Dramaattiset teokset muodostavat suurimman osan William Shakespearen luovasta perinnöstä . Oletettavasti hänen ensimmäinen näytelmänsä oli tragedia " Titus Andronicus " (n. 1594), toisen version mukaan - "Henry VI:n" kolme osaa; viimeinen näytelmä on luultavasti Henry VIII , joka on käsikirjoitettu yhdessä John Fletcherin kanssa .
Kirjallisten menetelmien mukaan sitä voidaan kutsua jäljittelyjaksoksi: Shakespeare on edelleen täysin edeltäjiensä armoilla. Tunnelman mukaan Shakespearen töiden tutkimisen biografisen lähestymistavan kannattajat määrittelivät tämän ajanjakson idealistisen uskon ajanjaksoksi elämän parhaisiin puoliin: "Nuori Shakespeare rankaisee innokkaasti pahetta historiallisissa tragedioissaan ja laulaa innokkaasti korkeaa ja runollista. tunteet - ystävyys, uhrautuminen ja erityisesti rakkaus” (Vengerov).
Tragediassa " Titus Andronicus " Shakespeare kunnioitti täysin nykyaikaisten näytelmäkirjailijoidensa perinnettä pitää yleisön huomio pakottamalla intohimoja, julmuutta ja naturalismia . Titus Andronicuksen kauhut ovat suora ja välitön heijastus Kidin ja Marlowen näytelmien kauhuista .
Todennäköisesti Shakespearen ensimmäiset näytelmät olivat Henry VI:n kolme osaa. Holinshedin aikakirjat toimivat tämän ja myöhempien historiallisten kronikoiden lähteenä . Kaikkia Shakespearen kronikoita yhdistävä teema on muutos joukossa heikkoja ja kykenemättömiä hallitsijoita, jotka johtivat maan sisällisriitaan ja sisällissotaan sekä järjestyksen palauttamiseen Tudor -dynastian liittymisen myötä . Kuten Marlowe Edward II:ssa, Shakespeare ei pelkästään kuvaa historiallisia tapahtumia, vaan tutkii hahmojen tekojen taustalla olevia motiiveja.
" Komedia virheistä " - varhainen, "opiskelijakomedia", sitcom . Tuon ajan tavan mukaan muunnelma modernin englantilaisen kirjailijan näytelmästä, jonka lähteenä oli kaksoisveljien seikkailuja kuvaava Plautuksen komedia Menechmas. Toiminta tapahtuu Efesoksessa, joka ei juurikaan muistuta muinaista kreikkalaista kaupunkia: kirjailija siirtää nykyajan Englannin merkit antiikkiseen ympäristöön. Shakespeare lisää kaksinkertaisen palvelijatarinan, mikä hämmentää toimintaa entisestään. Jo tässä teoksessa on sekoitus koomista ja traagista, mikä on tavallista Shakespearelle: vanha mies Egeon, joka tahattomasti rikkoi Efesolaista lakia, on uhattuna teloituksella, ja vain uskomattomien yhteensattumien, absurdien virheiden ketjun kautta. finaalissa pelastus tulee hänen luokseen. Traagisen juonen katkaisu sarjakuvalla, jopa Shakespearen synkimmässä teoksessa, on keskiaikaiseen perinteeseen juurtunut muistutus kuoleman läheisyydestä ja samalla elämän jatkuvasta virrasta ja sen jatkuvasta uudistumisesta.
Farsikkakomedian perinteeseen luotu näytelmä " The Taming of the Shrew " perustuu karkeisiin sarjakuvatekniikoihin. Tämä on muunnelma Lontoon teattereissa 1590-luvulla suosittu juonen, joka kertoo vaimon rauhoittamisesta miehensä toimesta. Jännittävässä kaksintaistelussa kaksi erinomaista persoonaa kohtaavat ja nainen voitetaan. Kirjoittaja julistaa vakiintuneen järjestyksen loukkaamattomuutta, jossa perheen pää on mies.
Seuraavissa näytelmissä Shakespeare siirtyy pois ulkoisista komedialaitteista. Love 's Labor 's Lost on Lilyn näytelmistä inspiroitunut komedia , jonka hän kirjoitti esityksiin kuninkaallisen hovin naamioteatterissa ja aristokraattisissa taloissa . Melko yksinkertaisella juonella näytelmä on jatkuva turnaus, hahmojen kilpailu nokkelissa dialogeissa, monimutkaisissa sanaleikissä, runojen ja sonettien säveltämisessä (tässä vaiheessa Shakespeare hallitsi jo vaikean runomuodon). Love's Labour's Lost -elokuvan kieli on vaatimaton, kukkainen, niin sanottu eufuismi , silloisen Englannin aristokraattisen eliitin kieli, joka tuli suosituksi Lilyn romaanin Euphues eli nokkeluuden anatomia julkaisun jälkeen.
Noin 1595 Shakespeare luo yhden kuuluisimmista tragedioistaan - "Romeo ja Julia" - tarinan ihmispersoonallisuuden kehityksestä taistelussa ulkoisten olosuhteiden kanssa oikeudesta rakkauteen. Romeo ja Julia -versiossaan Shakespeare on saattanut käyttää "akateemikkojen" (yliopistotutkintojen suorittaneiden näytelmäkirjailijoiden piirin) jättämän vanhan tekstin uudelleenkäsittelyä [1] . Alunperin Luigi Da Porton (Luigi Da Porto, 1485-1529) novellissa kuultu tarina Romeon ja Julian (1524) surkeasta kohtalosta saivat muut italialaiset kirjailijat (Bandello, Bolderi, Groto ) ja levisivät sitten . eurooppalaiseen kirjallisuuteen. Englannissa Arthur Brooke asetti tunnetun juonen pohjaksi runolle "The Tragic History of Romeus and Juliet" (Arthur Brooke. The tragicall Historye of Romeus and Juliet, 1562) [2] . Todennäköisesti Brooken työ toimi Shakespearen lähteenä. Hän lisäsi toiminnan lyyryyttä ja dramatiikkaa, pohdiskeli ja rikasti hahmojen hahmoja, loi runollisia monologeja , jotka paljastavat päähenkilöiden sisäiset kokemukset ja muuttivat näin tavallisen teoksen renessanssin rakkausrunoksi. Tämä on erikoistyyppinen tragedia, lyyrinen, optimistinen, huolimatta finaalin päähenkilöiden kuolemasta. Heidän nimistään on tullut yleinen substantiivi intohimon korkeimmalle runoudelle.
Vuoden 1596 tienoilla toinen Shakespearen kuuluisimmista teoksista, Venetsian kauppias , on peräisin . Shylock, aivan kuten toinen kuuluisa Elisabetin-draaman juutalainen - Barabbas (Marlon "Maltan juutalainen"), kaipaa kostoa. Mutta toisin kuin Barabbas, Shylock, joka pysyy negatiivisena hahmona, on paljon vaikeampi. Yhtäältä tämä on ahne, ovela, jopa julma koronantaja, toisaalta loukkaantunut henkilö, jonka loukkaus aiheuttaa myötätuntoa. Shylockin kuuluisa monologi juutalaisen ja kenen tahansa muun identiteetistä "Eikö juutalaisella ole silmiä? .." (näytös III, kohtaus 1) on joidenkin kriitikkojen mielestä paras puhe juutalaisten tasa-arvon puolustamiseksi. kaikki kirjallisuus. Näytelmässä asetetaan vastakkain rahan valta ihmiseen ja ystävyyskultti - olennainen osa elämän harmoniaa.
Huolimatta näytelmän "ongelmasta" ja Antonion ja Shylockin tarinan dramaattisuudesta, "Venetsialainen kauppias" on tunnelmaltaan lähellä satunäytelmiä, kuten " Kesäyön unelma " (1596). Taikanäytelmä on luultavasti kirjoitettu erään Elisabetin aatelisen hääjuhlia varten. Ensimmäistä kertaa kirjallisuudessa Shakespeare varustaa fantastisia olentoja inhimillisillä heikkouksilla ja ristiriidoilla luoden hahmoja. Kuten aina, hän peittää dramaattiset kohtaukset koomisilla: ateenalaiset käsityöläiset, jotka ovat hyvin samankaltaisia kuin englantilaiset työläiset, valmistavat ahkerasti ja kömpelösti Theseuksen ja Hippolytan häihin näytelmää " Pyramus ja Thisbe ", joka on tarina onnettomasta rakkaudesta, joka kerrotaan parodinen muoto. Tutkijat olivat yllättyneitä "häänäytelmän" juonen valinnasta: sen ulkoinen juoni - väärinkäsitykset kahden rakastajaparin välillä, jotka ratkesivat vain Oberonin hyväntahtoisuuden ja taikuuden, naisten oikkujen pilkkaamisen (Titanian äkillinen intohimo säätiötä kohtaan) ansiosta. ) - ilmaisee erittäin skeptisen näkemyksen rakkaudesta. Tällä "yksi runollisimmista teoksista" on kuitenkin vakava konnotaatio - vilpittömän tunteen korotus, jolla on moraalinen perusta [3] .
S. A. Vengerov näki siirtymisen toiseen ajanjaksoon "sen nuoruuden runouden puuttuessa , mikä on niin tyypillistä ensimmäiselle ajanjaksolle. Sankarit ovat vielä nuoria, mutta he ovat jo eläneet ihmisarvoisen elämän ja tärkein asia elämässä on heille nautinto . Annos on pikanttinen, eloisa, mutta jo kahden veronilaisen tyttöjen ja varsinkin Julian lempeät hurmat eivät ole siinä ollenkaan.
Samaan aikaan Shakespeare luo kuolemattoman ja mielenkiintoisimman tyypin, jolla ei tähän asti ollut analogia maailmankirjallisuudessa - Sir John Falstaff . " Henry IV :n " molempien osien menestys ei ole vähiten tämän kroniikan silmiinpistävimmän hahmon ansio, josta tuli välittömästi suosittu. Hahmo on epäilemättä negatiivinen, mutta luonteeltaan monimutkainen. Materialisti, egoisti, mies ilman ihanteita: kunnia ei ole hänelle mitään, tarkkaavainen ja oivaltava skeptikko. Hän kieltää kunniat, vallan ja vaurauden: hän tarvitsee rahaa vain keinona hankkia ruokaa, viiniä ja naisia. Mutta sarjakuvan ydin, Falstaffin kuvan jyväisyys ei ole vain hänen nokkeluutensa, vaan myös iloinen nauru itselleen ja ympäröivälle maailmalle. Hänen vahvuutensa on ihmisluonnon tuntemisessa, kaikki mikä ihmistä sitoo, on hänelle inhottavaa, hän on hengen vapauden ja häikäilemättömyyden personifikaatio. Kuluvan aikakauden mies, häntä ei tarvita siellä, missä valtio on voimakas. Ymmärtääkseen, että tällainen hahmo on sopimaton draamassa ihanteellisesta hallitsijasta, Shakespeare poistaa hänet Henry V : ssä: yleisö saa yksinkertaisesti tiedon Falstaffin kuolemasta. Perinteen mukaan uskotaan, että kuningatar Elisabetin pyynnöstä, joka halusi nähdä Falstaffin uudelleen lavalla, Shakespeare herätti hänet henkiin Windsorin iloisissa vaimoissa . Mutta tämä on vain vaalea kopio entisestä Falstaffista. Hän menetti tietonsa ympäröivästä maailmasta, ei ole enää tervettä ironiaa, naurua itselleen. Jäljelle jäi vain itsetyydyttävä roisto [4] [5] .
Paljon onnistuneempi on yritys palata Falstaff-tyyppiin uudelleen toisen jakson viimeisessä pelissä, Twelfth Night . Täällä, Sir Tobyn ja hänen lähipiirinsä persoonassa, meillä on ikään kuin Sir Johnin toinen painos, vaikkakin ilman hänen säkenöivää nokkeluuttaan, mutta samalla tarttuvan hyväntahtoisella ritarillisuudella. The Taming of the Shrew -elokuvan karkea naisten pilkkaaminen sopii myös suurelta osin täydellisesti "Falstaffian " -kauden puitteisiin .
Hänen taiteellisen toimintansa kolmatta ajanjaksoa, joka kattaa suunnilleen vuodet 1600-1609 , Shakespearen teosten subjektivistisen biografisen lähestymistavan kannattajat kutsuvat "syvän henkisen pimeyden" ajanjaksoksi, kun otetaan huomioon melankolisen hahmon Jacquesin esiintyminen komediassa " " As You Like It " merkkinä muuttuneesta maailmankatsomuksesta, eikä kutsunut häntä läheskään Hamletin edeltäjäksi . Jotkut tutkijat uskovat kuitenkin, että Shakespeare Jacquesin kuvassa vain pilkkasi melankoliaa [6] , ja väitettyjen elämän pettymysten ajanjaksoa (elämäkerrallisen menetelmän kannattajien mukaan) eivät itse asiassa vahvista Shakespearen elämäkerran tosiasiat. Aika, jolloin näytelmäkirjailija loi suurimmat tragediat, osuu hänen luovien voimiensa kukoistukseen, aineellisten vaikeuksien ratkaisuun ja korkean aseman saavuttamiseen yhteiskunnassa.
Noin 1600 Shakespeare luo Hamletin monien kriitikkojen mukaan syvällisimmän teoksensa. Shakespeare piti tunnetun kostontragedian juonen, mutta siirsi kaiken huomionsa henkiseen erimielisyyteen, päähenkilön sisäiseen draamaan. Perinteiseen kostodraamaan on tuotu uudenlainen sankari. Shakespeare oli aikaansa edellä - Hamlet ei ole tavallinen traaginen sankari, joka kostaa jumalallisen oikeudenmukaisuuden vuoksi. Päätyään siihen johtopäätökseen, että harmoniaa on mahdotonta palauttaa yhdellä iskulla, hän kokee vieraantumisen tragedian ja tuomitsee itsensä yksinäisyyteen. L. E. Pinskyn määritelmän mukaan Hamlet on maailmankirjallisuuden ensimmäinen " heijastava " sankari [7] .
Shakespearen "suurten tragedioiden" sankarit ovat erinomaisia ihmisiä, joissa hyvä ja paha sekoittuvat . Ympäröivän maailman epäharmonian edessä he tekevät vaikean valinnan - kuinka olla siinä olemassa, he luovat oman kohtalonsa ja kantavat siitä täyden vastuun.
Samaan aikaan Shakespeare luo draaman Measure for Measure . Huolimatta siitä, että vuoden 1623 ensimmäisessä foliossa se on luokiteltu komediaksi, tässä vakavassa teoksessa ei juurikaan ole sarjakuvaa epäoikeudenmukaisesta tuomarista. Sen otsikko viittaa Kristuksen opetukseen armosta [8] , toiminnan aikana yksi sankareista on hengenvaarassa, ja finaalia, jossa solmitaan useita avioliittoja kerralla, voidaan pitää ehdollisena onnellisena. Tämä ongelmallinen teos ei sovi tiettyyn genreen, vaan on genrejen partaalla: palatakseen moraaliin , se on suunnattu tragikomediaan [9] .
Todellinen ihmisviha tulee esiin vain "Ateenalaisen Timonissa" - tarinassa anteliaasta ja ystävällisestä miehestä, jonka ne, joita hän auttoi, tuhosivat ja josta tuli ihmisviha. Näytelmä jättää tuskallisen vaikutelman huolimatta siitä, että Timonin kuoleman jälkeinen kiittämätön Ateena kärsii rangaistuksen. Tutkijoiden mukaan Shakespeare kärsi epäonnistumisesta: näytelmä on kirjoitettu epätasaisella kielellä ja siinä on etujensa ohella vielä suurempia haittoja. Ei ole poissuljettua, että useampi kuin yksi Shakespeare työskenteli sen parissa. Timonin hahmo itse epäonnistui, joskus hän antaa vaikutelman karikatyyristä, muut hahmot ovat yksinkertaisesti kalpeat [10] . Antoniusta ja Kleopatraa voidaan pitää siirtymänä Shakespearen luovuuden uudelle nauhalle . "Antoni ja Kleopatra" -elokuvassa lahjakasta, mutta vailla moraalista perustaa "Julius Caesarin" saalistajaa ympäröi todella runollinen sädekehä, ja puolipetturi Kleopatra sovittaa syntinsä suurelta osin sankarillisella kuolemalla.
Neljäs jakso, lukuun ottamatta näytelmää "Henry VIII" (jotkut tutkijat uskovat, että se on kirjoitettu yhteistyössä John Fletcherin kanssa ), sisältää vain kolme tai neljä vuotta ja neljä näytelmää - niin sanottuja "romanttisia draamoja" tai tragikomediaa . 11] . Viime kauden näytelmissä kovat koettelemukset korostavat katastrofeista vapautumisen iloa. Panjaus jää kiinni, syyttömyys oikeutetaan, uskollisuus palkitaan, mustasukkaisuuden hulluudella ei ole traagisia seurauksia, rakastajat yhdistyvät onnelliseen avioliittoon. Kriitikot pitävät näiden teosten optimismia merkkinä niiden kirjoittajan sovinnosta. " Perikles ", näytelmä, joka eroaa merkittävästi kaikesta aiemmin kirjoitetusta, merkitsee uusien teosten syntymistä. Naiivius, joka rajautuu primitiivisyyteen, monimutkaisten hahmojen ja ongelmien puuttuminen, paluu Englannin varhaisen renessanssin draaman toiminnan rakentamiseen - kaikki osoittavat, että Shakespeare etsi uutta muotoa. "The Winter's Tale " on hassu fantasiatarina "uskomattomasta, jossa kaikki on mahdollista". Tarina mustasukkaisesta miehestä, joka antautuu pahalle, kärsii henkistä tuskaa ja ansaitsee anteeksiannon katumuksensa kautta. Lopulta hyvä voittaa pahan joidenkin tutkijoiden mukaan vahvistaen uskoa humanistisiin ihanteisiin, toisten mukaan kristillisen moraalin voittoon. " Myrsky " on menestynein viimeisistä näytelmistä ja tietyssä mielessä Shakespearen teoksen finaali. Taistelun sijaan täällä hallitsee ihmisyyden ja anteeksiannon henki. Nyt luodut runolliset tytöt - Marina Perikleestä, Loss Talven tarinasta, Miranda Myrskystä - ovat kuvia hyveessään kauniista tyttäristä. Tutkijat näkevät Myrskyn viimeisessä kohtauksessa, jossa Prospero luopuu taikuudestaan ja jää eläkkeelle, Shakespearen jäähyväiset teatterimaailmalle.