Klassinen Hollywood - elokuva on elokuvakritiikassa käytetty termi kuvaamaan sekä kerronnallista että visuaalista elokuvanteon tyyliä, josta tuli tyypillistä yhdysvaltalaiselle elokuvalle 1910-luvun (välittömästi ensimmäisen maailmansodan jälkeen ) ja 1960-luvun välillä [1] . Tämän seurauksena siitä on tullut maailman vaikutusvaltaisin ja laajin elokuvantekotyyli [2] . Samanlaisia tai samankaltaisia termejä ovat Classical Hollywood Narrative , Hollywood Age Age , Old Hollywood ja Classical Continuity [3] .
Teatteri on vuosisatojen ajan ollut kertovan taiteen ainoa visuaalinen standardi . Siitä lähtien, kun ensimmäiset kerrontaelokuvat esiteltiin 1890-luvun puolivälissä ja lopulla, elokuvantekijät ovat pyrkineet vangitsemaan elävän teatterin energiaa valkokankaalle. Suurin osa näistä elokuvantekijöistä aloitti ohjaajina 1800-luvun lopulla, aivan kuten useimmat elokuvanäyttelijät aloittivat vaudevillessä (esim . Marxin veljekset [4] ) tai teatterimelodraamoissa. Visuaalisesti varhaiset kerronnalliset elokuvat lainasivat vähän teatterista ja niiden kerronnallinen sisältö voudevillestä ja melodraamasta. Ennen visuaalisen tyylin ilmaantumista, joka tulee tunnetuksi nimellä "klassinen jatkuvuus", kohtaukset kuvattiin täyspitkiä huolellisesti harjoitellulla koreografialla, jotta juoni ja hahmosuhteet välittyvät tarkasti. Muokkausmahdollisuudet olivat tuolloin erittäin rajalliset ja koostuivat enimmäkseen lähikuvien lisäämisestä kohteista korostamaan krediittejä.
Huolimatta teatterille ominaisen näkyvän realismin puutteesta, elokuva (toisin kuin teatteri) tarjoaa vapauden manipuloida aikaa ja tilaa ja luo siten realismin illuusion - ajallisen lineaarisuuden ja tilan jatkuvuuden. 1910-luvun alussa, kun " Lost Generation " -ryhmän jäsenet tulivat täysi-ikäisiksi, elokuvateollisuus alkoi toteuttaa luovaa potentiaaliaan. Ruotsissa ja Tanskassa tämä ajanjakso tunnettiin myöhemmin elokuvan "kulta-ajana"; Amerikassa elokuvantekijät, kuten D. W. Griffith , joka lopulta erosi Edison Trustista , alkoivat tehdä omia elokuviaan tuotantomonopolista riippumattomina tämän luovan muutoksen pioneereina. Elokuvat ympäri maailmaa ovat alkaneet omaksua klassisen Hollywood-elokuvan visuaalisia ja kerronnallisia elementtejä. 1913 oli tälle suunnalle erityisen hedelmällinen vuosi, sillä uraauurtavat ohjaajat useista maista loivat sellaisia mestariteoksia kuin "Äidin sydän"(D. W. Griffith), "Ingeborg Holm"( Victor Sjöström ) ja Pariisilainen vauva ( Leonce Perret), jotka asettavat uudet standardit elokuvalle tarinankerrontamuodossa. Myös tänä vuonna Jevgeni Bauer (ensimmäinen oikea elokuvataiteilija Georges Sadoulin mukaan [5] ) [6] aloitti lyhyen mutta hedelmällisen uransa .
Maailmassa ja erityisesti Amerikassa Griffithin vaikutus elokuvateollisuuteen oli vertaansa vailla. Vähemmän vaikutusvaltaisia olivat hänen näyttelijät, jotka mukauttivat teatteritaidetta uuteen ympäristöön. Tässä suhteessa Lillian Gish , Mother's Heartin tähti, erottuu erityisesti. Griffithin vuoden 1915 eepos The Birth of a Nation oli uraauurtava elokuvalle tarinankerrontavälineenä – siitä tuli kirjallisen kerronnan mestariteos lukuisilla innovatiivisilla visuaalisilla välineillä. Elokuva vaikutti amerikkalaisen elokuvan kehitykseen niin paljon, että se vanhentui muutamassa vuodessa [7] . Vaikka vuosi 1913 oli elokuvanteon maailmanlaajuinen virstanpylväs, 1917 oli läpimurtovuosi Yhdysvalloille, jolloin alkoi "klassisen Hollywood-elokuvan" aikakausi, jolle oli tunnusomaista kerronnallinen ja visuaalinen tyyli, joka vuoteen 1917 mennessä oli tullut hallitsemaan amerikkalaista elokuvaa .
Klassisen Hollywood-elokuvan tarinankerrontaa ja visuaalista tyyliä kehitettiin edelleen äänielokuvaan siirtymisen jälkeen. Suuret muutokset amerikkalaisessa elokuvatuotannossa johtuivat studiojärjestelmän kasvusta . Tämä tuotantomuoto, jonka valtavirran "tähti"järjestelmä on useiden avainstudioiden [9] edistämä , on ennen äänielokuvaa. 1920-luvun puoliväliin mennessä useimpien 1910-luvun alusta itsenäisesti työskennelleiden merkittävien amerikkalaisten ohjaajien ja näyttelijöiden täytyi liittyä tähän studiojärjestelmään voidakseen jatkaa työskentelyä.
Asiantuntijoilla ei ole yksiselitteistä mielipidettä äänielokuvan aikakauden alkamisesta. Jotkut pitävät sitä elokuvana The Jazz Singer , joka julkaistiin vuonna 1927, kun sotien välinen sukupolvi tuli täysi-ikäiseksi., jonka kiinnostus lisäsi elokuvien lipputuloja, kun ne esittelivät äänen [10] . Toisten mukaan tämä aikakausi alkoi vuonna 1929, jolloin äänielokuva lopulta korvasi hiljaisen [11] . Suurin osa Hollywood-kuvista 1920-luvun lopulta 1960-luvulle yhdistettiin läheisesti lännen , slapstick-komedian , musikaalin , sarjakuvan ja elämäkertalajeihin (elämäkerrallisiin) genreihin. Elokuvien parissa työskentelivät usein samat luovat ryhmät ja samat studiot. Esimerkiksi Cedric Gibbons ja Herbert Stothart työskentelivät vain MGM :lle ; Alfred Newman työskenteli 20th Century Studiosilla kaksikymmentä vuotta; lähes kaikki Cecil B. DeMillen elokuvat tehtiin Paramount Picturesissa [12] ja Henry Kingin ohjaamat elokuvat tehtiin enimmäkseen Twentieth Century Foxille. Samoin suurin osa tuon ajan näyttelijöistä oli jonkin studion sopimustyöntekijöitä. Elokuvahistorioitsijat huomauttavat, että kesti noin vuosikymmenen ennen kuin elokuvat sopeutuivat ääneen ja palasivat mykkäelokuvien taiteellisen laadun tasolle - tämä tapahtui 1930-luvun lopulla, kun suuri sukupolvi tuli täysi-ikäiseksi .
Monet tänä aikana syntyneet suuret elokuvamestariteokset olivat erittäin säännellyn elokuvan tuotannon tulosta. Yksi syy, joka teki tämän mahdolliseksi, oli tehtyjen elokuvien suuri määrä - lähestymistapa niihin oli erilainen. Studio voisi panostaa keskibudjetin elokuvaan, jossa on hyvä käsikirjoitus ja suhteellisen tuntemattomat näyttelijät. Tällainen oli Orson Wellesin Citizen Kane (1941) , jota jotkut pitävät kaikkien aikojen parhaana elokuvana. Wellsin lisäksi ohjaajat kuten Howard Hawks , Alfred Hitchcock ja Frank Capra osoittivat tahtoa toteuttaa taiteellisia visioitaan. Studiojärjestelmän huipentuma saattoi olla vuosi 1939, jolloin julkaistiin sellaiset klassikot kuten The Wizard of Oz , Gone with the Wind , The Hunchback of Notre Dame , Stagecoach , Mr Smith Goes to Washington , Destry Riding Back , " Your Mr. . Lincoln ", " Wuthering Heights ", " Only Angels Have Wings ", " Ninochka ", " Bo Geste ", "Kaunottaret käsivarsissa", " Gunga Din ", " Women ", " Goodbye Mr. Chips " ja " Roaring Twenties " [13] .
David Bordwellin [14] kehittämä klassisen Hollywood-elokuvan visuaalinen kerrontatyyli sai voimakkaasti vaikutteita renessanssin ideoista . Tämä tyyli eroaa kolmella yleisellä tasolla: laitteet, järjestelmät ja järjestelmäsuhteet.
Yksi klassisen Hollywood-elokuvan tekniikoista on jatkuvuuseditointi ., "Kaunottaret käsivarsissa". Se sisältää 180 asteen säännön , joka on yksi elokuvan tärkeimmistä visuaalisista ja tilallisista elementeistä. Tämä tekniikka on sopusoinnussa "valokuvauspelin" tyylin kanssa, ja se luo kuvitteellisen 180 asteen akselin katsojan ja kehyksen välille, jolloin katsojat voivat selkeästi navigoida toiminnan sijainnissa ja suunnassa kohtauksessa. 30 asteen säännön mukaan, leikkauskulman, josta kohtausta tarkastellaan, on oltava riittävän merkittäviä, jotta katsoja ymmärtää perspektiivinmuutoksen tarkoituksen. Leikkaukset, jotka eivät noudata 30 asteen sääntöä, joita kutsutaan hyppyleikkauksiksi , rikkovat illuusion kehysten välisestä ajallisesta jatkuvuudesta. 180 asteen ja 30 asteen säännöt ovat elokuvan perusohjeita, jotka ovat yli vuosikymmenellä ennen klassisen aikakauden virallista alkamista, kuten nähdään uraauurtavassa vuonna 1902 ranskalaisessa elokuvassa Matka kuuhun . Klassisen montaasin leikkaustekniikat auttavat luomaan tai ylläpitämään kerronnan jatkuvuutta, kuten rinnakkaistoiminta , joka vahvistaa toimintojen samanaikaisuuden eri paikoissa. Hyppyleikkaukset ovat sallittuja akselikehyksenä, joka ei muuta kulmaa ollenkaan, mutta jolla on selkeä tarkoitus näyttää perspektiiviä lähempänä tai kauempana kohteesta, eikä se siksi häiritse ajallista jatkuvuutta [15] .
Klassinen Hollywood-tarina kehittyy aina psykologisen motivaation vuoksi, eli hahmon tahdon ja hänen kamppailunsa esteitä vastaan matkalla tiettyyn päämäärään. Tämä kerronnallinen elementti koostuu yleensä pääkertomuksesta (kuten romaanista), joka on kietoutunut toissijaiseen kertomukseen tai kertomuksiin. Tarina on rakenteeltaan erehtymätön alku, keskikohta ja loppu, ja sillä on yleensä selkeä lopputulos. Hahmojen käyttö, tapahtumat, syy-seuraus -suhteet, pää- ja toissijaiset kohdat ovat tämän tyyppisen tarinankerronnan pääpiirteitä. Klassisen Hollywood-elokuvan sankareilla on selkeitä piirteitä, he ovat aktiivisia ja erittäin määrätietoisia. He ovat yksilöitä, joita motivoivat pikemminkin psyykkiset kuin sosiaaliset ongelmat [2] . Narratiivi on kausaalisuhteiden ketju yksilöiden kanssa - klassisessa narratiivissa tapahtumat eivät tapahdu sattumalta.
ElokuvaaikaAika klassisessa Hollywood-elokuvassa on jatkuvaa, lineaarista ja yhtenäistä epälineaarisuuden vuoksisisältää ympäristön illusorisen luonteen. Ainoa tässä muodossa sallittu aikamanipulaatio on flashback . Sitä käytetään pääasiassa hahmojen selkeään esiintymisjärjestykseen juonen, esimerkiksi elokuvassa " Casablanca " [16] .
SpaceKlassisen jatkuvuuden pääsääntö tilan suhteen on kohteen pysyvyys: katsojan on uskottava, että kohtaus on olemassa elokuvakehyksen ulkopuolella, jotta kuvan realistisuus säilyy. Klassisen Hollywoodin avaruus pyrkii voittamaan tai piilottamaan elokuvan kaksiulotteisuuden ("näkymätön tyyli") ja keskittyy voimakkaasti ihmiskehoon. Useimmat klassisen elokuvan otokset keskittyvät eleisiin tai ilmeisiin ( keskikokoiset kuvat ). André Bazin vertasi kerran klassista elokuvaa kuvattuun näytelmään siinä mielessä, että tapahtumat näyttävät olevan objektiivisesti olemassa ja kamerat antavat meille vain parhaan näkemyksen kaikesta, mitä tapahtuu [17] .
Tämä tilan tulkinta koostuu neljästä pääasiasta: keskitys, tasapainotus, frontaalisuus ja syvyys. Merkittävät kasvot tai esineet ovat enimmäkseen ruudun keskellä eivätkä koskaan epätarkkoja. Tasapainotuksella tarkoitetaan visuaalista sommittelua, eli hahmot jakautuvat tasaisesti koko ruudulle. Toiminta on suunnattu katsojaan (frontaalisuus) ja maisemaan, valaistus (lähinnä kolmipistevalaistus, erityisesti vaaleat valot ) ja puvut on suunniteltu erottamaan etuala taustasta (syvyys).
Avaruuden ja ajan aspektit ovat narratiivisen elementin alisteisia.
Hollywoodin "kulta-aikaa" on arvosteltu rotuun liittyvistä stereotypioista (erityisesti afroamerikkalaisten ongelmasta [18] [19] ) realismin puutteeseen, mikä johti realistisempaan elokuvatyyliin toisen maailmansodan jälkeen [20] . [21] [22] .
1960- ja 70-luvun uuteen Hollywoodiin vaikutti klassisen aikakauden romantiikka [23] , samoin kuin ranskalainen uusi aalto [24] .