Amerikkalainen kuviollinen ekspressionismi on 1900-luvun taideliike , joka syntyi ensin Bostonista ja levisi sitten kaikkialle Amerikan yhdysvaltoihin . Taidehistorioitsijoiden ja ekspressionismin kriitikkojen on usein vaikea antaa selkeää määritelmää taideliikkeelle [1] [2] . Eräässä määritelmässä liike kuitenkin luokitellaan humanistiseksi filosofiaksi, koska se on ihmislähtöistä ja rationaalista. Muodollista lähestymistapaa maalin ja tilan käsittelyyn pidetään usein myös määrittävänä ominaisuutena [3] , koska se on radikaali eikä taantumuksellinen sitoutuminen kuvioon [2] .
Termi "figuratiivinen ekspressionismi" syntyi vastakohtana abstraktille ekspressionismille [4] . Saksalaisen ekspressionismin tavoin amerikkalainen liike käsittelee ekspressionistisen herkkyyden ytimessä olevia kysymyksiä, kuten henkilö- ja ryhmäidentiteettiä nykymaailmassa, taiteilijan roolia väkivallan ja korruption kaltaisten asioiden todistajana sekä väkivallan ja korruption luonnetta. luova prosessi ja sen seuraukset [3] . Nämä tekijät kertovat liikkeen vahvasta yhteydestä taiteilijan sisäisen näkemyksen emotionaaliseen ilmaisuun määrätietoisten siveltimenvetojen ja rohkeiden värivaihtoehtojen kautta maalauksissa, kuten Vincent van Goghin Tähtiyö ja Edvard Munchin Huuto . He puhuvat myös impressionismin ulkoisen realismin hylkäämisestä ja ehdottavat symbolismin vaikutusta , joka näkee merkityksen linjassa, muodossa, muodossa ja värissä.
Ekspressionistinen liike sai alkunsa 1900-luvun alun taiteilijoista: James Ensorista , Edvard Munchista ja Vincent van Goghista . Samaan aikaan vuosina 1905-1920 toimineet ranskalaiset, saksalaiset ja venäläis-saksalaiset ryhmät osallistuivat sen kehittämiseen. Ranskalaista ryhmää, joka keskittyi työnsä kuvallisiin puoliin, erityisesti väreihin, kutsuttiin fauvisiksi ("pedoiksi"), ja Henri Matissea pidetään yhtenä ideologisista johtajista. Dresdenissä toimiva ryhmä tunnettiin taideryhmänä Most , joka pyrki "yhdistämään" menneisyyttä [5] . Itseoppinut taideryhmä Most , kuten fauvistitkin, oli vahvasti kiinnostunut primitivismistä, mutta heidän väripalettinsa eivät olleet yhtä luonnollisia kuin ranskalaisilla, ja heidän kaupunkikuvansa ääriviivaisemmat. Heidän taiteensa oli myös toisinaan seksuaalista, vieraantuneisuuden hengessä he ilmaisivat puupiirroksia ja veistoksia. Viimeiseen Münchenissä sijaitsevaan Blue Rider -ryhmään kuului pääasiassa venäläisiä taiteilijoita, mukaan lukien Wassily Kandinsky . Tämän ryhmän teokset olivat paljon abstraktimpia ja hylkäsivät Kandinskyn maalauksen Sininen ratsastaja realistisen lähestymistavan , joka antoi ryhmälle nimen.
Amerikkalaisen liikkeen Bostonin alkuperä löytyy "saksalaisten ja eurooppalais-juutalaisten maahanmuuttajien tulvasta" 1930-luvulla ja heidän "sukuisuudestaan nykyaikaiseen saksalaiseen kuvaan figuratiivisesta maalauksesta ... sellaisissa taiteilijoissa kuin Otto Dix (1891-1969) . ), Ernst Kirchner (1880-1938), Oskar Kokoschka (1886-1980) ja Emil Nolde (1867-1956), sekä tyylin että aiheen suhteen”, kirjoittaa taidehistorioitsija Adam Zucker. Zucker kutsuu humanismia amerikkalaisen liikkeen määritteleväksi eetoksiksi ja sanoo, että sitä "johtivat suurelta osin poliittiset ja/tai yhteiskunnalliset ongelmat ja konfliktit", kuten monet "1900-luvun puolivälin taiteet, mukaan lukien dadaismi , surrealismi ja sosiaalirealismi , ottivat kantaa sotaa tai sotia vastaan, sekä kankaalla että sen ulkopuolella [6] .
Monilla Bostonin taiteilijoilla oli yhteyksiä School of the Museum of Fine Arts Bostonissa tai Boris Mirsky Galleryyn, jossa taiteilijat kuten Karl Zerbe (1903-1972), Hyman Bloom (1913-2009) [7] , Jack Levine (1915- 2010) [8] , David Aronson (s. 1923) [9] opiskeli, opetti, piti näyttelyitä ja lopulta heistä tuli aktivisteja "haastettuaan avoimesti Boston Institute of Contemporary Artin lausunnon "Modern Art" and American Society" [6] . Huolestuneena siitä, että Bostonin museot, jotka ovat läheisesti yhteydessä brahmiineihin , eivät koskaan tukeisi niitä taistelussa heidän oikeuksistaan, he perustivat New England Artists Equality Societyn ja järjestivät Bostonin taidefestivaalin tehdäkseen taiteesta demokraattisemman [10] .
Heidän nykyisessä työssään ja modernistisessa dialogissaan esitettiin taide "kertomuksena, joka avautui yhdistämällä hahmoja ja maisemia perinteisistä tai kuvitteellisista aiheista vedettyihin allegorioihin, taiteilijoiden kokemusten ja sisäisten maailmojen ruokkimana. Heidän teemansa suuntautuivat kohti" kohtauksia ja kuvia. jossa he ilmaisivat syviä tunteita, kauhu ja fantasia ovat suurelta osin allegorisia. Erittäin hengelliset ja fantastiset kohtaukset olivat siis arkipäivää, ja ylevien uskonnollisten ilmentymien kuvaukset, poliittinen satiiri ja ihmisten kuolevaisuuden teeman käsittely – kaikki vaikuttivat figuratiivisen maalauksen etenemiseen ja nykyajan humanistisen taiteen määritelmän muuttumiseen." [11]
Taidehistorioitsija Judith Bibinder on todennut, että Bostonin kuviollinen ekspressionismi on olennainen osa amerikkalaista modernismia [12] : "[Se] ilmaisi nykyajan levottomuuden painottaen erityisesti kaupunkia" [3] . Bostonin ekspressionistiryhmän varhaiset jäsenet olivat maahanmuuttajia tai Keski- ja Itä-Euroopan maahanmuuttajien lapsia. Monet heistä olivat juutalaisia ja jotkut saksalaista alkuperää.
Siten saksalaisilla ekspressionisteilla, kuten Max Beckmannilla , Georg Grossilla ja Oskar Kokoschalla , oli vahva vaikutus Bostonin taiteilijoihin, samoin kuin saksalaissyntyisellä taiteilija Karl Zerbellä, joka opetti School of the Museum of Fine Artsissa Bostonissa , toinen kahdesta kahdesta. akselit ovat keskeisiä Bostonin ekspressionismin muodostumisessa sekä Boris Mirskyn modernistinen galleria. 1930-luvun alussa liike keräsi vain pienen määrän kannattajia, ja tänä aikana monet saksalaiset emigrantit, kriitikot ja tutkijat yrittivät myös kieltää kaikki yhteydet Saksaan millään tavalla liittyviin taideliikkeisiin [13] . Mutta 1940-luvulla kriitikot ja yleisö huomasivat Hyman Bloomin ja Jack Levinen, jotka molemmat aloittivat julkisten töiden hallintotaiteilijoina . Vuonna 2006 Danforthin taidemuseon johtaja Catherine French sanoi: "Oli noin kuuden kuukauden ajanjakso, jolloin Hyman Bloom oli maailman tärkein taiteilija, ja ehkä noin viiden vuoden ajanjakso, jolloin hän oli Amerikan tärkein taiteilija. ." [14] Time-lehti pani merkille Bloomin maalauksen [15] sekä newyorkilaisten Jackson Pollockin ja Willem de Kooningin myynnin. kutsui häntä "ensimmäiseksi abstraktiksi ekspressionistiksi" [16] . Palattuaan Bostoniin häntä pidettiin myöhemmin yhtenä Bostonin ekspressionismin edelläkävijöistä, liikkeestä, joka kukoisti 1950-luvulla ja jolla on joidenkin mielestä edelleen vaikutusvaltaa.
| David Aronson (1923-) | William Harsh | Arthur Polonsky (1925-2019) | Carl Zerbe (1903-1972) |
| Hyman Bloom (1913-2009) | Suzanne Hodes | Joyce Reopel (1933-2019) | Harold Zimmerman |
| Bernard Chet (1924-2012) | John Imber (1950-2014) | Barbara Swan (1922-) | |
| Kahlil Gibran (veistäjä) (1922-2008) | Reed Kay | Lois Tarlow | |
| Philip Guston (1913-1980) | Jack Levin (1915-2010) | Mel Zabarsky (1932-) |
Abstraktin ekspressionismin syntyessä 1950-luvulla New York ohitti Pariisin maailman taiteen keskuksena [17] . Tämä liike, kuten amerikkalainen figuratiivinen ekspressionismi, etsi sekä tiettyä modernisuuden ilmaisua että erilaista sodanjälkeistä identiteettiä [18] . Mutta vaikka kuviollinen ekspressionismi sisälsi piirustukseen piilotetun humanismin, abstrakti ekspressionismi hylkäsi sen selvästi. Hyman Bloomin vaikutus New Yorkin liikkeessä alkoi laskea [16] mielipide-erojen vuoksi, ja kriitikot, kuten Clement Greenberg, puolsivat taidetta, joka viittasi itseensä, eikä taiteen kaltaisten kirjallisten jäänteiden puolesta. Samaan aikaan Action Paintingin kriitikko ja puolestapuhuja Harold Rosenberg piti Jackson Pollockia ihanteena .
Judith E. Stein kirjoittaa: "Sotavuosina ja 1950-luvulle asti suuri yleisö suhtautui erittäin epäluuloisesti abstraktioon, jota monet pitivät "e-amerikkalaisena". Kriitikot Clement Greenberg on onnistuneesti haastanut julkisen vastareaktion abstraktiota vastaan. Hänen yrityksensä kommunikoida 50-luvun New Yorkin figuratiivien kanssa oli vähemmän onnistunut . Vuonna 1960 Thomas B. Hess kirjoitti: "Uusi figuratiivinen maalaus, jota jotkut ovat odottaneet vastauksena abstraktia ekspressionismia vastaan, mutta joka rakennettiin siihen alusta alkaen ja on yksi sen jatkoista [20] ."
Vuonna 1953 Reality - lehti [21] perustettiin "puolustamaan jokaisen taiteilijan oikeutta maalata haluamallaan tavalla". Tätä tehtävää tuki lehden toimitus, johon kuuluivat Isabelle Bishop (1902-1988), Edward Hopper (1882-1967), Jack Levin (1915-2010), Raphael Sawyer (1899-1987) ja Henry Varnum Poor ( 1888-1970).
Kuvanveistäjä Philippe Paviasta tuli It is -lehden "sissikustantaja" . Magazine for Abstract Art” (Tämä on abstraktin taiteen aikakauslehti), jonka hän perusti vuonna 1958. Avoimessa kirjeessä Leslie Katzille, Arts -lehden uudelle kustantajalle , [22] hän kirjoitti: "Pyydän teitä auttamaan kuvataiteen edustajaa. Taiteilijat, melkein abstraktionistit, eivät abstraktionistit, tarvitsevat mestarin näinä päivinä."
Vaikka millään näistä figuratiivisista kannattajista ei ollut samantasoista vaikutusvaltaa kuin Clement Greenbergillä tai Harold Rosenbergilla, he saivat kriitikoiden ylistämän radikaaleja, jotka "edustivat [uutta] sukupolvea, jolle figuratiivinen taide oli jollain tapaa vallankumouksellisempaa kuin abstraktio" [23] . Thomas B. Hessin muistelema keskustelu korosti kriitikon koettua voimaa: "Tänään on mahdotonta maalata kasvoja", kriitikko Clement Greenberg sanoi rakentavasti noin vuonna 1950. "Niin on", de Kooning sanoi, "ja on mahdotonta olla tekemättä tee se . "
Kirjallisuushistorioitsija Marjorie Perloff esitti vakuuttavan väitteen, että Frank O'Haren runous Garacy Hartiganin ja Larry Riversin kirjoituksista osoitti, että "hän todellakin oli parempi kirjoittamaan teoksia, jotka säilyttävät ainakin jonkinlaisen muodon kuin puhtaat abstraktiot". [25] Grace Hartigan, Larry Rivers , Helen de Kooning , Jane Freilischer, Robert De Niro Sr. , Felix Pasilis, Wolf Kahn ja Marcia Marcus ovat taiteilijoita, jotka vastasivat "sireenin kaltaiseen lauluun, luonnon kutsuun", O. "Hara selitti itsensä teoksessa Nature and New Painting, 1954. New Yorkin figuratiiviset ekspressionistit kuuluivat abstraktiin ekspressionismiin, hän väitti ja huomautti, että he olivat aina ottaneet vahvan kannan implisiittistä protokollaa vastaan, "olipa sitten Metropolitan Museum of Artissa tai taiteilijaklubi."
Kuraattori Klaus Kertesss Detroitin nykytaiteen museosta (MOCAD) [26] totesi, että " abstraktion siivoamisen aattona figuratiivisuudesta ja sen noususta kaikenkattavaan asemaan hahmo alkoi saada uutta ja voimakasta voimaa." Tätä voimaa edustivat myytin ja henkisyyden kautta Max Weber (1881-1961) ja Marsden Hartley (1877-1943). Mutta Milton Avery (1885-1965) esitti sen myös lyyrisellä pidättyväisyydellä ja ilmeisen selkeästi ja rehellisesti Edwin Dickinsonin (1891-1978) tapauksessa.
1950-luvun New Yorkin figuratiivinen ekspressionismi edusti suuntausta, jossa "useita New Yorkin taiteilijoita vastustivat vallitsevaa abstraktia tapaa työskennellä hahmon kanssa". [27] Figuuri palveli eri tarkoituksia eri taiteilijoille:
Detroitin modernin taiteen museon (MOCAD) kuraattori Klaus Kertess kuvaili hahmon historiallista kehityskulkua seuraavasti: "40-luvun alussa ja 1950-luvun alussa… hahmosta tuli konservatismin ennakkoedustajana ilmeinen kohde abstraktismille puolustuksille - puolustusvoimana . joka hämärtää figuratiivisten taiteilijoiden välistä eroa ja liioittelee eroa figuratiivisen ja ei-figuratiivisen välillä. Vasta 60-luvun lopulla ja 70-luvun alussa hahmo sai palata maanpaosta ja jopa vaatia keskeistä asemaa [29] .
Kalifornian San Franciscon lahden alueella kehittynyttä figuratiivista liikettä pidetään ensimmäisenä länsirannikon suurena taideliikkeenä. Se sai alkunsa San Franciscon taideinstituutista , jossa monet figuratiiviset ekspressionistit opettivat tai opiskelivat [30] . Figuratiivisen ekspressionismin muodollisena päivämääränä pidetään Oakland Museumissa vuonna 1957 järjestettyä näyttelyä, jossa eri genreissä työskentelevät paikalliset taiteilijat, jotka kuvaavat maisemia, hahmoja ja moderneja maisemia, hylkäsivät lopulta puhtaan abstraktion, joka hallitsi New Yorkin abstraktia ekspressionismia. Tämä näyttely, jonka otsikko on "The Contemporary Figurative Painting of the Bay Area", toi laajaa huomiota suuntaukseen [31], jossa kuvat esitettiin maalauksellisella tavalla abstraktin ekspressionismin rikkaan ja voimakkaan siveltimen ohjaamana [32] . Jotkut kriitikot ovat myös panneet merkille Persianlahden taiteilijoiden välisen yhteistyön, kun he muuttivat abstraktin ekspressionismin elinkelpoiseksi figuratiiviseksi tyyliksi [33] .
Persianlahden liikkeen avainhahmoja olivat Richard Diebenkorn (1922-1993), David Park (1911-1960) ja Elmer Bischoff (1916-1991). Näitä kolmea pidettiin yhdessä James Wicksin (1922-1998) kanssa liikkeen perustajina [34] . He loivat taideteoksia, jotka keskittyivät tunnistettaviin esineisiin, kuten lahden maisemaan [34] . Erityisesti Park herätti taideliikkeen sen jälkeen, kun hänen maalauksensa jazzbändistä aiheutti kohua San Franciscon taideyhteisössä sen jälkeen, kun se sisällytettiin ryhmänäyttelyyn [31] . Hänen vuoden 1951 maalauksensa Lapset polkupyörillä on myös liikkeen symboli. [30] [35]
| Theophilus Brown (1919-2012) | Rolland Petersen (1926-) |
| Joan Brown (1938-1992) | Joan Savo (1918-1992) |
| Bruce McGaugh (1935-) | Hassel Smith (1915-2007) |
| Manuel Neri (1930-) | James Wicks (1922-1998) |
| Nathan Oliveira (1928-) | Paul Wanner (1920-2008) |
"Taiteilija ja kriitikko Franz Schulze sisällytti kymmenkunta figuratiivista taiteilijaa Monster List -luetteloon - ja viittauksena Monsters on the Roadiin, Chicagon yliopiston jalkapallojoukkueen lempinimeen." [37] [38] Monet tämän ryhmän jäsenet taistelivat toisessa maailmansodassa ja osallistuivat Chicagon taideinstituutin kouluun Bill G. I :n [34] [39] tuen ansiosta . 1950-luvun Chicagon figuratiiviset ekspressionistit "jakoivat syvän huolen ihmisen eksistentiaalisesta käsityksestä tuhoutuneesta mutta hellittämättömästä kestävyydestä". [40] Runoilija ja taidehistorioitsija Carter Ratcliffe sanoi : "1950-luvun chicagolaiset eivät koskaan ryhmittyneet. [41] Kaikesta yhteensopimattomuudestaan huolimatta heidän taidellaan oli sama päämäärä: julistaa taiteilijan vieraantuminen riittävän selkeästi ymmärrettäväksi.
Leon Golub (1922–2004) nousi hirviöiden listan kärkeen puolustamalla figuratiivista ekspressionismia vuonna 1953 College Art Journalin artikkelissa , jossa hän kritisoi abstraktiota ihmisen inhimillisyyden kieltämisenä ja kutsui sitä epäinhimillistyneeksi muodoksi [34] . . Muita avainhenkilöitä tärkeimmissä Keskilännen panoksissa amerikkalaiseen taiteeseen olivat George Cohen (1919-1999), Seymour Rosofsky (1924-1981) ja H. C. Westermann (1922-1981).
Richard Diebenkorn oli yksi ensimmäisistä abstrakteista ekspressionisteista, joka palasi figuratiiviseen taiteeseen ennen abstraktin ekspressionismin kriisiä, mutta monia muita seurasi: "Yhdysvalloissa 1950-luvun lopulla... Abstrakti ekspressionismi ei ollut enää uutta ... Abstraktin ekspressionismin kriisi vapautti nyt monet... taiteilijat seuraamaan pitkään pettynyttä taipumusta maalata hahmo", mikä johti amerikkalaisen figuratiivisen ekspressionismin [42] elpymiseen yhdessä Bostonin ekspressionismin kanssa kolmannessa sukupolvessaan [43] .