Kaakkois-Euroopan musiikkia
Itse sana "musiikki" on antiikin kreikkalaista alkuperää ( kreikaksi Μουσική ) ja tulee "muusista" - antiikin kreikkalaisen mytologian Zeuksen tyttäristä , jotka synnyttivät runoutta, taidetta ja tiedettä.
Muinaisessa Kreikassa musiikki seurasi eri elämänaloja ja soi julkisissa kokouksissa ja tapahtumissa, rituaaleissa, teatterissa ja peleissä. Muusikoiden hahmoja löytyy mytologiasta ( Orpheus , Philamon , Tamyris , Marsyas ) ja eeppisista runoista ( Demodocus ja Phemius Odysseiassa ). Muinaisissa maljakoissa on säilynyt kuvia muusikoista, jotka soittavat soittimia, kuten harppua, citharaa ja lyyraa. Muinaiset kreikkalaiset sävelsivät jumalien kunniaksi hymnejä, kuten paean-nomeja Apollonin kunniaksi tai dityrambeja Dionysoksen kunniaksi.
Alkaen 6. vuosisadalta eKr. e. musiikista tulee filosofien kiinnostuksen kohde. Erityisesti Pythagoras löysi joukon akustisia kuvioita, joilla on perustavanlaatuinen merkitys modernille eurooppalaiselle musiikkiteorialle. Aristoxenus esitti opinnäytetyön musiikillisten intervallien empiiris-auditiivisesta havainnosta, Platon ja Aristoteles kehittivät opin musiikin roolista eettisessä kasvatuksessa.
Antiikin kreikkalainen musiikki oli pääosin yksiäänistä ( monodiaa ). Sen modaalinen perusta koostui antiikin kreikkalaisista moodeista, jotka perustuivat tetrakordeihin, jotka voitiin yhdistää oktaavimoodiin - "harmonioita". Muinaisten kreikkalaisten oktaavimoodien nimiä (lydian, dooria jne.) käytetään laajalti myös modernissa musiikin teoriassa.
Joidenkin musiikkitieteilijöiden ja kriitikkojen, erityisesti kreikkalaisten [1] [2] mukaan bysanttilainen musiikki sai vahvan vaikutuksen antiikin kreikkalaisesta musiikkikulttuurista. Neuvostoliiton musiikkitieteilijät K. K. Rozenshild ja Yu. V. Keldysh löysivät persialaisen , juutalaisen , syyrialaisen ja armenialaisen laulun vaikutuksen ja omaksuivat myöhäisen antiikin kreikkalaisen musiikin vaikutuksen. [3] Myös roomalainen vaikutus on huomioitava , sillä Bysantilla oli sellaisia kulttuurikeskuksia kuin Aleksandria ja Antiokia . Bysantin kulttuurin tutkija E. Hertsman uskoo, että bysanttilainen musiikki on jatkoa myöhään antiikkimusiikille. [neljä]
Bysanttilaisen kirkkomusiikin nuottikirjoitus on alueellinen neumentaalisen nuotinkirjoituksen lajike . Se erottaa yleensä neljä tyyppiä, jotka vastaavat järjestelmän historiallisen kehityksen neljää vaihetta:
Keski-bysantin notaatiojärjestelmässä (ja myöhemmin) tallennettujen laulujen äänenkorkeusviiva puretaan [5] . Rytmi (esim. yksittäisten äänten, fermaattien ja taukojen irrationaalinen pidentäminen), esityksen vivahteet (esim. dynaamiset aksentit, glissando, agogia ) ja rikas ornamentti (esim. ornamentaalinen mikrokromaattinen ja vibrato ), myös "koodattu" alkuperäisiin neumeihin , jotka on tulkittu epäselvästi tähän päivään asti, ovat kiistanalaisten (usein erittäin terävien) aiheita bysantologien keskuudessa. Paleo-bysanttilaisen nuotinkirjoituksen käsikirjoitusten musiikillisen tulkinnan perinne on kadonnut.
Vuonna 1814 niin sanottu Three Didascala (muut uudistuksen nimitykset ovat "Chrysanthian Notation" ja "New Method") [6] ehdottivat menetelmää muinaisten musiikkikäsikirjoitusten yksinkertaistetuksi tulkitsemiseksi, josta on tullut laajalle levinnyt nykykreikan käytännössä. palvonta pääasiallisena. XX vuosisadalla. Bysantin merkintäyritykset moninkertaistuivat. Vuodesta 1936 lähtien lännessä Monumenta Musicae Byzantinae (MMB) -tieteellisten julkaisujen sarjan toimittajat ( Egon Wellesin johdolla ) ehdottivat omaa tapaansa tulkita musiikillisia käsikirjoituksia. Heidän transkriptioidensa ansiosta melodia on yhtä tiukasti diatoninen ja rytmi kuin "sananvapaus". Tämä "vapaus" kuitenkin 5-rivisessä modernissa MMB-transkriptiossa on kiinteä vain kahden keston muodossa - neljännekset ja kahdeksasosat; näin ollen MMB-editorien transkriptiot muistuttavat vahvasti gregoriaanisen laulun (vanhentuneita) rytmiä transkriptioita [7] . Vaihtoehtoisia (useimmiten rytmiin , harvemmin melodioihin liittyviä ) transkriptioita bysanttilaisista nuottimonumenteista ehdottivat tunnetut länsimaiset tiedemiehet - saksalainen Ewald Yammers (1962) [8] ja hollantilainen J. van Bizen [9] . Bizenin menetelmän kehitti kreikkalainen I. Arvanitis, joka vaati binäärirytmiä bysanttilaisissa sticheroissa ja irmosissa [10] . Venäjällä Arvanitiksen rytmistä transkriptiota tuki I. E. Lozovoi M. Shkolnikin oppilas, joka sovelsi bysanttilaisiin monumentteihin venäläisistä (myöhemmin) kaksoismerkeistä ja musiikkiteoreettisista tutkielmista tunnettua rytmistä järjestelmää [11] . Itse Kreikassa rohkeimman yrityksen bysanttilaisen kirkkomusiikin palauttamiseksi teki Simon Karas (1903-1999), joka kasvatti koko koulukunnan seuraajiaan (yksi sen merkittävimmistä edustajista on Lycurgus Angelopoulos ). "Kolmen didaskalin" uusbysanttilaisen perinteen kannattajat hylkäsivät Karasin jälleenrakentamisen ja kuvasivat sitä "epäammattimaiseksi" ja jopa "harhaoppiseksi".
Dimitri Cantemir oli ensimmäinen ottomaanien musiikin säveltäjä. Monet soittimet tuotiin Balkanille ottomaanien vallan aikana, mutta monet ottomaanien soittimet omaksuivat myös paikalliset. Turkkilaisten rytmien ja melodioiden vaikutus näkyy balkanilaisessa musiikissa.
Nykyään turkkilaisen klassisen musiikin perinteisiä soittimia ovat tanbur , pitkäkaulainen kynitty luuttu , nai , huilu, jonka päässä on pitkittäinen reikä, kemancha , taivutettu viulu, oud , lyhytkaulainen, vuoraton kynitty luuttu, qanun , kynitty kanteli , viulu ja mevlevi - musiikissa - lyömäsoittimet kudyum ja harppu .
Kreikkalaisten kansantaide on monipuolinen. Kappaleet voidaan jakaa eeppisiin, historiallisiin, jokapäiväisiin, balladeihin. Arjen joukossa on työtä, kehtolauluja, rakkautta, häitä, juomista, sarjakuvaa, kalenteria, omistettu kansanjuhlille. Suurin osa historiallisista lauluista syntyi Kreikan taistelun aikana Turkin ikettä vastaan ( klefttien laulut ) ja Kreikan valtion muodostumisen aikana, jolloin vapauden ja itsenäisyyden ylistäminen tuli niiden pääsisällöksi. Kreikkalaisten kansanlaulujen esittämiseen liittyy usein pyöreä tanssi .
Kansantanssien nimet ovat peräisin niiden olemassaoloalueelta (esim. kreetalainen tanssi), historiallisesta tapahtumasta (zalongo-tanssi), ammatin nimestä (hasapiko - teurastajatanssi jne.). Tai he saavat nimensä rytmistä ja liikkeestä (sirtos, sirtaki jne.). Kansansoittimiin kuuluvat erilaiset luutut, huilu (avlos), liira (kreetan liira), pitkittäishuilut, säkkipillit. Bouzouki, baglama, mandoliini, viulu ovat erityisen suosittuja. Nykyaikaisten kreikkalaisten kansansoitinorkesterien kokoonpanoon kuuluu myös klarinetteja ja kitaroita.
Albanialainen musiikki on fuusio Kaakkois-Euroopan musiikillisista perinteistä, ja siihen on vaikuttanut suuresti Balkanin naapurikansojen, slaavien ja italialaisten kulttuurit sekä ottomaanien ikeen seurauksena turkkilainen vaikutus. Huolimatta siitä, että Albania oli osa Ottomaanien valtakuntaa lähes 500 vuoden ajan , albanialaiset onnistuivat säilyttämään kulttuuri-identiteettinsä, myös musiikissa.
Vuonna 1912 itsenäistymisen jälkeen Albanialla ei ollut ammattimaista musiikkikulttuuria vasta 1940-luvulla. Ensimmäisen kansanmusiikkikokoelman julkaisi pianisti Peter Dungu1940. Kommunistisen hallinnon perustamisen jälkeen vuonna 1944, Neuvostoliiton aktiivisella avustuksella, alkoi kansallisen taiteen kehittäminen, mukaan lukien ammattimusiikkikulttuuri. Jo vuonna 1944 perustettiin Albanian kansanarmeijan kuoro (myöhemmin Kansanarmeijan taiteellinen kokonaisuus) G. Avrazin johdolla, vuonna 1960 valtion kansanlaulu- ja tanssiyhtye.johti Česk Zadeya[12] . Musiikkikoulut alkoivat avata Albanian kaupungeissa; vuonna 1947 A.:n mukaan nimetty taidelyseum. Y. Misya musiikin osastolla viulun, sellon, kansansoittimien ja laulun tunneille. Vuonna 1950 Tiranassa avattiin Albanian valtion filharmonia, joka kokosi yhteen ammattimaisia esiintyviä ryhmiä: sinfonia- ja puhallinsotilaorkesterin, tanssiryhmän ja soololaulajia. Albanian filharmonia esitti 1950-luvulla useita venäläisten säveltäjien teoksia - Dargomyzhskin oopperan Rusalka (1953), Glinkan Ivan Susaninin (1955), Asafjevin baletin Bakhchisarayn suihkulähde (1953).
Vuonna 1956 Tiranassa avattiin Kansallisooppera ja -balettiteatteri balettikouluineen , jossa esitettiin useita klassisia oopperoita, operetteja ja baletteja, mukaan lukien neuvostoliittolaiset - S. N. Vasilenkon "Lola", F. Z. Yarullinin " Shurale " ja muut . . Kansallisteatterin johtavia taiteilijoita koulutettiin Neuvostoliitossa ja muissa sosialistisen leirin maissa, mukaan lukien laulajat - NRA:n kunniataiteilijat A. Mula, I. Tukichi, M. Dzhemali, L. Kachay sekä D. Atanas, G. Chako; laulajat - R. Yorgandzhi, G. Heba, I. Velya; balettitanssijat - NRA:n kunniataiteilijat A. Aliay, Z. Khadzho, G. Vendresh sekä koreografi P. Kanachi, kapellimestari M. Wako.
1950-luvulle asti Albaniassa ei ollut kansallista suurmusiikkia. Ensimmäiset kansallisoopperat alkoivat ilmestyä 1950-luvun puolivälissä (P. Yakovan ooppera Mrika, 1954) ja 1960-luvulla - T. Daiyan kevät (1960), K. Konon muiston kukka (1961), "Sankaritar " V. Nova (1967), P. Yakovan "Skanderbeg" (1968), N. Zorachin "Girl from the Mountains" (1970); baletit - T. Daiyan Khalil ja Khayria (1963), C. Zadeyan Delina (1964), K. Lyaran Partisan (1967), T. Daiyan Kalastajan lapset (1972), baletti lapsille Peloton kotka" Ch Zadei (1971); operetit - K. Konon "Dawn" (1954), T. Daiyan "Layla" (1957); K. Trakon isänmaallinen oratorio (1961), T. Avrazin marsskantaatti , D. Lekin alkusoitto albanialaisista kansanaiheista (1954), Ch.:n sinfonia 1, "Lasten sarja" sinfoniaorkesterille T. Dayalle (1956) , jousikvartetto T. Daya (1956), "Rondo" jousikvartetille N. Zorachi (1960), "Albanian sarja" huilulle ja pianolle N. Zorachi (1960), C. Zadein "Three Symphonic Pictures", laulu ja T. Harapin instrumentaalisarja (1965), T. Harapin ja C. Zadein (molemmat 1969) konsertot pianolle ja orkesterille, N. Zorachin (1969) viululle ja orkesterille.
Kommunistisen hallinnon kaatumisen jälkeen maahan ilmestyi uusia säveltäjiä, kuten Alexander Peci, musiikillinen etnografi Ramadan Sokoli, Sokol Shupo, Andry Sina, Pyolumb Worpsy, Vasil Tole, syntyi myös uusia musiikkijärjestöjä, kuten ammattimuusikoiden yhdistys ja uuden albanialaisen musiikin yhdistys [13] .
Albanialainen oopperalaulaja Inva Mula , säveltäjä Avni Mulan tytär , nauttii kansainvälistä tunnustusta.
Bulgarialainen musiikki on osa bulgarialaista , balkanista , eurooppalaista ja maailman kulttuuria.
Bulgaria otti kristinuskon käyttöön vuosina 863-864. Kristinuskon syntyessä kehittyi myös kirkkolaulu muinaisella bulgarian kielellä, mutta Bysantin herruuden aikana (1018-1187) kanonisoidun bysanttilaisen laulun tunkeutuminen Bulgarian kirkkoon viivästytti bulgarialaisen kielen kehitystä. kansallisiin uskonnollisiin lauluihin, jotka liittyvät kansanperustaan. Bysantin vallasta vapautumisen ja toisen Bulgarian kuningaskunnan (1187-1396) muodostumisen jälkeen bulgarialainen kulttuuri alkoi kukoistaa. XIII-XIV vuosisadalla. kansanmusiikkitaiteen vaikutuksesta syntyi bulgarialainen laulu , josta näytteitä säilytettiin 1600-1700-luvun venäläisen ortodoksisen kirkon liturgisessa laulussa. Siitä lähtien Zograph Trefology (1200-luku) ja Synodikon on Tsaari Boril (1300-luvulla) on säilynyt - ainoat kirjalliset muistomerkit, joissa on nuotinnus, jotka ovat tulleet meille.
1600-luvulla Venäläiset papistot kutsuivat bulgarialaisia laulajia opettamaan venäläisiä kuorolaisia kirkkolaulua.
Monet bysanttilaiset kuorolaiset ovat bulgarialaista alkuperää. Tunnetuin heistä on laulaja ja säveltäjä John Kukuzel , lempinimeltään "enkeli" (hän asui luostarissa Bysantissa). Hän loi uusbysanttilaisen neumentaalin (ns. "cukuzel neumes"), jota käytetään nykyaikaisessa kirkkomusiikissa tähän päivään asti. Vaikka Bysantissa viljeltiin monimutkaisia, virtuoosillisia käkilauluja, joissa oli kuviollinen koristelu , Bulgariassa kehittyi yksinkertaisempi, demokraattisempi kulttilaulu. Bulgarian sävelet, ns. "bulgarica", tunkeutuu länsimaiseen kirkkomusiikkiin. Turkkilaisten valloitus Bulgarian (1393-1396) teki lopun sen itsenäisyydestä itsenäisenä valtiona. Athos -vuoren luostareissa bulgarialaiset munkit säilyttivät kirkkomelodiansa, ja vaeltavat munkit olivat bulgarialaisten laulujen levittäjiä muiden slaavilaisten kansojen keskuudessa.
Bulgariassa on seitsemän pääaluetta, jotka eroavat kansanperinteeltään : Rhodope, Traakia, Strandzha, Pirin, Shopskaya, Dobrudzhanskaya, Severnyashkaya (Pohjoisbulgaria) Bulgarian tärkeimmät kansanmusiikkisoittimet ovat säkkipilli , kaval , gadulka , tambura ja tapan .
Ottomaanien vallan aikana Bulgariassa ei ollut musiikkiinstituutioita eikä musiikkipedagogiikkaa. Vain yksittäiset bulgarialaiset saivat musiikkikoulutuksen Venäjällä ja Euroopassa. Bulgarian vapautumisen jälkeen osa heistä palasi kotimaahansa ja loi näytteitä alkuperäisestä bulgarialaista klassista musiikkia.
Vuonna 1899 Emanuil Manolov loi ensimmäisen bulgarialaisen oopperan Siromahkinyan. Georgi Atanasov kirjoitti oopperat "Altsek", "Kosara", "Abandoned Vodnitsa". Panayot Pipkov loi ensimmäiset bulgarialaiset lasten operetit "Lapset ja linnut" ja "Schuretz ja Mravki". Hänen tunnetuin teoksensa on pyhien Kyrilloksen ja Metodiuksen hymni. Nikola Atanasoff kirjoitti ensimmäisen bulgarialaisen sinfonian. Bulgarialaisen kirkko- ja kansanmusiikin tärkein teoreetikko 1800- ja 1900-luvun vaihteessa oli Dobri Hristov .
Turbo-folk ( serb. Turbo-folk , englanniksi Turbo-folk ) on musiikillinen genre, elektronisen ja kansanmusiikin yhdistelmä, joka syntyi 1980-luvun alussa Jugoslaviasta ja on tällä hetkellä suosittu Balkanilla. Turbofolkin pioneereja olivat naisartistit Lepa Brena ja Dragana Mirković . Turbofolk kukoisti 1990-luvulla Serbiassa – yksi tämän genren popularisoijista oli Jugoslavian presidentti Slobodan Milosevic . Laulaja Rambo Amadeus käytti ensimmäistä kertaa tällaista termiä , joka ironisesti kutsui tätä musiikkia "kakofoniaksi" [14] kuvaillessaan omia teoksiaan.