Elottomien esineiden kuvia on löydetty taiteesta antiikista lähtien . Seuraavina vuosisatoina asetelmaelementtejä esiintyi muissa mytologisia, uskonnollisia ja historiallisia aiheita käsittelevien maalausten genreissä. Kuitenkin vasta renessanssin jälkeisellä aikakaudella ja ennen kaikkea 1600 - luvun Hollannissa asetelma alettiin erottaa omaksi kuvataiteen genreksi [1] .
Hollantilaisella asetelmalla oli suuri määrä lajikkeita, joista voidaan erottaa kukka-asetelma, "tieteilijä", "keittiö" sekä niin sanotut "katetut pöydät". Yksivärisistä "aamiaisista" tuli tyypillinen hollantilainen asetelma, jolle on ominaista sisällön lakonisuus, värien pidättyvyys sekä valo- ja ilmaympäristön yhdistävä rooli.
Suurin osa asetelmamaalareista kuuluu ns. " pikkuhollantilaisiin ". Pieter Claesz , Willem Claesz Heda , Willem Kalf , Abraham van Beijeren , Baltasar van der Ast , Willem van Aelst , Jan van Huysum ja muut ovat työskennelleet tässä genressä .
Alankomaat koki ennennäkemättömän taloudellisen ja kulttuurisen kukoistuksen 1600-luvun ensimmäisellä puoliskolla. Ne olivat Pohjois-Euroopan tärkein kauppakeskus, hollantilaiset laivat liikennöivät jatkuvasti hollantilaisten satamien ja Aasian ja Afrikan siirtokuntien välillä. Korkea taso saavutettiin yhteiskuntatieteissä, mekaniikassa, matematiikassa, fysiikassa ja luonnontieteissä. Kaikkien näiden olosuhteiden ansiosta hollantilaiset porvarit pyrkivät säilyttämään hyvinvointinsa taiteen parissa [2] .
Tähän vaatimukseen vastanneet hollantilaiset taiteilijat turvautuivat Hollannin renessanssin perinteisiin , erityisesti Robert Campinin , Rogier van der Weydenin , Jan Gossaertin ja muiden töihin, jotka alkoivat käyttää asetelmaelementtejä laajalti uskonnollisia aiheita koskevissa maalauksissa. 1500-luvulla Bartholomeus Brein vanhempi , Dirk Bouts , Peter Aartsen , Joachim Beikelar , Bartholomeus van der Helst ja muut alkoivat luoda maalauksia, joissa asetelma-aiheet nousivat esiin ja kohtaukset Kristuksen elämästä siirtyivät syvyyksiin. [3] .
1600-luvulla maalaukset oli tarkoitettu pääsääntöisesti sisustamaan sisätiloja ja niillä oli kammiomuoto. Heidän juoninsa heijastivat hollantilaisten porvarien arkea, ja taiteilijat tallensivat tarkasti ympärillään olevan objektiivisen maailman. Ensimmäistä kertaa eri esineet ottivat paikkansa kuvassa, eivät niille liitetyn symbolisen merkityksen vuoksi, vaan pelkästään oman kauneutensa ja maalauksellisuudensa vuoksi [2] .
Asetelma erillisenä haarana erottui joukosta noin 1600 [4] . Uutta genreä kutsuttiin Hollannissa " stilleven " (kirjaimellisesti "hiljainen elämä"), vaikka tätä termiä alettiin käyttää vasta 1600-luvun puolivälissä. Hiljaisellakin hollantilaiset tarkoittivat luonnonkuvaa, joka oli kuvan syntyhetkellä liikkumatonta . Siksi 1600-luvun hollantilaisissa asetelmissa voi nähdä kukkien, hedelmien, ruoan, astioiden, pääkallojen, kuolleiden kalojen ja riistan ohella kuvia hyönteisistä, lisoista ja jopa linnuista ja eläimistä [5] .
Kehitysessään hollantilainen asetelma kävi läpi useita vaiheita, joista jokaisella oli omat erityispiirteensä. Varhaisessa vaiheessa kukka-asetelmat olivat vallitsevia, mikä kuvastaa hollantilaisten kiehtovuutta kukkaviljelyyn. Seuraavan sukupolven maalarit ( Klas , Kheda jne.) siirtyivät vaatimattomiin "aamiaisiin" metalli- ja lasiesineineen ryhmiteltyinä valkoiselle pöytäliinalle. Nämä asetelmat erottuvat ytimekkyydestä ja yksinkertaisuudesta; kaikki komponentit on suunniteltu yhdelle harmahtavalle asteikolle. Niin kutsutut "kala" ja "keittiö" asetelmat heijastivat demokraattisten kerrosten vaatimatonta puritaanista makua vuosisadan ensimmäisellä puoliskolla [6] .
Myöhemmin porvareiden vahvistuessa ja sen asteittaisen aristokratisoitumisen myötä myös taiteen vaatimukset muuttuvat. Vuoteen 1650–1660 mennessä Willem Kalfin ja Abraham van Beyerenin teoksissa asetelma menettää vaatimattoman, yksinkertaisen luonteensa, muuttuen ylellisemmäksi ja upeammaksi sekä silmiinpistäväksi värin rikkaudeltaan. Sen vakiokomponentteja ovat eksoottiset hedelmät, tyylikkäät lasit ja arvokkaat korut, jotka kylpevät lämpimässä ja pehmeässä valossa [7] . Jan-Baptiste Veniksin ja Melchior de Hondekuterin "metsästysaseteluissa" on myös havaittavissa oleva koristeellisuuden lisääntyminen ja ulkoisten vaikutusten halu.
Asetelman teemaan ja kehitykseen vaikuttivat paitsi aika, myös tietyn kaupungin paikalliset piirteet. Niinpä esimerkiksi nopeasti kehittyvässä Haarlemissa , jossa on vahvat kansalaisyhdistykset, kehittyi eräänlainen tonaalinen asetelma, ja Hollannin - Amsterdamin talous- ja kulttuurielämän keskelle syntyi ylellisiä Kalfin ja Streckin "jälkiruokia". . Haagissa , merenkulkualan keskuksessa, työskentelivät "kala-asetelmien" luojat Pieter de Putter ja Abraham van Beijeren, ja Leidenin yliopistokaupungissa " filosofisen " asetelman kallon ja kallon kuvalla. maallisen olemassaolon haurautta muistuttava tiimalasi oli suosittu [8] [7] .
1600-luvun hollantilaisen maalauksen piirre oli taiteilijoiden äärimmäisen kapea erikoistuminen. Tämän ajanjakson maalausta dominoineiden päägenrejen - maisema, asetelma ja arkigenre - sisällä oli lukuisia alalajeja. Tämä johtui kovasta kilpailusta maalausmarkkinoilla: mitä jo oli jokin ala, johon tämä tai toinen taidemaalari erikoistui, sitä enemmän hän pystyi saavuttamaan taitoja sillä [9] .
Asetelmien tiukka jakaminen alalajeihin on vaikeaa, koska usein samaan kuvaan yhdistettiin useita aiheita. Siitä huolimatta on tapana erottaa useita tämän genren yleisimmistä lajikkeista.
Kukka-asetelu ( hollantilainen bloemsstilleven ) oli yksi ensimmäisistä, jotka erottuivat itsenäisenä alalajina. Kuten muutkin tuon aikakauden genret, se heijasteli 1600-luvun hollantilaisten elämän todellisia piirteitä, erityisesti heidän intohimoaan kukkaviljelyyn ja puutarhanhoitoon. Taiteilijat kuvasivat kukka-aseteluissa tulppaaneja , ruusuja , gladioleja , hyasintteja , neilikoita , liljoja , iiriksiä , kieloja , unohtumattomia , orvokkeja , koiranputkea , nigellaa , rosmariinia , anemoneja , kehäkukka- , matala- ja muita kukkakuokkoja . kukkia [10] .
Kukkia valittaessa asetelmalle tärkeimmät kriteerit olivat niiden kauneus ja harvinaisuus. Yleensä kukat piirrettiin luonnosta, koska kuvan tarkkuutta ja luotettavuutta arvostettiin). Samanaikaisesti eri aikoina kukkivat kukat voitiin kuvata yhdessä asetelmassa, joten joskus kimpun piirtäminen viivästyi kuukausia. Tällainen pitkä työ kuitenkin kannatti: kukka-asetelmat olivat erittäin arvostettuja ja niitä voitiin käyttää jopa kalliina lahjana valtion tasolla [11] .
Genren pioneereja ovat flaamilainen taiteilija Jan Brueghel the Elder (1568-1625). Brueghelin varhaisin säilynyt kukka-asetelma on vuodelta 1606/07, ja sen tilasi Albrecht VII [12] . Tiedetään, että kirjoittaakseen teoksiaan Jan Bruegel tuli erityisesti Antwerpenistä Brysselin kasvitieteelliseen puutarhaan voidakseen tutkia ja piirtää erilaisia kukkia. Hän teki alustavia luonnoksia akvarelleilla ja musteilla, joissa hän kuvasi kukkia eri kulmista ja eri valaistuksissa [13] .
Yksi ensimmäisistä 1600-luvun hollantilaisista taiteilijoista, jotka maalasivat kukkamaljakoita, oli Jacob (Jacques) de Gijn nuorempi (1565-1629). Hänen työlleen on ominaista pitkänomainen pystysuora maalausmuoto, monitasoinen kukka-asetelma vuorotellen suurilla ja pienillä kasveilla sekä tekniikoiden käyttö, joista tulee erittäin suosittuja tämän genren taiteilijoiden keskuudessa: kukkakimpun upottaminen niche ja kuvaa pieniä eläimiä maljakon vieressä [14] .
Hyönteisten, eläinten ja lintujen, kuorien esiintyminen kukka-asetelmissa apuyksityiskohtina heijastaa perinnettä käyttää kuvattujen esineiden piilomerkityksiä, joilla on symbolinen merkitys. Erilaisia symboleja esiintyy kaikentyyppisissä asetelmamaalauksissa.
Jacob de Gein nuoremman seuraajia olivat Jan Baptist van Fornenburg (1585-1649) ja Jacob Wauters Vosmar (1584-1641).
Fornenburg maalasi kukkakimppuja tulppaaneista, narsissseista, ruusuista, fysaliseista , kun taas hänen maalauksissaan on aiheita " turhuuksien turhamaisuudesta " ja klassisesta " sekoituksesta " [15] .
Vosmarin maalauksille on ominaista myös "turhuuksien turhuus"-aihe roikkuvan ruusun muodossa. Lisäksi hän kuvasi asetelmissa usein erilaisia hyönteisiä: kärpäsiä, perhosia, sudenkorentoja ja mehiläisiä.
Kokonaisen kukkien ja hedelmien asetelmien mestareiden dynastian perustaja oli Ambrosius Bosschaert vanhempi (1573-1621). Dynastiaan kuului kolme poikaa (Johannes, Abraham ja Ambrosius), kaksi lankoa (Johannes ja Baltasar van der Asty) ja vävy (Jeronymus Swerts).
Ambrosius Bosschaert vanhemman teokset ovat naturalistisen perusteellisuuden suhteen lähellä Jan Brueghel vanhemman teoksia. Tiedetään, että Bosshart teki tilauksesta luonnoksia myös eksoottisista kasveista luonnosta [16] . Hän maalasi enimmäkseen pieniä asetelmia kukkakimpulla maljakossa (posliinissa tai lasissa), joka oli sijoitettu nicheen tai ikkunalaudalle. Tällainen maljakkoasetelma korosti ikkunasta näkyvän villieläinten ja maljakkoon asetettujen puutarhakukkien vastakohtaa. Hänen maalauksissaan seurueena on pienten eläinten lisäksi kuoria.
Bosschaertin pojista taiteilijan lahjakkuus ilmeni selvemmin Johannes Bosschaertissa (1610/11 - vuoden 1629 jälkeen). Hänen töissään erottuvia piirteitä ovat esineiden asettelu kuvan diagonaalia pitkin ja mattametallinen väritys.
Ambrosius Bosschaert nuorempi (1609-1645) maalasi asetelmia, joissa oli piilotettu symboliikka; myöhemmissä teoksissa hän käytti Utrechtin karavagistien mustavalkoisen mallinnuksen tekniikoita .
Abraham Bosschaert (1612/1613 - 1643) kopioi veljiensä tekniikoita.
Ambrosius Bosschaertin vaimon veljet Johannes ja Balthasar van der Asta jatkoivat Bosschaertin perinteitä.
Johannes van der Astin työtä on tutkittu vähän; tällä hetkellä hänen ansioksi luetaan vain yksi maalaus [17] .
Suuri merkitys asetelman kehitykselle oli vanhimman veljen - Balthasar van der Astin (1593/1594 - 1657) - työ, joka jätti rikkaan luovan perinnön - yli 125 maalausta. Hän halusi kuvata pöydällä kukkakoria tai hedelmälautasta, ja etualalla pöydän reunaa pitkin hän asetti kuoria, hedelmiä ja perhosia. Taiteilijaa houkuttelivat erityisesti epätavalliset esineet: omituiset kuoret, eksoottiset kukat ja hedelmät, kirkkaat hyönteiset, papukaijalinnut. Hänelle oli myös ominaista tuoda juoni ja liike asetelmiin [18] .
Roelant Saverey (1576-1639), joka tunnetaan myös erinomaisena maisemamaalarina, kuuluu Ambrosius Bosschaert vanhemman kouluun . Hänen asetelmansa on rakennettu kapean kukkakimpun periaatteelle. Hän lisäsi maalauksiin "turhuuksien turhamaisuuden" aiheita, sillä seurueessa käytettiin haudankaivajakuoriaista, lantakärpästä, kuollutta perhosta ja muita hyönteisiä sekä liskoja.
Ambrosius Bosschaertin työ vaikutti sellaisiin taiteilijoihin kuin Anthony Claes I (1592-1636), hänen kaimansa Anthony Claes II (1606/1608 - 1652) ja Ambrosius Bosschaert vanhemman vävy - Hieronymus Swerts .
Hans Bollongierin ( noin 1600 - vuoden 1670 jälkeen) teoksissa Utrechtin karavaggismin tekniikoita käytettiin laajalti. Chiaroscuron avulla taiteilija erotti kukat hämärän taustalla.
Kukkaasetelman kehitystä havaittiin Middelburgin mestareiden töissä: Christoffel van den Berghen (noin 1590 - 1642 jälkeen), joka kuvasi kukkaasetelmissa "turhuuksien turhuuden" elementtejä: pullo viiniä, nuuskalaatikko, piippu, pelikortit ja kallo; ja Johannes Goodart , joka käytti laajasti hyönteisiä ja lintuja seurueessaan [19] .
Dordrechtin kukka-asetelmamestarien kouluun kuuluvat Bartholomeus Abrahams Asstein (1607 (?) - 1667 tai myöhemmin), Abraham van Calrath (1642-1722), kuuluisan maisema- ja eläinmaalarin Albert Cuypin , Jacob Gerrits Kuypin (1594- ) isä. 1651/1652). Heidän työlleen on ominaista chiaroscuron laaja käyttö [20] .
1600-luvun Hollannissa kukka-asetelman rinnalla kehittyy ja saa yhä enemmän suosiota toisenkin tyyppinen asetelma - kuva katetuista pöydistä (jaettu puolestaan ns. "juhliin" ( hollantilainen banketjes ) ja "aamiaiset" ( hollanti. ontbijtjes )) [21 ] [22] . Tämäntyyppisen asetelman syntymäpaikka ja keskus oli Haarlem . Sen luomisen edellytyksenä oli ampumakiltojen jäsenten muotokuvien laaja levitys 1500-luvulla järjestetyn juhlan aikana. Pikkuhiljaa kattauspöydän kuvasta tuli itsenäinen genre [23] .
Asetelman muodostavaan esinesarjaan kuului alun perin hollantilaisille perinteisiä tuotteita: juustoa, kinkkua, pullia, hedelmiä, olutta. Myöhemmin asetelmissa alkoi kuitenkin ilmestyä yhä enemmän juhlatilaisuuksiin tai varakkaiden kaupunkilaisten pöytiin tyypillisiä ruokia: riistaa, viiniä, piirakkaa (suosituin oli karhunvatukkapiirakka ) [24] . Perinteisen silakan lisäksi ilmestyivät hummerit, katkaravut ja osterit. Muita herkkuja, joita hollantilaiset taiteilijat halusivat kuvata, olivat viinirypäleet, oliivit ja artisokat [22] .
Myös kalliita hopeasta ja kiinalaisesta posliinista valmistettuja astioita, kannuja ja tazzeja alettiin käyttää . Taiteilijoita kiinnostavat erityisesti lasit: römer , berkemeier , pass-lasi, huilulasi, venetsialainen lasi, akeley-lasi . Hienoimmat olivat pikarit - " nautilus ", jotka tehtiin samannimisen nilviäisen kuoresta [25] .
Yleisiä asetelmien ominaisuuksia olivat suolasirotin ja pöytäveitsi. Puoliksi kuorittua sitruunaa käytettiin usein värikäs paikka.
Yksi varhaisimmista hollantilaisia kattauksia esittävistä asetelmista on Haarlemin taiteilijan Nicholas Gillisin The Lad Table (noin 1580 - 1632 jälkeen). Maalauksissaan hän käytti korotettua näkökulmaa, jonka ansiosta hän pystyi katsomaan koko pöytää.
Floris Gerrits van Schotenin (noin 1590 - vuoden 1655 jälkeen) asetelmamaalauksille on ominaista monimutkaisuus, tarjoilutarvikkeiden ja yksityiskohtien runsaus. Taidokkaasti rakennetun sävellyksen ja chiaroscuron taitavan käytön ansiosta hänen asetelmansa eivät kuitenkaan anna vaikutelmaa ylikuormittuvista. Useissa tapauksissa taiteilija käytti tekniikkaa siirtää asetelmaryhmän aksentti pois kuvan geometrisesta keskustasta [26] .
Merkittävä hahmo tämäntyyppisessä asetelmamaalauksessa oli Floris van Dyck (1575-1651), myös haarlemista. Hänen siveltimeensä kuuluvia asetelmia on säilytetty neljä, jotka ovat tyypillisiä "tarjoilupöytiä". Van Dyckin maalausten keskipiste oli juustojen pyramidi, tausta liukenee usteeseen [27] .
Flaamilainen taidemaalari Clara Peters (1594-1657) on erikoistunut tämäntyyppisiin asetelmiin. Hän oli tuolloin ainoa nainen, joka työskenteli asetelmien genressä [28] . Clara Peters loi suuren määrän teoksia, jotka erottuivat huolellisesta toteutuksesta. Hän kuvasi usein kalliita gourmet-ruokia, hummereita ja ostereita. Joissakin asetelmissaan hän käytti alentaa näkökulmaa, melkein pöydän tasolla.
Hans van Essen (1587/1589 - 1648 jälkeen), joka syntyi Antwerpenissä ja asui myöhemmin Amsterdamissa , loi myös sävellyksiä "kattopöydät" genreen .
Haarlemista kotoisin oleva Roelof Coots (1592/1593 - 1655) käytti tahallisen laiminlyönnin menetelmää: hänen maalauksissaan lautanen tai veitsi riippui puolivälissä pöydän reunaa. Hän oli ensimmäisten joukossa, joka loi kankaat, joissa ei kuvattu katettua pöytää, vaan pöytää, jossa oli jälkiä aamiaisesta ja jotka toivat maalauksiin "turhuuksien turhamaisuuden" aiheita: kelloja, kirjoja, kaatuneita viinirypäleitä.
Tonaalinen asetelmaErityinen asetelma - ns. tonaalinen eli yksivärinen asetelma - kehittyi Haarlemissa 1620-30. Uuden suunnan kärjessä olivat taiteilijat Pieter Claesz ja Willem Claesz Heda. Heidän työssään asetelma kehittyi ylellisistä "juhlista" vaatimattomiin "aamiaisiin", juhlallisuudesta ja tiukasta järjestyksestä läheisyyteen ja maalaukselliseen "sotkuihin" [29] .
Siihen mennessä hollantilaiset maisemamaalarit olivat jo kehittäneet sävysuunnan: heidän teoksensa erottuivat hienoista sävytyksistä ja sävysiirtymistä, ja esineet näyttivät liukenevan harmaanruskeaan sumuun [30] . Heidän saavutuksiaan käyttivät asetelmien kirjoittajat: maalarit loivat maalauksia vaimennetuilla väreillä käyttäen pääasiassa harmaan ja ruskean sävyjä. Valolla on tärkeä rooli: se leikkii lasi- ja metalliastioiden pinnalla ja yhdistää eri suunnitelmiin ryhmiteltyjä esineitä [31] . Voimme olettaa, että yksivärisistä "aamiaisista" tuli ensimmäinen todella alkuperäinen hollantilainen asetelma [30] .
Pieter Claeszin (1597/1598 - 1661) ensimmäiset asetelmat kirjoitettiin "katetun pöydän" perinteen mukaisesti (vaikka niissä on jo havaittavissa epäsymmetriaa ja tahallista laiminlyöntiä). Sitten hän siirtyi asetelmiin " turhuuksien turhamaisuuteen ". Yksi näiden asetelmien pääelementeistä oli piippu: Hollannissa he pitivät tuolloin pitkien savipiippujen polttamisesta, ja niiden muoti heijastui sekä kirjallisuuteen että kuvataiteeseen [32] . Vähitellen "aamiaisten" teemasta tuli kuitenkin Klasin työn pääteema. Juuri "aamiaisissa" taiteilija kehitti oman tyylinsä, jolle on ominaista pieni joukko kuvattuja esineitä, väritys yhdellä hopeanharmaasävyllä, jossa on hienovaraisia chiaroscuro-sävyjä ja valon häikäisyä metallille tai lasille [31] . Klas sijoittaa esineitä erilaisiin suunnitelmiin ja korostaa kaikin tavoin kuvatun tilan kolmiulotteisuutta. Useissa tapauksissa hän käytti pystysuoraa kangasmuotoa, jossa hallitseva asetelma oli römer tai korkea lasi.
Klasin kaltaisen tyylin kehitti Willem Klaes Heda (1594-1680/1682), mutta hänen teoksissaan tonaalinen alku on selvempi: Hedan sävellyksistä puuttuu käytännössä kirkkaita paikallisia värejä [33] . Hänen asetelmissaan pöytä ja tarjoiluvälineet on suunniteltu oliivinharmaan sävyin, usein vastakohtana pöytäliinan valkoisuudelle; erilliset väriaksentit ovat sitruuna, kinkku tai piirakkakuori.
Kheda rakentaa "aamiaistensa" koostumuksen poikkeuksellisella taidolla asettamalla esineitä joko yhdensuuntaisesti kankaan tason kanssa tai vinottain [34] . 1630-luvun jälkeen hän käytti yhä enemmän maalaustensa pystymuotoa. Yleistävä alku, kuten Klasinkin, on esineiden pinnalla leikkivä valo.
Monet Khedan asetelmissa kuvatut esineet persoonallistavat "turhuuksien turhuutta": rikkoutuneet lasit, kaatuneet tazzit , tyhjät osterinkuoret. Ateria on ohi, ja tämä pitäisi nähdä viittauksena kaiken maallisen haurauteen [35] .
Claesin ja Hedan luoma yksivärinen "aamiainen" yleistyi Hollannissa 1630- ja 1640-luvuilla.
Yksi Claesin seuraajista oli Franchuis Elaut , myös haarlemilainen (1596-1641). Hän oli erittäin suosittu elinaikanaan, mutta harvat hänen maalauksistaan ovat säilyneet tähän päivään asti.
Khedalla oli monia opiskelijoita ja seuraajia, heidän joukossaan hänen poikansa Gerrit Willems Kheda (1620-1702). Hänen töilleen on ominaista pystysuora muoto, jossa hallitsee keskellä oleva esine, sekä chiaroscuron käyttö, joka korostaa terävästi asetelman ominaisuuksia huoneen hämärän taustalla.
Toinen Hedan oppilas oli Marten Bullema , lempinimeltään "Mykky" ( De Stomme ). Hän rakensi asetelmansa myös keskusakselin ympärille ja siirtyi sitten vapaampaan sommitteluun ja jo valmiiden aamiaisten kuvaamiseen [36] .
Jan Jans den Eyl (1595/1596 - 1640) tuki myös Hedan perinteitä . Kypsässä työssään hän rajoittui kuvaamaan 4-5 esinettä, useimmiten välttämättömällä läpivientilasilla, ja suosi pystysuoraa muotoa. Den Eil vaikutti lankonsa Jan Jans Treckin (1605/1606-1652) työhön. Hän käytti myös oliivinharmaan sävyjä ja pientä esinesarjaa, jota hallitsee passilasi.
Vielä yksinkertaisempia ovat Jan Jans van de Velden (1619/1620 - 1663 jälkeen) sävellykset. Hän sai vaikutteita Pieter Claeszin asetelmista ja kuvasi usein pitkiä piippuja. Hänen asetelmansa luovat luonnollisuuden, läheisyyden ja arjen tunnelman.
Paulus van den Bosin (noin 1615 - vuoden 1655 jälkeen) teoksille on ominaista tiiviys, sommittelun äärimmäinen yksinkertaisuus ja niukka väritys.
Philips Angel (1616 - vuoden 1683 jälkeen), Francis Geisbrechts ja Joseph de Bray (? - 1664) loivat erityisen "aamiaisen" - talonpojan: he kuvasivat juustoa, silliä, vihanneksia ja lasien sijaan puisia mukeja [37] .
Niin sanottu "keittiöasetelma" yleistyi sekä Hollannissa että Flanderissa. Tämän tyylilajin maalauksissa kuvattiin erilaisia keittiövälineitä ja -tuotteita, jotka on tarkoitettu illallisen valmistukseen. Osittain säilynyt (1500-luvun taiteilijoiden Peter Aartsenin ja Joachim Beikelarin jälkeen) perinne talon emäntä, kokki tai palvelijat kuvata, mutta ne siirtyivät yhä useammin taustalle. Etualalla olivat keittiövälineet ja keittiöön tuotu liha, kala ja monet kasvikset: kurpitsa, nauris, rutabaga, kaali, porkkanat, herneet, pavut, sipulit ja kurkut. Varakkaampien ihmisten pöydällä oli kukkakaalia, meloneja, artisokkia ja parsaa . Genren kehittämiseen osallistuivat pääasiassa rotterdamilaiset mestarit , samoin kuin haarlemilainen Floris van Schoten (jota voidaan pitää tämäntyyppisen asetelman perustajana) ja Middelburgin mestari François Reykhals [39] . Lisäksi keittiöasetelma oli suosittu Delftin taiteilijoiden keskuudessa [40] .
Floris Gerrits van Schoten tunnetaan parhaiten "katetuista pöydistään", mutta hän maalasi myös keittiökohtauksia. Jotkut niistä ovat lähellä genremaalausta; toiset ovat "puhtaita" asetelmia [41] .
Delftistä kotoisin oleva Pieter Cornelis van Rijk (1568-1628) maalasi 1500-luvun perinteen mukaisesti, joskus taustalla raamatullisia kohtauksia. Italian-matkan jälkeen hänen maalauksissaan tuli esiin italialaisen maalauksen vaikutus [42] .
Cornelis Jacobs Delff (1571-1643), van Rijkin oppilas, yhdisti asetelmia ja genre-aiheita. Hän käytti korotettua näköalaa ja halusi asettaa keittiövälineet etualalle.
Hollannin arjesta kohtauksia maalaaneiden genremaalarien teokset ovat usein lähellä keittiön asetelmia. Genremaalari ja muotokuvamaalari Gottfried Schalken (1643-1706) kuvasi siis rakkauskohtausta maalauksessaan "Viininäyte", mutta seurueena oli ruokakomero, jossa oli viinitynnyreitä ja tarvikkeita.
Cornelis Pieters Bega (1631/1632 - 1664) maalasi myös pääasiassa genrekohtauksia. Hän omistaa maalauksen "Keittiössä", joka on epätavallinen siinä mielessä, että taiteilija tuo asetelmiin mytologisia aiheita, jotka kuvaavat talonpoikien luona vierailevaa satyyria [43] .
Ryhmä kotimaisen genren mestareita, veljekset Cornelis ja Herman Saftlevens (1607/1608 - 1681 ja 1609-1685), Pieter de Blot (1601-1658), Hendrik Martens Sorg (1611-1670) ja Eckbert van der Pool ( 1621-1664) yhdisti "keittiön" asetelmia genre-aiheisiin, mutta heidän maalauksissaan hallitsivat taloustavarat, ja ihmishahmoilla oli toissijainen rooli.
Rotterdamin genremaalarien teoksia lähellä ovat kuuluisan "talonpoikaamiaisen" mestarin Philips Angelin asetelmat .
Toisin kuin taiteilijat, jotka kuvasivat rikkaan porvarien keittiötä puhtauteen ja järjestykseen, Francois Reykhals (vuosien 1600-1647 jälkeen) maalasi köyhiä talonpoikakeittiöitä kirjoittaen huolellisesti kalusteet. Myöhemmässä työssään Reykhals kääntyi "ylellisen" asetelman genreen [44] .
Yli 60 teosta oli omistettu keittiöasetelmalle ja toiselle tunnetulle "ylellisten" asetelmien mestarille - Willem Kalfille .
Haagista tuli kaloja sisältävän asetelman syntymäpaikka . Scheveningenin läheisyys halusi taiteilijat paitsi maalata merijalkaväkeä , myös luoda erityislaatuisia asetelmamaalauksia – kaloja ja meren eläimiä kuvaavia maalauksia [45] . Toinen "kalojen" asetelman keskus oli Utrecht , vaikka tämä kaupunki oli kaukana meren rannikosta [46] .
Tämän tyyppisen asetelman perustajat olivat Pieter de Putter, Pieter van Scheyenborg ja Pieter van Noort.
Pieter de Putter (1600-1659) oli erikoistunut lähes yksinomaan kala-aseteluihin. Tällainen itsehillintä oli rohkea liike taiteilijalta; ilmeisesti hän oli varma, että hänen työnsä onnistuisi hollantilaisten - merimiesten ja kalastajien kansakunnan - kanssa [47] .
Teoksissaan de Putter noudatti pääsääntöisesti samaa kaavaa: hän valitsi korkean näkökulman, josta näkyy selvästi pöytä, jonka päälle on upotettu kala, ja se joskus lisäsi asetelmaan lisäyksityiskohtia - kalaverkkoa, kori, keittiöveitsi tai paistinpannu. Hänen töitään erottaa jäykkä kuviointi ja niukka väri [48] .
Tämän suuntauksen pääedustaja maalauksessa oli de Putterin oppilas Abraham van Beyeren (1620/1621 - 1690), joka työskenteli monissa muissa asetelmien genreissä ja maalasi myös venesatamia. Hän kuvasi kaloja eri tilanteissa: makaamassa kasassa rannalla, aseteltuna pöydälle, ripustettuna koukkuihin [49] . van Beierenin asetelmat erottuvat realistisuudestaan; hänen kuvaamiensa kalalajien tunnistaminen ei ole vaikeaa. Erityisen yleinen on evästään riippuva karppi, jolla voi olla symbolinen merkitys [50] .
Van Beieren oli erinomainen koloristi: hopeanharmaa paletti, jossa kalan suomuja säilyy, korostui yksittäisillä kirkkailla väritäplillä, ja valon häikäisy antoi kuvaan erityistä eloisuutta ja ilmeisyyttä.
Ehkä van Beierenin oppilas oli Isaac van Duynen (1628-1677/1681), joka kehitti myös kalaasetelmien kaksi pääteemaa - "kala rannalla" ja "kala pöydällä".
Pieter van Scheienborg (? - vuoden 1657 jälkeen) maalasi kalan harmaalle tai kellanruskealle taustalle; hän omistaa parimaalauksia, jotka kuvaavat meri- ja jokikaloja [48] .
Pieter van Noortin (noin 1600 -?) maalauksissa, jotka välittivät värikkäästi kalan suomujen loistoa, oli erityinen väri .
Maisemamaalarina tunnettu Albert Cuyp (1620-1691) kuuluu kalaasetelmien mestariin.
Utrechtin mestarit Willem Ormea (1611-1673) ja hänen oppilaansa Jacob Gillig (noin 1630-1701) pitivät "kala-aseteluista". Willem Ormea kuvasi usein kaloja meren taustalla (hän työskenteli yhteistyössä maisemamaalari Adam Willaertsin kanssa, joka maalasi meren). Gilligin maalaukset ovat perinteisempiä; ne sisältävät pääasiassa makean veden kaloja, juuri pyydettyjä tai jo teurastettuja [51] .
Tärkeä paikka hollantilaisessa maalauksessa oli filosofisella ja moralistisella asetelmalla, joka sai latinankielisen nimen " vanitas " ("turhuuksien turhuus" - viittaus Saarnaajaan ). Tämän tyyppiset asetelmat ilmestyivät ensimmäisen kerran flaamilaisessa maalauksessa 1600-luvulla, ja sitten ne levisivät laajalti Hollannissa, Italiassa ja Espanjassa [52] . Genren edelläkävijöitä ovat ns. memento mori , keskiajalta tunnetut allegoriset kuvat, jotka on suunniteltu muistuttamaan kaiken maallisen heikkoudesta ja katoavaisuudesta. Niinpä aluksi hautakivillä ja myöhemmin mittatilaustyönä tehtyjen muotokuvien kääntöpuolella oli tapana kuvata ihmisen kalloa [53] [54] .
Tyypillinen vanitas-asetelma kuvasi esineitä, jotka tavalla tai toisella liittyivät ihmiselämän haurauteen: kallo, sammunut kynttilä, kellot, kirjat, soittimet, kuihtuneet kukat, mätänevät hedelmät, kaatuneet tai rikkoutuneet astiat, pelikortit ja luut, savupiiput, saippuakuplat jne. Joskus taiteilija sisällytti työhön yhden tai toisen latinalaisen sanonnan aiheesta "turhuuksien turhuus" ( Vanitas vanitatum , Memento mori , Sic transit gloria mundi jne.). Pääsääntöisesti asetelmat suunniteltiin tummilla väreillä, joissa vallitsevat harmaanruskeat värit. Kuvatut esineet järjestettiin yleensä painokkaasti huolimattomasti, kaoottisesti: tämän piti osoittaa halveksuntaa niiden aineellista arvoa kohtaan ja symboloida myös ihmisten tekojen turhuutta [22] [55] .
Leidenistä tuli "tieteellisen" asetelman (yksi genren nimistä) kehittämisen keskus: yliopistokaupunki, painokeskus ja kalvinismin linnoitus. B. R. Vipperin mukaan "tämän suuntauksen ideologisissa perusteissa keskiaikaiset ajatukset kaiken maallisen heikkoudesta, kalvinismin moralisoivat taipumukset ja humanistinen totuuteen ja kauneuteen pyrkivän viisaan ihmisen ideaali kietoutuivat omituisesti yhteen" [56] .
Ensimmäisen meille tulleen 1600-luvun asetelman, joka kuuluu "turhuuksien turhamaisuuden" genreen, maalasi Jacob de Gein nuorempi vuonna 1603. Se kuvaa seinärakkaan sijoitettua kalloa, jonka yläpuolella leijuu saippuakupla, joka heijastaa osaa taiteilijan ateljeen sisustuksesta. Kappaleen yläosassa lukee latinalainen teksti "HUMANA VANA" ("ihmisen meteli on turhaa"); kallo on perinteinen kuoleman symboli, ja saippuakupla on muistutus siitä, kuinka lyhytaikainen koko elämä on [57] .
"Turhuuksien turhamaisuuden" asetelman kehittymiseen vaikutti suuresti Leidenin taidemaalari David Baillyn (1584-1657) ja hänen ympärilleen ryhmittyneiden mestareiden toiminta. David Bailly omistaa kuuluisan "Still Life with Self-portrait and Symbols of Turhamaisuuden symbolit". Tässä kuvassa suhteellisen ahtaaseen tilaan keskittyvät monet esineet - genren attribuutit: kirjat, kynttilä, kolikko, peili, piippu, poimitut ja haalistuvat kukat, tiimalasi jne. Kallo pöydällä, kärsivän Kristuksen patsas ja saippuakuplat puhuvat kaunopuheisesti elämän katoavuudesta [58] .
Baillyn oppilas oli Peter Simons Potter (1597-1652), kuuluisan eläinmaalarin Paulus Potterin isä . Asetelmissaan hän käytti samoja esineitä kuin Bailly: pääkalloa, kirjoja, sammunutta kynttilää, piippua, palettia, nuotteja ja soittimia. Uudistuksena oli kuva sulkakynästä, jossa on mustesäiliö, maapallo ja pussi - asioita, jotka symboloivat turhaa maineen ja matkustamisen halua [59] .
Baillyn oppilaita olivat myös hänen veljenpoikansa Harmen Stenwijk (1612 - 1655 jälkeen) ja Peter Stenwijk , alun perin Delftistä. Molemmista taiteilijoista tiedetään vähän, ja heidän säilyneitä teoksiaan on vain vähän. Harmen Stenwijkin oletetaan kuitenkin olleen yksi Leidenin taidemaalarikoulun johtajista [60] . Hänen työnsä erottuu lämpimämmällä värillä kuin Baillyn; lisäksi hän esittelee kuvattujen esineiden vakiosarjassa toisen "turhuuksien turhamaisuuden" symbolin - juoksevat varjot [59] .
Jopa erinomainen "ylellisten" asetelmien mestari Jan Davidsz de Heem oli Baillyn vaikutuksen alaisena , joka muutettuaan Leideniin Utrechtista maalasi useita maalauksia "turhuuksien turhamaisuuden" tyylilajissa. De Heem yhdisti erilaisia asetelmia: vanitas , kukka ja tonaalinen [61] [62] .
De Heem ja hänen jälkeensä monet muut "vanitaksen" kirjoittajat antoivat tärkeän roolin valon ja varjon kontrastille, joka symboloi elämän ja kuoleman välistä taistelua. Joten Abraham van der Schorin maalauksessa Vanity of Turhuudet genren perinteiset attribuutit - luut, kallot ja kynitty ruusut - on maalattu vaaleilla väreillä ja sijoitettu tummalle taustalle. Chiaroscurolla on myös tärkeä rooli Jacques de Clauven (1620 - 1679 jälkeen) teoksissa, joissa kirkas auringonvalo eroaa synkistä kalloista ja krusifikseista; sekä Adrian van der Spelledin (1630-1673) asetelmissa, jossa se myös luo illuusion volyymista [63] .
1600-luvun jälkipuoliskolla juonen tulkinta koki joitain muutoksia: synkästä muistutuksesta asetelman väistämättömästä päättymisestä "turhuuksien turhamaisuus" muuttui eräänlaiseksi mysteerimaalaukseksi, joka vaatii katsojan tuntemaan niissä käytetty symboliikka. Niissä näkyy yhä useammin aihe maallisen kunnian turhuudesta, tieteen ja taiteen tavoittelusta [64] .
Useita tämän genren maalauksia loi Jan Davidsz de Heemin oppilas Maria van Oosterwijk (1630-1693), joka maalasi enimmäkseen kukka-asetelmia. Siksi hänen "turhamaisuuden" -tyyppisissä maalauksissaan kukilla on merkittävä rooli kallon, maapallon, kirjojen, huilun, seteleiden ja kolikoiden ohella. Asetelmaihin liittyy lainauksia, kuten "Naisesta syntynyt mies on lyhytikäinen ja täynnä suruja" ( Jobin kirja ) [65] .
Tällaisia moralistisia maksiimia käyttivät teoksissaan monet vanitas-genressä työskennelleet mestarit: esimerkiksi kuuluisa maisemamaalari Jan van der Heyden (1637-1712) ja leidenilainen taiteilija Abraham Susenir (noin 1620 - 1667 jälkeen). asetelma Raamattu avattiin halutulle sivulle.
Useiden 1600-luvun toisen puoliskon taiteilijoiden maalaukset ovat lähellä toisenlaista asetelmaa - niin kutsuttua " sekoitusta ", joka on suunniteltu luomaan illuusion kuvatun tilavuudesta ja todellisuudesta. "Petoksen" piirteitä esiintyy Petrus Schotanuksen (n. 1601-1675), Jurian van Streckin (1632 -?), Vincent van der Winnen (1629-1702), Matthias Vythoksen (1627-1703), Peter Ringin teoksissa. (1615-1660) ja Edward Collier (n. 1640 - vuoden 1706 jälkeen). Taidokkaasti rakennetun sommittelunsa ja chiaroscuron mestarillisen käytön ansiosta heidän kuvaamansa esineet näyttävät erittäin naturalistisilta [66] .
Muinaisista ajoista lähtien taiteilijat ovat pyrkineet luotettavimpaan, illusionistisimpaan luonnon toistoon. Noin 1400-luvulta lähtien kuvat, jotka on suunniteltu luomaan illuusion kolmiulotteisuudesta, ovat yleistyneet eurooppalaisessa taiteessa. Useimmiten esitettiin varakkaan porvarin kodin sisustukselle tyypillisiä esineitä - kirjoja, kirjoitus- ja hygieniatuotteita, erilaisia riiste-asuja, metsästyspalkintoja - ja taiteilija yritti piirtää ne niin, että ne tuntuivat todella seisovan hyllyllä tai roikkuvan. seinällä [67] . Hollantilaisen talon puolipimeässä sisätiloissa tällaiset maalaukset loivat todellisuuden vaikutelman.
1650- ja 1660-luvuilla "illusionistisen" asetelman erityinen genre, niin sanotut " temput " ( hollantilainen. bedriegertje ), sai myöhemmin taidehistoriallisessa kirjallisuudessa nimen " trompe l'œil " (ranskan sanoista " tromper "). ” - pettää ja " l 'œil " - silmä). He leikkivät olemattomilla ikkunoilla, kehyksillä ja verhoilla sekä erilaisilla pystytasossa sijaitsevilla ja ikään kuin nauhoilla tai tapeilla kiinnitetyillä esineillä [68] .
Yhden ensimmäisistä hollantilaisista "temppuista" - maalatut kannet kuvien säilyttämiseen - teki Gerard Dou (1613-1675). Illuusio oli, että suljettu laatikko näytti olevan auki [66] .
"Petollisen asetelman" mestarit olivat Rembrandtin oppilaat Samuel van Hoogstraten (1627-1678) ja Heyman Dullart (1636-1684). Jotkut Hoogstratenin säilyneistä asetelmista esittävät kaapin ovia, joissa on esineitä. Poikkeuksellisen ammattitaitoinen taiteilija välittää eri materiaalien tekstuurit - nahkaa, metallia, puuta. Monet pienimmät, huolellisesti jäljitetyt yksityiskohdat antavat kuvatuille erityisen aitouden. Hogstratenin työ todella vei ihmisiä harhaan: Arnold Houbrakenin
taiteilijan elämäkerrassa mainitaan , että keisari Ferdinand III itse antautui petokselle . Sama Houbraken kirjoittaa, että itse Hogstratenin talossa ”temppuja” oli kaikkialla ja maalatut esineet näyttivät oikeilta [69] . Samuel Peeps [70] muistelee muistelmissaan, kuinka Hogstratenin erinomainen taito petti hänet .
Usein "petosten" tekijät loivat asetelmia kirjoitusmateriaaleista: pöydälle asetettuja kirjeitä, kirjekuoria, kynäveitset, lukusuurennuslasit jne. Cornelis Brizellä (1622 - 1670 jälkeen), Vallerand Vaillantilla (1623-1677) on samanlaisia teoksia. ja "turhuuksien turhamaisuuden" tyyppisten asetelmien mestari Edward Collier [71] . Jälkimmäinen omistaa lukuisia temppuja Hogstratenin [72] hengessä .
Monet mestarit yhdistivät teoksissaan kahdentyyppisiä asetelmia - "illusionistista" ja "metsästystä". Tällainen "syötti" kuvasi pahoinpideltyä riistaa ja metsästysvarusteita. Taiteilijat pyrkivät paitsi kuvaamaan tapettuja eläimiä ja lintuja mahdollisimman naturalistisesti, myös välittämään lintujen höyhenen tekstuuria ja värejä. Metsästysaiheisia petoksia loivat veljekset Anthony Lemans (noin 1631-1673) ja Johannes Lemans (noin 1633-1688), Jacob Biltius (1633-1681) ja hänen veljensä Cornelis Biltius sekä "talonpoika"-kirjan kirjoittaja. aamiaiset Philips Angel ja muotokuvamaalari Christoffel Pearson (1631-1714) [73] .
1650-luvulta lähtien suosiota on kasvattanut uudenlainen asetelmalaji - "ylellinen" asetelma ( hollanti. pronkstilleven ). Genren perustajia olivat flaamilaiset taiteilijat Frans Snyders ja Adrian van Utrecht [74] . Tämäntyyppisten asetelmien teemat ja estetiikka heijastavat 1600-luvun toisen puoliskon porvariston makua, heidän vaurauden, eleganssin ja ylellisyyden halua [75] . Maalauksissa esiintyy yhä useammin hopea- ja kullattuja astioita, kiinalaista posliinia , Delft-fajanssia , venetsialaista lasia , itämaisia pöytäliinoja ja mattoja, eteläisiä hedelmiä, hummereita ja muita kalliita ja hienoja ruokia, ja yksiväristen "aamiaisten" keskimääräinen väritys korvataan. värikkäät ja lämpimät [76] [76] [75] .
Yksi genren perustajista oli Utrechtin mestari Jan Davidsz de Heem (1606-1684). Hän kokeili itseään eri genreissä - kukka-, tiede-, keittiö-, tonaalinen asetelma. Vuonna 1636 taiteilija muutti Antwerpeniin ja joutui flaamilaisen maalauksen vaikutuksen alle. Siitä lähtien hän alkoi luoda ylellisiä asetelmia, jotka erottuivat värikkyydestään ja koristeellisuudestaan [77] . Ne tarjoavat todellisen "yltäkylläisyyden juhlan": runsaat pöydät ovat kirjaimellisesti täynnä kaikenlaista ruokaa. De Heemin kukka-aseteluissa oli myös selkeä flaamilainen jälki, joka erottui barokkivärisinfoniasta [78] .
Jan Davidsz de Heemillä oli työpaja, jossa oli paljon opiskelijoita ja avustajia. Mestarin pojan Cornelis de Heemin (1631-1695) lisäksi, joka oppi monia isänsä maalaustekniikoita, hänen suoria opiskelijoitaan olivat Peter de Ring, Nicholas van Gelder, Johannes Bormann, Martinus Nellius, Matthijs Naive, Jan Mortel, Simon Luttihuis. , Cornelis Kick. Kik puolestaan kasvatti lahjakkaita opiskelijoita - Elias van den Broek ja Jacob van Valskapelle. Jan Davidsz de Heemin työpajasta tuli myös Maria van Oosterwijk, turhuuksien turhamaisuuden asetelmamestari ja kaksi myöhäisen kukka-asetelman mestaria: Jacob Rotius (1644-1681/1682) ja Abraham Mignon [79] .
Yksi de Heemin merkittävimmistä oppilaista oli Pieter de Ring . Hänen töitään hallitsevat kirkkaat, kylläiset sävyt; valon leikki eri esineissä välitetään huolellisesti. Allekirjoituksen sijaan de Ring käytti usein sormuksen kuvaa ( sormus tarkoittaa sormusta hollanniksi) [80] .
Samaan aikaan de Heemin kanssa François Reykhals kääntyi ylellisen asetelman genreen . Hänen teostensa kirkas väri on sitäkin yllättävämpää, että ne syntyivät tonaalisen maalauksen herruuden aikana. Niinpä hän työssään ennakoi hollantilaisen asetelman jatkokehitystä [81] .
Halu loistoon on ominaista myös Abraham van Beierenin ylellisille asetelmille . Hänen maalauksensa saa erityisen ilmeisyyden lämpimien ja kylmien värien kontrastin ja saman värin eri sävyjen taitavan käytön ansiosta. Koostumus on yleensä rakennettu yhden keskuksen ympärille, joka on astia, jossa on viiniä tai kirkkain tarjoilukohde - hummeri. Käytännössä kaikissa asetelmissa on kuva taskukellosta, joka, kuten "turhuuksien turhamaisuuden" genressä, muistuttaa ajan ohimenevyydestä [82] .
Yksi harvoista van Beierenin seuraajista, Abraham Susenir , otti opettajaltaan hänen tapansa olennaiset piirteet. Jotkin Susenirin asetelmat liitettiin pitkään van Beierenin ansioksi.
Francois Reykhalsin oppilas, erinomainen asetelmien mestari Willem Kalf (1619-1693) loi suuren määrän teoksia "ylellisen" asetelman genressä. Taiteilija käyttää varhaisissa teoksissaan usein vanitas-asetelmalle tyypillistä epäsymmetristä sommittelua ja symboliikkaa: kynttilänjalkaa palamattomalla kynttilällä, taskukelloa, kaatunutta pikaria. Kokettuaan Rembrandtin vaikutuksen Amsterdamin matkalla Kalf alkoi luoda värejä ja valoa kyllästettyjä kankaita yhdistäen lämpimän värikkyyden ja mestarillisen chiaroscuron käytön [81] . "Amsterdamin" aikakauden teoksille, jotka ennen kaikkea ylistivät Kalfin nimeä, on ominaista pystysuora muoto, kiinalaisten posliiniastioiden läsnäolo ja rajoitettu kuvattujen esineiden valikoima, joihin kuuluu varmasti hopeatarjotin. Asetelmaryhmään kuuluvat usein römerit, akel-lasit, nautilus-kupit, kiinalaiset maljakot ja kannut, jotka on kuvattu poikkeuksellisen autenttisesti [83] .
Kalfin työ paljasti uusia mahdollisuuksia objektiivisen maailman ruumiillistumiseen ja vaikutti ratkaisevasti asetelman myöhempään kehitykseen. Kalfin seuraajia olivat Jurian van Streck, hänen poikansa Hendrik van Streck (1659-?), Christian Jans Streep (1634-1673) ja Barent van der Meer (1659-1702).
Jurian van Streck kokeili paljon valoa ja värejä. Hänen teoksensa erottuu rikkaasta värivalikoimasta ja erilaisista sävysiirtymistä [84] . Toinen van Streckin asetelmien luonteenomainen piirre on ihmisen läsnäolon tunne: tuntuu kuin hän olisi juuri noussut pöydästä [85] .
Toinen Kalfin seuraaja, Peter Gerrits Rustraten (1627-1698) , meni lähestymään "ylellisiä" asetelmia "petollisiin" . Lisäksi hänen teoksissaan on myös "turhuuksien turhuuden" asetelmapiirteitä: hänen teoksissaan arvokkaat asiat tulevat selvästi luettavissa oleviksi symboleiksi kaiken maallisen turhuudesta [86] .
1600-luvun jälkipuoliskolla asetelmat teurastetuista riistaista yleistyivät, mikä kuvastaa varakkaiden porvarien metsästysharrastusta. Amsterdamissa, Haarlemissa ja Delftissä pienimuotoiset asetelmat, joissa oli yksityiskohtaisia yksityiskohtia, olivat erityisen suosittuja, kun taas Utrechtissa taiteilijat maalasivat enimmäkseen suuria koristeellisia kankaita, jotka kuvasivat paitsi itse palkintoja myös metsästysvälineitä ja joskus jopa katkelmia maisema [87] .
Ilmeisesti tämäntyyppisten asetelmien alun loi Rembrandt , joka maalasi kuvat "Pakattu katkera" (1639) ja "Kaksi kuollutta riikinkukkoa ja tyttö" (1639) [88] . "Metsästys" asetelmat on myös kirjoittanut Rembrandtin oppilas Ferdinand Bol , joka piirsi taitavasti lintujen höyhenpeitettä.
Genren pioneereja olivat Elias Vonk (n. 1605-1652) ja hänen poikansa Jan Vonk (n. 1631-1663) sekä Matthaus Bloom [89] .
Jan Vonk oli yksi ensimmäisistä, joka kääntyi pienriistan aiheeseen. Sen päätekniikka on asetelmaryhmän yksittäisten elementtien valinta kevyen aksentin avulla [90] .
Matthaus Bloom päinvastoin oli monumentaalisen asetelman perustaja metsästystrofeilla [91] . Jatkossa tämän genren kehitti Jan Weniks.
Metsästysasetelmien tunnustettu mestari oli Willem van Aelst , joka tunnetaan myös "kukka-" ja "ylellisten" asetelmien mestarina. Hän kuvasi pahoinpideltyä riistaa makaamassa marmoripöydällä tai ripustettuna kivirakenteeseen. Kokoonpanoa täydentävät metsästysominaisuudet: ase, metsästysvaljaat, riistalaukku tai sarvi [89] .
Metsästysasetelmien aihetta kosketti kuuluisa maisemamestari Jan Baptist Veniks (1621-1660), joka kuvasi kuolleita metsäkauriita ja joutsenia. Hänen poikansa Jan Weniks (1640-1719) loi ainakin sata maalausta, jotka kuvaavat pahoinpideltyjä jäniksiä kiviraon tai puistomaiseman taustalla [92] . Lisäksi hän maalasi monimutkaisia, monihahmoisia sävellyksiä, jotka kuvaavat kuollutta riistaa ei sisätiloissa, vaan luonnon taustaa vasten. Hänen tyylilleen on ominaista erittäin naturalistinen eläimen turkin ja lintujen höyhenen tekstuuri [93] .
Jan Baptist Weenixin oppilaita olivat myös hänen veljenpoikansa Melchior de Hondekuter (1636-1695) ja Willem Frederick van Rooyen (1645/1654-1742).
Melchior de Hondekuter tunnetaan pääasiassa niin kutsuttujen "lintupihojen" ja "lintukonserttien" kirjoittajana, jotka kuvaavat ei lyötyä riistaa, vaan eläviä lintuja. Hän loi kuitenkin myös useita metsästysasetelmia, sekä pieniä että monumentaalisia. Niiden erottuva piirre on elävän ja elottoman luonnon vastakkainasettelu: eläviä koiria ja kissoja on kuvattu metsästystrofeiden vieressä [94] .
Dirk de Bry oli myös seremoniallisen metsästysasetelmien kannattaja, kuten Aalst ja Royen . Hän edusti haukkametsästyksen palkintoja, joka oli aristokraattien ja varakkaiden porvarien suosikkiharrastus [95] .
Laajamittaisten "metsästyspalkintojen" koristeellisten kankaiden ohella myös "kammio" metsästysasetelmia käytettiin laajalti. Cornelis Lelienberg (1626 - 1676 jälkeen), Aalstin oppilas Willem Gau Ferguson (noin 1633 - 1695 jälkeen), Hendrik de Fromenthue (1633/1634 - 1694 jälkeen) ja Peter Harmens Verelst (1618-1678) loivat, ja teoksiaan tällä tyylillä . myös hänen poikansa Simon Peters Verelst (1644-1721). "Chamber" metsästysasetelut ovat myös luoneet taidemaalarit, jotka työskentelivät muissa asetelmien genreissä: Abraham Mignon, Abraham van Beyeren, Jacob Biltius. Kuuluisa maisemamaalari Salomon van Ruisdael (1600/1603 - 1670), joka kirjoitti "Still Life with Batten Game" (1661) ja "Hunting Trophyes" (1662), sekä genremaalari, Adrian van Ostaden oppilas Cornelis Dusart (1660) -1704) kunnioitti metsästysasetelmaa [96] .
Erityinen asetelmavalikoima ovat 1600-luvun jälkipuoliskolla syntyneet maalaukset, jotka kuvaavat maan eläimistön erilaisia edustajia - käärmeitä, liskoja, hämähäkkejä, toukkia, perhosia - luonnollisessa ympäristössään. Genren perustajat olivat Otto Marseus van Skrik (1619/1620-1678) ja Matthias Vythos (1627-1703) [97] .
Tiedetään, että Screek piti tilallaan terraariota, jossa oli hyönteisiä, hämähäkkejä, käärmeitä ja muita eläimiä, joita hän kuvasi maalauksissaan. Hän halusi luoda monimutkaisia sävellyksiä eksoottisista kasveista ja eläimistä tuoden niihin filosofisia sävyjä. Esimerkiksi Dresdenin maalauksessa Käärme linnunpesässä perhoset keräävät nektaria kukista, rastas nappaa perhosia ja ruokkii ne poikaselle, ja hermellin metsästämä käärme nielee toisen poikasen [98] .
Vythos halusi kuvata maalausten etualalla luonnonvaraisia kasveja, joiden joukossa on elämää. Hänen teoksensa vangitsevat huolellisesti salaperäisen, ihmissilmälle yleensä saavuttamattoman maailman [97] .
Willem van Aelstillä on useita teoksia, jotka on omistettu kasvien ja eläinten kuvaamiseen. Hänen oppilaansa Rachel Reusch aloitti luovan uransa matkimalla Skrikia, mutta kehitti sitten oman tyylinsä, jolle on ominaista pienten elävien olentojen kuva kultaisen maiseman taustalla [99] .
Melchior de Hondekuter (1636-1695) tuli tunnetuksi taiteilijana, joka kuvasi monenlaisia eläimiä ja lintuja. Hänen "lintupihat" ja "eläintarhat" eivät ole asetelmia varsinaisessa merkityksessä, mutta 1600-luvun hollantilaisille ne kuuluivat samaan kategoriaan kukkien tai hedelmien kuvien kanssa [100] .
Eläinten asetelmia loivat myös taiteilijat, kuten Willem Frederik van Rooyen, Screakin tapaan työskennellyt Christian Jans Streep ja Abraham de Hoes.
1600-luvun jälkipuoliskolla kukka-hedelmäasetelmat tulivat jälleen muotiin. Niille oli ominaista loisto, koristeellisuus ja vaalea väri. Suuri vaikutus myöhään asetelmiin oli "ylellisten" asetelmien mestarin Jan Davidsz de Heemin maalauksella [101] .
Delftistä kotoisin oleva taiteilija Willem van Aalst (1626/1627 - 1683 jälkeen), joka omaksui töissään mitä monipuolisimmat asetelmamaalaukset, loi kukka-hedelmäasetelmia Balthasar van der Astin ja hänen setänsä, taidemaalari Evert van der Aalst [102] . Van Aalst oli hienovarainen koloristi ja hallitsi maalaustekniikan täydellisesti. Hän kehitti omia menetelmiään levittää useita maalikerroksia päällekkäin, minkä ansiosta hän saavutti poikkeuksellisen runsaasti väriä ja sen sävyjä [103] . Toinen innovaatio, jonka van Aelst toi kukka-asetelmaan, oli kimpun epäsymmetrinen koostumus [104] .
Van Aalstilla oli lukuisia seuraajia, joista suurimmaksi osaksi tuli "intiimin" asetelman kannattajia, jotka seurasivat sommittelun yksinkertaistamisen ja kuvattujen esineiden määrän vähentämisen polkua. Abraham de Lust, Willem Frederick van Rooyen, Simon Peters Verelst, Hendrik de Fromenthue ja Dirk de Bry työskentelivät tällä tyylillä .
Aalstin lähestymistavan tavoin pyrkimykset siirtyä uuteen kuvalliseen tapaan näkyvät myös Justus van Huysum vanhemman (1659-1716) teoksissa. Hän kokeili itseään monissa eri genreissä muotokuvasta maisemaan, mutta saavutti suurimman menestyksen kukkien ja hedelmien kuvaamisessa [106] .
Justus van Huysum tutustutti maalaukseen poikansa Jan van Huysumin (1682-1749), jonka töissä myöhäinen asetelma saavutti korkeimman huippunsa. Hänen teostensa suosio oli niin suuri, että niiden kustannukset olivat satoja kertoja korkeammat kuin Rembrandtin, Steenin, Aalstin ja Cuypin maalausten kustannukset [105] .
Jan van Huysum maalasi kahdenlaisia kukka-asetelmia: lavastettuja kukkakimppuja tummaa taustaa vasten ja koristeellisempia "luksuskimppuja", jotka on tarkoitettu koristelemaan varakkaita koteja. Niissä hän, kuten Jan Davidsz de Heem, käyttää vaaleaa taustaa, joka oli tuolloin asetelmamaalauksen innovaatio.
Van Huysumin asetelmat erottuvat värikkyydestään, hienovaraisista vivahteistaan, suuresta värimaailmastaan ja hienoimmasta käsityötaidosta yksityiskohtien suunnittelussa. Taiteilija paljastaa taitavasti kunkin kukan ja hedelmän ominaisuudet ja näyttää ne eri näkökulmista [107] .
De Heemin ja van Huysumin ohella "kevyen" kukka-asetelutavan edustaja oli Hollannissa työskentelevä saksalainen taiteilija Abraham Mignon . Hän maalasi myös kukkia tummalle taustalle mieluummin ruusuja. Hänen kukkakimppunsa ovat tyylikkäitä, värikkäitä ja ikään kuin esillä. Mignonin töitä leimaa koristeellisuus ja sileä sivellintyö [107] . Joskus hän lisäsi asetelmaan genre-elementtejä: hänen maljakonsa välillä heilui ja putosi. Kissoja, oravia, lintuja, perhosia, muurahaisia ja etanoita käytettiin viihdyttävinä yksityiskohdina [108] .
Erittäin omaperäinen taiteilija oli Adrian Korte Middelburgista - " Hollannin asetelmien sinfonian finaalin puhdas solistiääni" [109] . Hän ei seurannut yleistä suuntausta eikä pyrkinyt näyttävyyteen ja koristeellisuuteen. Korte maalasi pieniä asetelmia, elegantteja ja ytimekkäitä, rakennettu tumman taustan ja vaalean esineen kontrastille [110] . Sävellyksen keskeinen aihe voisi olla nippu parsaa, sitruunaviipale, karviaiset - vaatimattomat, arkipäiväiset esineet. Siitä huolimatta ylhäältä putoavan valon tulviessa ne näyttävät ikuisilta ja ajamattomilta [111] .
1600-luvun hollantilaisessa maalauksessa luotiin perusta uudelle genrelle, asetelmalle, joka kuvaannollisessa muodossa ilmensi ihmisen maailmankuvaa suhteessa objektiiviseen maailmaan ja luontoon. Hollantilaiset taiteilijat laajensivat merkittävästi taiteen kattamien aiheiden kirjoa; suora vetoaminen ympäröivään todellisuuteen nousi päätekijäksi, joka vaikutti uuteen genreen katsojaan [112] . Hollantilainen asetelma ei kuitenkaan vain vanginnut todellisuutta: se välitti hienovaraisesti ihmisen henkisen elämän asioiden ja ilmiöiden välistä yhteyttä. Maalaukset aloittivat vuoropuhelun aikalaisten kanssa, kertoen heille tärkeistä moraalisista totuuksista, muistuttaen heitä kaiken heikkoudesta ja pakottivat heidät ajattelemaan ihmiselämän tarkoitusta [75] .
Seuraavina vuosikymmeninä hollantilainen maalaus väheni. Hollantilaisen asetelman estetiikalla oli kuitenkin suuri vaikutus muiden Euroopan maiden, erityisesti Saksan ja Ranskan, taiteilijoihin [7] . Niin kutsutun "kultaisen ajan" hollantilaisten taiteilijoiden luontaisesta teknisestä taidosta ja erityisestä maailmannäkemyksestä tuli malli useille taidemaalarisukupolville.