkeamaan perinteistä tai instituutioista. Antitaide sinänsä ei kuitenkaan ole erillinen taideliike, vaan se voidaan määritellä melko laajalla aikakehyksellä. Siten jotkin taiteen virrat tunnistivat itsensä antitaiteen kanssa, kuten Dada -virta . Theodor Adorno teoksessaan "Aesthetic Theory" (1970) toteaa: "...taiteen täytyy mennä oman määritelmänsä, oman käsitteensä pidemmälle pysyäkseen sille uskollisena. Ajatus taiteen lakkauttamisesta tekee taiteelle kunniaa , sillä se todistaa sen jalosta totuudenpyrkimyksestä .
Antitaide voi hyväksyä tai ei hyväksy taiteen muotoja [5] . On kuitenkin kiistanalainen väite, jonka mukaan antitaiteen ei tarvitse ottaa taiteen muotoa täyttääkseen tehtävänsä taiteen vaihtoehtona [6] . Jotkut antitaiteen muodot pyrkivät löytämään taiteen yleisesti hyväksyttyjä rajoja laajentaen samalla niiden ominaisuuksia [7] . Antitaide voi tehdä tyhjäksi sekä taiteen yksittäiset näkökohdat että taiteen kokonaisuutena.
Joitakin esimerkkejä taiteen vastaisesta puolestapuhujasta leikataan taiteen perustavanlaatuisia rakennuspalikoita. Esimerkkejä tästä ilmiöstä ovat yksivärinen maalaus , tyhjät kehykset, hiljaisuusmusiikki , aleatoria .
Anti-art käyttää usein myös innovatiivisia materiaaleja ja tekniikoita sisällyttääkseen taiteeseen aiemmin käyttämättömiä elementtejä. Esimerkkejä innovatiivisten tekniikoiden ja materiaalien käytöstä antitaiteessa ovat ready-made , löytötaide , julkaisu , sekatekniikka , appropriaatio , tapahtuma , performanssi , body art [7] .
Antitaide voi vastustaa aineellisen taideteoksen luomista. Tämä tavoite voidaan saavuttaa taiteellisilla lakoilla tai vallankumouksellisella aktivismilla [5] .
Antitaiteen tarkoitus voi olla myös taiteen individualismin vähentäminen käyttämällä valmiita tuotteita , teollisia taiteen tuotantotapoja, anonyymiä teosten tuotantoa tai taiteilijoiden kieltäytymistä esittämästä teoksia yleisölle [8] [9] . Taiteilijat voivat myös muodostaa ryhmiä hämärtääkseen yksilöllisyytensä rajoja teoksessa. Jotkut antitaiteilijat tuhoavat omia taideteoksiaan ja luovat tarkoituksella tuhottavia teoksia [9] [10] . Tämä suuntaus näkyy itsetuhoisessa taiteessa.
Antitaide voi myös tehdä tyhjäksi taidemarkkinoiden ja elitistisen taiteen .
Jean-Jacques Rousseau kiisti eron näyttelijän ja katsojan, elämän ja teatterin välillä [11] . Karl Marx väitti, että taide on seurausta luokkajärjestelmästä ja päätteli siten, että kommunistisessa yhteiskunnassa on vain ihmisiä, jotka ovat mukana taiteen tuotantoprosessissa, mutta eivät ole taiteilijoita [12] .
Ensimmäinen liike, joka asettui taiteen vastakohtaan, oli 1800-luvun lopulla Pariisissa ilmestynyt untied art . Virran perustaja oli ranskalainen kirjailija ja publicisti Levi Jules, joka järjesti vuonna 1882 ensimmäisen vapautettujen taiteilijoiden näyttelyn kuuluisassa boheemissa kabareessa " Black Cat " ja kutsui esillä olevia teoksia "piirroksia ihmisistä, jotka eivät osaa piirtää" [13] . Näyttelyitä pidettiin vuoteen 1896 asti, ja ne olivat erittäin suosittuja korkean viihteen vuoksi. Tämän liikkeen edustajat tuottivat satiirin , pilkan ja pilkkaamisen halussaan valtavan määrän teoksia, jotka muistuttavat 1900-luvun avantgarde-taidetta : valmiita [14] , yksivärisiä maalauksia [15] , tyhjiä kehyksiä [16] , hiljaisuuden musiikkia.
Dadan varhaiset alkuperät voidaan jäljittää pariisilaiseen "fumismin kouluun" , jonka loi pariisilainen "vapauttautuneiden taiteilijoiden" ryhmä lähes neljäkymmentä vuotta ennen ensimmäisen Dada -manifestin luomista [17] .
Dada-trendi syntyi vuonna 1916 ensimmäisen maailmansodan aikana neutraalissa Zürichissä - maailman maanpakopääkaupungissa, vallankumouksellisten, karkureiden ja seikkailijoiden kaupungissa - ikonisessa Cabaret Voltairessa - vapaa-ajattelijoille tarkoitetussa puolikellarissa. Virtaus syntyi reaktiona ensimmäisen maailmansodan tapahtumiin , ihmiskunnan ensimmäiseen laajamittaiseen shokkiin 1900-luvulla, joka taiteilijoiden mukaan korosti jälleen kerran olemisen turhuutta. Liikkeen perustaja on romanialainen runoilija Tristan Tzara , joka kerran törmäsi sanaan "dada" sanakirjassa ja päätti, että tästä "täysin merkityksettömästä" sanasta voisi tulla "koko liikkeen menestynein nimi" [18] . Rationalismi ja logiikka julistettiin globaalin konfliktin pääsyyllisiksi, dadaistit tarjosivat vaihtoehtona järjettömyyttä, kanonien tuhoamista, epäsysteemisyyttä [19] . Dadaa ehdotettiin vaihtoehdoksi kaikille taiteellisille käytännöille, samoin kuin "anti-ismin" virta. Dadaistien tärkein idea oli kaiken estetiikan tuhoaminen ja hylkääminen .
Neuvostoliitossa dadaa edusti Nichevoki- kirjallisuusryhmä [ 20] .
Vuodesta 1913 lähtien Marcel Duchamp , joka oli aktiivisesti vuorovaikutuksessa dadaistien kanssa, alkoi luoda sarjaa vallankumouksellisella valmiilla tekniikalla tehtyjä teoksia [1] , jotka julistivat, että mistä tahansa esineestä voi tulla taideteos allekirjoittajan tahdosta. se näyttelyn tai museon yhteydessä.
Neuvosto-Venäjällä vuonna 1919 syntyneestä konstruktivismista tuli yksi avantgardistisen , proletaarisen , "tuotantotaiteen" suunnasta, joka kehotti kaikkia taiteilijoita luopumaan käsitteestä " taide taiteen vuoksi " arjessa hyödyllisen taiteen nimissä. elämä, joka palvelisi ihmisiä [21] [22] . Taiteen sosiaalinen tehtävä on mietitty täysin uudelleen. Vuonna 1921 5x5=25 abstraktin taiteen näyttelyssä Moskovassa Aleksanteri Rodtšenko esitteli yksivärisen triptyykin "Smooth Color" ja julisti "maalauksen lopun" [23] . Rodtšenkon radikaalit näkemykset ja toiminta lopettivat porvarilliset normit ja käytännöt taiteessa ja avasivat tien uudelle venäläiselle elämälle ja kulttuurille [24] .
1920-luvulla Dada sulautui surrealismiin Ranskassa ja ekspressionismiin Saksassa [25] .
Termiä surrealismi käytti ensimmäisen kerran vuonna 1917 Guillaume Apollinaire New Spirit -manifestissaan, joka kirjoitettiin baletin Parade ensi -iltaa varten Pariisin Chatelet-teatterissa [26] , josta tuli myöhemmin skandaali. Surrealismi sai alkunsa Ranskasta, mutta kattoi myöhemmin melkein koko maailman. Ranskalainen kirjailija ja runoilija Andre Breton antoi merkittävän panoksen liikkeen kehitykseen . Tapettuaan Guillaume Apollinairen ensimmäisen maailmansodan etulinjoissa Breton tutustui Philippe Soupaultin , jonka kanssa hän julkaisi vuonna 1919 ensimmäisen surrealistisella automaattisella kirjoitustekniikalla kirjoitetun sävellyksen "Magnetic Fields". Sen jälkeen, kun ensimmäinen surrealismin manifesti julkaistiin vuonna 1924, suuntaus sai selkeän ohjelman, jonka asiakirjassa hahmotteli Andre Breton , josta tuli surrealismin ideologi ja johtaja. Surrealistit luottivat filosofiassaan vasemmistolaisten teoreetikkojen, kuten Walter Benjaminin ja Herbert Marcusen , sekä Sigmund Freudin työhön , joka liittyy vapaan assosioinnin menetelmään , unien analysointiin ja tiedostamattomia vapauttaakseen heidän mielikuvituksensa täysillä. Surrealistiryhmä pyrki mullistamaan ihmiskunnan kulttuuriset, sosiaaliset ja poliittiset esitykset. He pyrkivät vapauttamaan ihmisen väärästä rationaalisuudesta, joka kahlitsi heidän perinteitään ja rakenteitaan. Poliittisesti surrealismi oli ultravasemmistolaista ja tuki kommunisteja ja anarkisteja . 1930-luvulla monet surrealistit samaistuivat kommunisteihin [27] . Breton ja hänen toverinsa tukivat Leon Trotskia [28] ja hänen vasemmistooppositiota jonkin aikaa , mutta toisen maailmansodan jälkeen surrealistit ottivat suunnan kohti anarkismia [29] .
1940-luvun puolivälissä romanialainen maahanmuuttaja Isiodor Izu perusti Pariisiin uuden avantgardistisen lettrismin liikkeen [30] yhdessä Gabriel Pomeranin kanssa , jonka perustajat julistivat ylpeänä "modernin taiteellisen avant-annin ainoaksi virtaukseksi". puutarha" . Vuonna 1947, ensimmäisessä lettrismin manifestissa "Uudelle runoudelle, uudelle musiikille" Izu julistaa kirjeen (kirjeen) minkä tahansa estetiikan ja kaikenlaisen taiteellisen luovuuden pääelementiksi. Lettristit pyrkivät yksilön vapauttamiseen levittämällä luovuutta laajasti jokapäiväiseen elämään, puolsivat koko elämän muutosta, kieltäytyivät työnjaosta ja erikoistumisesta, ja ehdottivat myös ihmisten elämän kaikkien alojen muutosta. Kokonaisvaltaisen taiteen piti tavoittaa ehdottomasti kaikki ihmiset ympäri maailmaa heidän kansallisuudestaan riippumatta. Lettristinen runous suunniteltiin ensimmäiseksi todelliseksi kansainväliseksi.
Vuonna 1956 Gottfried Wilhelm Leibnizin infinitessimaalien ja isojen laskemista koskevista ajatuksista inspiroimana Izu alkoi kehittää ajatusta taideteoksesta, jota luonteensa vuoksi ei voitu luoda todellisuudessa, mutta joka kuitenkin ihmismieli voisi esteettisesti havaita.
Vuonna 1960 Izu loi transtemporaalista taidetta, joka antoi katsojille mahdollisuuden osallistua teosten luomiseen sekä tulla suoraan osaksi tiettyä teosta. Hypoteesi elokuvan kuolemasta ja sen muuttumisesta loputtomaksi tapahtumaksi , jonka Izu esitti teoksessa "Cinema Aesthetics", omaksui toinen suuntaus - situatismi.
Japanissa 1950-luvun lopulla, kaukana korkeakulttuurisesta Tokiosta, ilmestyi Kyushu-taideryhmä, jonka edustajat alkoivat taistella taiteilijoiden henkilökohtaisiin yhteyksiin ja "mestari-seuraaja" -järjestelmään perustuvaa näyttelypolitiikkaa vastaan. Teosten syntyprosessissa käytetyt innovatiiviset materiaalit nousivat etualalle: näin itse materiaalista tuli taideteos, samoin kuin taiteilijan vuorovaikutus sen kanssa. Kyushu-ryhmän edustajat omaksuivat innokkaasti informalismin ideat leikkaamalla, likaanen ja rikkoen materiaaleja, mikä usein tuhosi teoksen luomisprosessissa. Taiteilijat repivät ja polttivat kankaita, nitoivat aaltopahvin paloja nitojalla käyttäen nauloja, muttereita, jousia, säkkikangasta, roskaa töissään, minkä jälkeen he hautasivat teoksensa ja hautasivat ne maahan. Kyukyu-ryhmää pidetään tärkeänä antitaiteen osana.
1950-luvun alussa Lettrist International (LI) ja sittemmin Situationist International (SI) (1957) alkoivat kehittää uutta dialektiikkaa, joka perustui ajatukseen taiteen korvaajan luomisesta ja taiteen tuhoamisesta. erillinen, erikoistunut toiminta ja sen muuttaminen arkielämän rakenteeksi. Situalistisen näkökulmasta taide saattoi olla yksinomaan vallankumouksellista, joten he näkivät päätehtävänsä dadaistien ja surrealistien työn täydentämisessä ja täydentämisessä ja samalla niiden tuhoamisessa [31] . Situationistit luopuivat kokonaan taiteen tuotannosta [5] . Situationistinen internationaali oli luultavasti radikaalein, [5] [32] politisoitunein, [5] järjestäytynein ja teoreettisin taiteen vastainen virtaus, joka saavutti huippunsa toukokuussa 1968 Ranskassa opiskelijamielenosoitusten ja joukkotaistelujen aikana. Situationistit vetosivat luoviin nuoriin edistäen ajatusta kulttuurivallankumouksesta . Vaikka vuoden 1968 epäonnistuneen kansannousun jälkeen situatioismi osoittautui vain utopistiseksi, kestämättömäksi teoriaksi, tämän liikkeen ideoilla oli merkittävä vaikutus maailman kulttuurin ja politiikan kehitykseen.
1960- ja 1970-luvun vaihteessa taiteilijat alkoivat etsiä vaihtoehtoja modernismille , juuri tähän aikaan alkoi muotoutua modernin postmodernin taiteen kasvot .
Ajatuksen neodadasta ehdotti jo vuonna 1922 hollantilainen taiteilija Theo van Doesburg alkuperäisen virran kriisin aikana. Myöhemmin ajatus Dada-trendin elvyttämisestä oli olemassa melko pitkään. Termi neodada ilmestyi Artnews-lehden sivuille lähes 40 vuotta myöhemmin, vuonna 1958, ja sitä käytettiin suhteessa Jasper Johnsiin ja Robert Rauschenbergiin , kahteen yhdysvaltalaiseen taiteilijaan, jotka olivat taiteeltaan lähellä tuolloin nousevaa poptaideliikettä [ 33] . Neodada esiintyi vastapainona abstraktille ekspressionismille , joka usein samaistui juuri poptaiteeseen , fluxoihin ja uuteen realismiin [34] .
Pop-taide haastaa kuvataiteen perinteet esittämällä teoksissa populaarikulttuurin kuvia , kuten mainoksia , uutisia , sarjakuvia , kulutustavaroita, usein vetämällä materiaalia pois tavanomaisesta kontekstistaan ja sijoittamalla sen uuteen, absurdiin muotoon [35] ] [36] . Pop-taide ytimessä oli sekä dadan jatkoa että luopumista. Vaikka molemmat virtaukset tutkivat samanlaisia teemoja, poptaide korvasi tuhoavat, satiiriset ja anarkistiset ideat populaarikulttuurin dada-esineillä . Nykytaiteilijat pyrkivät karkottamaan yksilöllisyytensä teoksesta, korvaamalla käsityön konetuotannolla, he pyrkivät teostensa massa- ja kopiointiin. Poptaiteen venäläistä versiota pidetään sots-taideena , joka ilmestyi Neuvostoliitossa 1970-luvulla.
Fluxus -taideliike syntyi 1960-luvulla ja toi mukanaan vahvan anti-taiteelle ominaisen antikaupallisuuden. Nykyisen halveksitun taiteen taiteilijat suuntasivat taidemarkkinoille luovien käytäntöjen puolesta, jotka nostivat taiteilijan etusijalle. Esityksissään , jotka järjestettiin eri aikoina festivaaleilla Pariisissa, Kööpenhaminassa, Amsterdamissa, Lontoossa ja New Yorkissa, taiteilijat yrittivät hämärtää todellisen elämän ja taiteen, taiteilijan ja katsojan välistä rajaa [37] [38] [39] . Fluxus - liike houkutteli paitsi taiteilijoita, myös kokeellisen musiikin genressä työskenteleviä muusikoita . Liikkeen taiteilijat omaksuivat synteettisen taiteen käsitteen ja työskentelivät siten monissa medioissa ja tekniikoissa, kuten performanssissa , tapahtumassa , kollaasissa , äänitaidessa, videotaideessa , visuaalisessa runoudessa, hahmorunoudessa . Virta on edelleen olemassa ja sillä on tärkeä rooli "taide"-käsitteen paljastamisessa [40] . Taiteilijaryhmän ansiosta Fluxus kasvoi vuonna 1964 kansainväliseksi liikkeeksi postitaiteen aikana .
Konseptualismi alkoi muotoutua 1960- ja 70-luvuilla . Termin keksijä kuuluu Henry Flintille , muusikolle ja filosofille, joka käytti termiä samannimisessä esseessä vuonna 1961 [41] , mutta liikkeen perustaja ja ideologinen inspiroija on amerikkalainen taiteilija Joseph Kossuth , joka ehdotti taide- ja kulttuuriteoksen toimintojen perusteellista uudelleenarviointia [42] .
Konsepti tulee esiin, taiteen tavoitteena on välittää ideaa, johon liittyy katsojan henkinen vuorovaikutus teoksen kanssa. Teoksen fyysinen ilmaisu ja emotionaalinen havainto jäävät taustalle.
Moskovan käsitteellisyys ilmestyi Neuvostoliitossa 1970-luvun alussa [43] [44] .
Käsitteellisyys on avannut tien monille ei-perinteisille taiteen medioille ja niiden laajalle levinneisyydelle: videotaide , performanssitaide , actionismi , installaatiotaide ja muut. Myöhemmin tekniikan kehitys antoi taiteilijoille mahdollisuuden ottaa uusia tekniikoita luovaan prosessiin, mikä vaikutti tietokonetaiteen , verkkotaiteen ja elektronisen taiteen syntymiseen.
1900-luvun jälkipuoliskolla ja varsinkin 1990-luvulla ilmestyi uuskonseptualismi , joka on modernia jatkoa 1960- ja 1970-lukujen konseptualismin perinteille . Uuskonseptualismi jatkaa taiteen, politiikan, median ja yhteiskunnan peruskysymysten tutkimista.
Yksi tunnetuimmista uuskonseptualiseista on Young British Artists -ryhmä , jolla on ollut korkea asema taidemaailmassa 1980-luvun lopulta lähtien [45] .
Kaikki eivät kuitenkaan jaa uuskonseptualistien näkemyksiä. Nuorten brittiläisten taiteilijoiden vastakohtana vuonna 1999 ilmestyi joukko stuckistisia taiteilijoita , joista on nykyään kasvanut kansainvälinen taideliike [46] . Stackistinen manifesti vastustaa " konseptualismia , hedonismia ja taiteilijan itsekkyyden kulttia" [47] , vertaamalla postmodernismia "apinaan, joka on joutunut idiotismin pussiin" ja julistaen maalauksen ensisijaisuutta taiteessa [47] .
Niin paradoksaalista kuin se kuulostaakin, antitaide on nykyään yleisesti tunnustettu taiteen muoto, mutta jotkut taiteilijat, kuten kauppiaat , kiistävät edelleen Duchampin valmiiden teosten taiteellisen arvon ja julistavat antitaiteen vastaisuutta vaihtoehtona. anti-taiteen manifesteissaan [48] [49] .