Roussel, Albert

Albert Roussel
Albert Charles Paul Marie Roussel
perustiedot
Nimi syntyessään Englanti  Albert Charles Paul Marie Roussel
Syntymäaika 5. huhtikuuta 1869( 1869-04-05 ) [1] [2] [3] […]
Syntymäpaikka Tourcoing (Department of Nord , Ranska )
Kuolinpäivämäärä 23. elokuuta 1937( 23.8.1937 ) [4] [1] [2] […] (68-vuotias)
Kuoleman paikka Royan ( Charente-Maritime , Ranska)
haudattu
Maa  Ranska
Ammatit säveltäjä , musiikkipedagogi
Työkalut piano
Genret ooppera ja sinfonia
 Mediatiedostot Wikimedia Commonsissa

Albert Charles Paul Marie Roussel ( fr.  Albert Charles Paul Marie Roussel ; 5. huhtikuuta 1869  - 23. elokuuta 1937 ) oli kuuluisa ranskalainen 1900-luvun ensimmäisen kolmanneksen säveltäjä .

Hän aloitti elämänsä keskilaivamiehenä pitkän matkan sotalaivoilla, ja hänestä tuli ammattimuusikko hyvin myöhään (vasta 40-vuotiaana). Taidehistoriassa on hyvin vähän taiteilijoita, joiden elämän- ja työetiikka lähestyisi niin ankaraa moraalin ja kunnian koodia , jota Roussel noudatti vakaasti koko ikänsä. Tunnustus meni hänelle pitkälle, mutta koko elämänsä aikana hän ei ottanut ainuttakaan omaa arvokkuuttaan heikentävää askelta nopeuttaakseen tätä polkua.

Albert Rousselin luova polku erottui jatkuvasta oman tyylinsä etsinnästä musiikillisen Ranskan taiteellisten suuntausten monimutkaisessa labyrintissa 1900- luvun alussa . Läpi peräkkäin Wagnerin ja Franckin vaikutuksen , sitten Debussyn impressionismin , eksoottisen orientalismin ja myöhemmin Stravinskyn kovan avantgardin ja Milhaudin polytonaalisuuden kiehtovan Albert Rousselin, joka teki vaikutuksen Eric Satien esimerkistä. n myöhäiset sävellykset, päätti matkansa musiikin merkittävimpänä uusklassistina .

1900-luvun 30-luvulla Albert Roussel otti yleisesti tunnustetun ja arvostetun johtajan paikan ranskalaisten säveltäjien keskuudessa.

Elämäkerta ei ole vielä säveltäjä

Albert Charles Paul Marie Roussel syntyi 5. huhtikuuta 1869 Tourcoingin kaupungissa (Ranskan pohjoisosa, Flanderin raja ) varakkaiden ranskalaisten valmistajien , tekstiilikauppiaiden perheeseen . Roussel-sukunimi tunnettiin yhtä kauan kuin se oli varakas: sukupolvi toisensa jälkeen Rousselit olivat koulutettuja, sivistyneitä porvaristoja, jotka osallistuivat aktiivisesti maakuntansa ja jopa koko Ranskan yhteiskunnalliseen ja poliittiseen elämään. Näin ollen Albert Rousselin isoisoisoisä oli varajäsen Estates Generalissa vuonna 1789 ja äänesti Louis XVI :n teloituksen puolesta . Myöhemmin, jo konventin alaisuudessa , hän toimi sotaministerinä, ja vuoden 18 Brumairen jälkeen  hän luopui poliittisesta toiminnasta ja palasi maakuntaansa, mikä ehkä pelasti hänen henkensä [5] . Albert Rousselin isoisä, arvostettu tekstiilitehtaan johtaja ja omistaja, oli Tourcoingin kotikaupungin pysyvä pormestari elämänsä viimeiset 30 vuotta .

Mutta perheensä varallisuudesta ja vahvasta asemasta huolimatta pienellä Albert Rousselilla oli vaikea lapsuus. Hän jäi orvoksi hyvin varhain , kun hän menetti isänsä lapsena ja äitinsä seitsemän vuoden iässä. Vielä neljä vuotta hän asui isoisänsä perheessä, joka näinä vuosina toimi kotikaupunkinsa Tourcoingin pormestarina. Mutta kun Albert oli 11-vuotias, myös hänen isoisänsä kuoli [6] . Albert vietti vielä neljä vuotta tätinsä  , edesmenneen äitinsä sisaren, perheessä. Huolimatta sukulaistensa välittävästä ja tarkkaavaisesta asenteesta poika tunsi itsensä yksinäiseksi ja omisti kaiken vapaa-aikansa lukemiseen ja fantasioihin. Hänen suosikkikirjailijansa on Jules Verne , joka herätti hänen uteliaisuutensa ja halunsa matkustaa. Lisäksi hän vietti lähes joka kesä merenrantakohteessa Belgiassa . Ehkä kaikki tämä yhdessä toi vähitellen hänessä rakkauden mereen ja lopulta herätti halun tulla sotilaaksi merimieheksi. Samaan aikaan Roussel piti matematiikasta ja muista tarkoista tieteistä. Yliopisto - opintojensa lisäksi Roussel opiskeli pianonsoittoa kotona , mikä herättää poikkeuksetta iäkkään opettajan, Notre Damen paikallisen kirkon urkurin ilon musikaalisuudellaan ja herkkyydellä.

Yksinäinen, täynnä rakkaiden lapsuuden menetyksiä, ei kuitenkaan lamauttanut Albert Rousselin psyykettä , pikemminkin päinvastoin. Hän kehittyi itsessään ja säilytti elämänsä loppuun asti korkeat ja tiukat moraaliperiaatteet sekä poikkeuksellisen kestävyyden, itsekurinsa ja pidättyväisyytensä, mikä erotti hänet suotuisasti useimmista nykytaiteilijoista ja herätti hänen ympärillään olevien pettymättömän kunnioituksen.

15-vuotiaana Roussel meni Pariisiin suorittamaan toisen asteen koulutuksensa Lycée Stanislasissa. Hänen opettajiensa joukossa on kuuluisa ranskalaisen kirjallisuuden historioitsija René Dumik ja hänen luokkatovereidensa joukossa Edmond Rostand , tuleva runoilija ja näytelmäkirjailija [5] .

Vuonna 1887 , saatuaan ylioppilastutkinnon, Roussel suorittaa kokeen Higher Naval Schoolissa. Kuudensadan ehdokkaan joukossa hänet hyväksyttiin kilpailulla - kuudestoista . Tuleva merivoimien upseeri yrittää kuitenkin olla unohtamatta musiikkia. Purjehtiessaan Atlantin yli purjehdusfregatilla " Melpomene " (melko oireellinen nimi) Roussel järjestää pienen orkesterin ja amatöörikuoron keskilaivamiehistä , jotka säestävät sunnuntain messuja omalla , hieman erikoisella musiikillaan. On omituista, että Roussel lisää "lajittelun" vuoksi messun säestykseen joitain pariisilaiselämästään muistamiaan melodioita, esimerkiksi kuninkaallisen marssin Offenbachin "La Belle Helenasta" [5 ] .

Upseeriksi ylennyksen jälkeen Albert Roussel määrättiin ensin Pobedel- risteilijälle ja sitten tykkiveneelle Styx , jolla hän teki pitkän matkan Kaukoidän eteläisten merien halki. Vuosina 1889-1890 Roussel oli fregatti Iphigenian miehistön jäsen ja osallistui maailmanympärimatkalle. Rousselin ensimmäiset sävellykset ovat peräisin juuri tältä ajalta: " Fantasia " viululle ja pianolle ja sitten " Andante " viululle, alttoviululle , sellolle ja uruille . Näiden kappaleiden parissa työskennellessään Rousselilla oli tilaisuus vakuuttua musiikillisen sävellyksen alkeellisimmista säännöistä puuttumisesta . Durandin harmoniaoppikirjan itseopiskelusta huolimatta Roussel tunsi olevansa musiikin täydellinen diletantti .

Hänet työnsi ammattiuransa onnettomuus tai merivoimien ystävän pila. Kerran, kun Roussel soitti kappaleitaan pianolla vaatehuoneessa , yksi hänen kollegoistaan, kuuluisan oopperalaulajan veli, tarjoutui hyvällä tuulella esittelemään sävellyksiään veljelleen ja muille ammattilaisille. Kuusi kuukautta myöhemmin palattuaan lomalta kollega kertoi Rousselille, että hänen näytelmänsä olivat tehneet suuren vaikutuksen ja että kunnioitettava veli neuvoi Rousselia omistautumaan vakavasti musiikille ... Monta vuotta myöhemmin, kun Albert Rousselista oli jo tullut kuuluisa säveltäjä . , tämä tarina avautui yhtäkkiä. Vanha ystävä tunnusti, että lomalla ollessaan hän yksinkertaisesti unohti lupauksensa näyttämättä veljensä Rousselin näytelmiä. Tuolloin teko oli kuitenkin jo tehty. Rousselista tuli tunnettu ja arvostettu ammattimuusikko , säveltäjä ja polyfonian professori .

Vuonna 1894 palattuaan Ranskaan pitkältä matkalta Albert Roussel sai pitkän loman, jonka hän vietti sukulaistensa kanssa Roubaixissa . Hän päätti omistaa koko lomansa musiikin teorian perusteiden opiskeluun . Pyynnön antaa hänelle yksityistunteja hän kääntyi Roubaixin konservatorion johtajan Julien Coszuliin , kokeneen ja kuuluisan Niedermeier -koulun urkurin puoleen . Selattuaan nuoren upseerin ensimmäiset luovat kokemukset Koszul kehotti häntä menemään Pariisiin ja näyttämään sävellykset Niedermeier-koulun polyfonian ja sävellyksen professorille Eugène Giguelle . Kahdesti miettimättä Roussel noudatti Koszulin neuvoja ja sai pariisilaiselta professorilta erittäin myönteisen arvion. Uskoen Koszulin ja Giguen korkeisiin arvosanoihin ja suosituksiin ottaa musiikkia vakavasti, Roussel päätti lopulta jättää palvelun laivastossa . Roussel jäi eläkkeelle syyskuussa 1894. Eugène Gigoux sanoi myöhemmin yhdestä parhaista oppilaistaan, Rousselista, että "hän on lahjakas todellisella fuuganerolla" [5] .

Albert Roussel päätti epätavallisen myöhään valita ammattimuusikon uran. 25-vuotiaaksi asti hänen opinnot olivat hyvin kaukana taiteesta . Kuten Rimski-Korsakov , hän vietti koko varhaisnuoruutensa välimiehenä kampanjoissa kaukaisilla merillä. Mutta myöhemmin, jopa opettaessaan tai sävellessään musiikkia, Roussel säilytti ja siirsi työhönsä mieltymyksen mereen, matkustamiseen ja kaukaisten maiden eksotiikkaan elämänsä loppuun asti. Ja vaikka mikään hänen musiikkiteoksistaan ​​ei sisällä merikuvia tai edes meren teemaa, kaukaiset maat, kenttähavainnot ja eksoottiset kansat jättivät kuitenkin syvän jälkinsä, joka näkyy kaikille, jotka ovat kosketuksissa Rousselin työhön.

Säveltäjän elämäkerta

Lokakuussa 1894 Albert Roussel asettui Pariisiin ja alkoi aktiivisesti opiskella harmoniaa , kontrapunktia ja fuugaa uuden opettajansa Eugène Gigoudin johdolla . Niedermeierin tiukka koulukunta, joka perustuu tiukan kirjoittamisen vastakohtaan, ja korkeat standardit, joilla Roussel opiskeli musiikin teoriaa ( Bach , Händel , Mozart ja Beethoven ) alusta alkaen, myötävaikuttavat hänen klassisen läpinäkyvän ja selkeän ajattelunsa muodostumiseen. Albert Roussel säilytti elämänsä loppuun asti kiitollisuuden ja syvimmän kunnioituksen opettajaansa kohtaan. Muistelmissaan hän omistaa paljon enemmän kuin yhden sivun Eugene Giguelle, joista löydät seuraavat sanat:

... Avarakatseinen, vapaa kaikista scholastisista ennakkoluuloista, tarkka havainnoissaan, asettamalla puhtaasti musiikilliset näkökohdat koulun sääntöjen edelle ja esteettiset näkökohdat keskinäisten riitojen edelle, hän elää muistissani täydellisenä esimerkkinä opettajasta, josta nuori muusikko voisi oppia taiteensa.

- [5]

Ilmeisesti juuri tämän mallin mukaan Roussel itse rakensi muutamaa vuotta myöhemmin oman opetustyönsä. Rousselin sanat opettajastaan ​​Eugène Gigouxista koskevat häntä erinomaisesti.

Kaiken kaikkiaan opiskeluaika kestää Rousselilla 15 vuotta  - itse asiassa ei niin pitkä aika kuin se saattaa näyttää ensi silmäyksellä. Näin kauan tavallinen musiikillinen korkeakoulutus kestää (nykyaikaisten standardien mukaan). Hän ei kuitenkaan aloita opiskelua viidestä tai seitsemästä iästä, kuten yleensä on tapana, vaan vasta 25 -vuotiaasta lähtien , joten hän lopulta lakkaa olemasta opiskelija  - vasta neljänkymmenen vuoden iässä. Tässä on mitä pitää mielessä, kun tarkastellaan Rousselin melko myöhäistä musiikkiuraa. Vuonna 1898 Roussel valmistui erinomaisesti neljän vuoden opiskeluista Gigoux'n kanssa, ja hän astui äskettäin avattuihin " School Cantorumiin " Vincent d'Andyn polyfonian , orkestroinnin ja vapaan sävellyksen luokassa , samalla kun hän oli samalla wagnerilaisen suunnan kunnioitettava säveltäjä. kuuluisa kapellimestari ja Ranskan musiikkielämän organisoija. Rousselin elämälle ja työlle omistetussa monografiassa Andre Oere luonnehtii tyhjentävästi opetusvuosiaan ja yksilöllisen tyylin muodostumisen alkuperää:

... turhaissa kiistoissa siitä, kuuluuko Roussel debussismiin vai d'andismiin , ristiriidassa Scholan ja konservatorion koulutusjärjestelmää , he jotenkin unohtavat ratkaisevan merkityksen hänen säveltäjänä muodostumisessaan, Niedermeier-koulun periaatteet, ensisijaisesti kiitos Koszulille ja Giguelle. Sen koulukunnan periaatteet, josta Saint-Saens , Gabriel Fauré ja Messager tulivat esiin .

- Hoeree A. Albert Roussel. - P. , 1938. - s. 21 [5] .

Vincent d'Andy, joka oli hyvin pian vakuuttunut uuden opiskelijan poikkeuksellisesta tietämyksestä polyfonian alalla, nimitti hänet melkein välittömästi assistentiksi ja tarjosi sitten Schola cantorumin kurssin suoritettuaan häntä johtamaan kontrapunktia ja fuugaa . luokkaa . Valmistuttuaan viisi vuotta myöhemmin koulusta polyfonian luokassa Roussel alkoi siis vuodesta 1902 opettaa itse polyfonian kurssia samalla kun hän jatkoi opiskelua Vincent d'Andyn johdolla muissa aineissa vuoteen 1908 asti .

Schola cantorum , katolisen instituutin suojeluksessa oleva lähes uskonnollinen musiikinoppilaitos, oli erityinen ilmiö Ranskan musiikillisella kartalla 1900- luvun alussa . Toisaalta sillä oli maine konservatismin linnoituksena . Koulutus siinä perustui lähes kokonaan muinaisen kirkkomusiikin, gregoriaanisen laulun , vanhan polyfonian tekniikan tutkimukseen (esimerkiksi Palestrinan , Schutzin , Bachin , Händelin sekä joidenkin "erikoisluettujen" ranskalaisten mestareiden, kuten Lully , Rameau ja Couperin . Tietysti myös yksi Kantoreiden koulun musiikillisen järjestelmän pääpilareista oli sen pitkäaikaisen pysyvän johtajan Vincent d'Andyn, kunnioitetun ranskalaisen urkurin ja säveltäjän opettaja ja idoli , Cesar Franck ... On selvää, että polyfonian professori, joka oli Albert Roussel, sai kunniatehtävän vanhan kirjallisuuden tiukan tyylin ja kirkon kaanonien johtajiksi. Vaikuttaa siltä, ​​että mikä voisi olla konservatiivisempaa ja kuivempi kuin hahmoteltu ohjelma? Kuitenkin 1900-luvun alun tiukka ja lähes kirkollinen Schola cantorum muuttuu yhtäkkiä vastapainoksi melkein mätä byrokraattiselle musiikkiakatemialle ja Pariisin konservatorion kuolleelle, retrogradiselle koulutusjärjestelmälle Koulun seinistä Cantorsista jo sen kymmenen ensimmäisen vuoden aikana olemassaolosta sekä rohkeita kokeellisia muusikoita, jotka ovat saaneet vahvan ammattipohjan, että rohkeita avantgarde-taiteilijoita , jotka räjäyttivät modernin taiteen perustan, kuten Eric Satie tai Edgard Varese [7] . Muuten, molemmat vastanimetyt muusikot opiskelivat kontrapunktin ja polyfonian kurssia professori Albert Rousselin luokassa säilyttäen hänestä ystävällisimmän muiston ja erinomaisen asenteen vuosia.

Albert Rousselin tasainen, hillitty ja poikkeuksetta tarkkaavainen luonne sopi parhaiten opettavaan työhön kirkkaiden luovien persoonallisuuksien kanssa. Kahdentoista vuoden ajan hän oli Schola cantorumin huomaavainen ja perusteellinen moniäänisen taiteen historian ja teorian opettaja. Albert Rousselin kontrapointtiluokasta tuli sellaisia ​​epätavallisia ja merkittäviä säveltäjiä kuin Eric Satie, Paul Le Flem , Edgar Varèse, Alexis Roland Manuel , Guy de Lioncourt , Marcel Orban sekä monet ulkomaiset muusikot, mukaan lukien kuuluisa tšekkiläinen säveltäjä Boguslav Martinu , romanialainen säveltäjä Stan Golestan , uruguaylainen Alfonso Broca , italialainen Cesare Brero ja tšekkiläinen Yulia Reiserova [5] .

Jopa ikuisesti sarkastinen Eric Satie (neljäkymmentävuotias opiskelija, joka oli kolme vuotta vanhempi kuin opettaja) löysi sielustaan ​​vain ystävällisiä sanoja professoristaan. Ajoittain hän tykkäsi sanoa, jäljitellen Rousselin sävyä, hänen lempilauseensa - kotitehtävien tarkistuksen aikana: "Säveltäjällä, kuten kirurgilla , täytyy aina olla mukanaan täsmällisen harmonian instrumentti." [8] :195 Mutta jopa kymmenen vuotta kontrapunktiokurssin suorittamisen jälkeen Eric Satie löysi artikkeleissaan ja muistiinpanoissaan useaan otteeseen syyn todeta, että "...kolmen vuoden ajan työskentelin (itseni) Albert Rousselin kanssa. , jonka ystävä, uskallan sanoa, jään edelleen” [9] . Tietenkin hengellisillä ja tahdonvoimaisilla ominaisuuksillaan Roussel erosi hämmästyttävän tavallisesta Pariisin boheemista ja taiteellisista piireistä.

Syksyllä 1909 Roussel toteuttaa vanhan unelmansa - matkan Intiaan . Nuorena upseerina hän tapasi joitain satamakaupunkeja . Nyt hän ja hänen nuori vaimonsa ovat huolellisesti harkitulla ja ennalta sovitulla matkalla sisämaan muinaisten kaupunkien läpi. Palattuaan Ranskaan Intiasta tuoduista vaikutelmista syntyy useita sävellyksiä, jotka ovat erittäin merkittäviä kaikkeen eurooppalaiseen musiikkiin [10] . Ensimmäinen näistä on sinfoninen triptyykki "Vision haaste" ( fr.  Evocations ) solisteille , kuorolle ja orkesterille . Se esitettiin ensimmäisen kerran Pariisissa 18. toukokuuta 1912 , ja se teki vaikutuksen kuuntelijoihin ja kriitikoihin kirkkaalla eksoottisella epätavallisuudellaan yhdistettynä impressionistiseen tyyliin. Roussel vangitsi tähän triptyykkiin Elloran maanalaiset temppelit , Jaipurin auringonpaistelevien valkoisten marmoripalatsien kauneuden ja nuoren fakiirin taivaantervehdyslaulun Gangesin rannalla Benaresissa . Ensiesityksen menestys oli hämmästyttävä. Roussel tunnustettiin välittömästi ja peruuttamattomasti yhdeksi modernin ranskalaisen musiikin johtajista.

Seuraava loistava menestys oli hänen yksinäytöksinen pantomiimibalettinsa Hämähäkin juhla ( ranska:  Le festin de l'araignée ), joka esitettiin Pariisin Théâtre des Artsissa 3. huhtikuuta 1913 . Suunnitellun kahdeksan esityksen sijaan balettia esitettiin 22 kertaa ennen kauden päättymistä. Suosion aallolla Roussel loi baletistaan ​​sinfonisen sarjan , joka saavutti laajaa suosiota ja on edelleen kunniapaikalla maailman konserttinäyttämöillä Debussyn Faunin , Duken Noidan oppipoikan ja Ravelin ohella . Valssi [10] . Sotaa edeltäneiden vuosien "Feast of the Spider" ja "The Challenge of Visiions" ansiosta Roussel on vihdoin yksi merkittävimmistä impressionistisista säveltäjistä. Merkittävä pariisilainen musiikin kustantaja Jacques Durand , joka on erikoistunut työskentelemään impressionistien kanssa , julkaisee mielellään teoksiaan Ravelin , d'Andyn , Debussyn ja Schmittin musiikin ohella [11] . Vuoden 1913 lopulla Roussel sai Grand Operalta tilauksen oopperasta, joka perustui mihin tahansa häntä kiinnostavaan libretoon . Ja Roussel valitsee jälleen juoniksi intialaisen teeman - XIII vuosisadan legendan Padmavatista , Ratan-senin uskollisesta vaimosta . Hän ehti kuitenkin työskennellä uuden oopperansa parissa vain puoli vuotta .

Ensimmäinen maailmansota asetti rohkean linjan Rousselin säveltämiseen ja opetustyöhön. Hän on neljäkymmentäviisi vuotta vanha. Luonnoslautakunta ei hyväksy häntä aktiiviseen armeijaan hänen terveydentilansa vuoksi. Roussel työskentelee kuitenkin edelleen vapaaehtoisena Punaisen Ristin palveluksessa ja on työskennellyt ambulanssin kuljettajana etulinjassa lähes kaksi vuotta. Jopa tässä tapauksessa, kaukana musiikista, heistä tulee jälleen läheisiä kollegoita Maurice Ravelin kanssa: jo lokakuun lopussa 1914 Maurice Ravel, joka myös lääkäreiden hylkäämä, ilmoittautui vapaaehtoiseksi autorykmenttiin ja palvelee kuorma -autonkuljettajana vuoteen 1918 asti [12 ] . Puolentoista vuoden Punaisen Ristin palveluksen jälkeen Albert Roussel onnistui kuitenkin siirtymään lähemmäs rintamaa ja astumaan kuljetuspalveluupseeriksi - aktiiviseen tykistöyn . Luutnantin arvossa Roussel osallistui sotilasoperaatioihin Champagnessa , Sommen rannalla ja Verdunin lähellä vuosina 1916-1917 . Hieman alle vuosi ennen sodan loppua, tammikuussa 1918, Albert Roussel lopulta erotettiin armeijasta - aivan kuten Ravel, sairauden vuoksi. Demobilisoinnin jälkeen hän toipuu sodan heikentämän terveytensä pitkään. Vasta kesällä 1918 Roussel pystyi palaamaan normaaliin elämään ja ottamaan jälleen Padmavati-oopperan keskeytyneen sävellyksen. Roussel ei koskaan palannut opettamaan Schola cantorum, mutta hän jatkoi mielellään apua polyfonian ja sävellyksen alalla hänen puoleensa kääntyneille nuorille muusikoille.

Jopa edessä Roussel oli erittäin huolissaan hänen jättämänsä Padmavati-oopperan sävellyksen kohtalosta. Tarvitseeko kukaan tätä vanhaa tarinaa rakkaudesta ja kuolemasta kovien sodan vuosien jälkeen? ..

... Kaikesta tästä tulee varmasti "jotain sotaa edeltävää", eli se on erotettu meidän nykyisestä muurista, oikeaksi muuriksi... Loppujen lopuksi on alettava elää uudelleen, uudella asenteella elämään Tämä ei tarkoita, että kaikki mitä tapahtuu ennen sotaa unohdetaan, mutta kaikki mitä tehdään sodan jälkeen, on erilaista. <...> Padmavatini on edelleen tarpeeksi vahva kestämään vielä kaksi tai kolme vuotta odotusta (ja mitä vuosia!) ennen kuin hän kohtaa yleisön

- Albert Roussel . Kirje vaimolleen, päivätty 9. huhtikuuta 1916 [5]

Roussel oli vähän väärässä. "Padmavati" joutui odottamaan tätä kokousta ei kaksi tai kolme, vaan vielä seitsemän vuotta. Mutta toisaalta, ensi-ilta 1. kesäkuuta 1923 oli Rousselin perustavanlaatuinen menestys. Innostuneiden keskuudessa kuului kuitenkin kriittisiä ääniä. Tässä mielessä hyvin suuntaa-antava oli Paul Ducin arvio Rousselin suuren oopperan ensi-illasta. Kunnioitellen musiikin korkeita ansioita ja tuotannon poikkeuksellista (todella itämaista) ylellisyyttä, Dukas katsoi kuitenkin tarpeelliseksi tuoda esiin ulkoisten vaikutusten väärinkäytön näytelmän päähenkilöiden hahmojen riittämättömällä kohokuvioidulla tutkimuksella [13 ] . Padmavatin kuviorakenteen voimakas vahvuus ja omaperäisyys voitti kuitenkin kaikki epäilykset. Tuotannon äärimmäisen monimutkaisuuden ja korkeiden kustannusten ansiosta hän esiintyi lavalla vuosina 1925, 1927 ja 1931 , jolloin Roussel sai yhä enemmän hänen lahjakkuutensa ihailijoita. Vuonna 1938 jo mainittu Arthur Hoere valitti Roussel-kirjassaan aivan oikeutetusti tämän värikkään partituurin vähäisestä suosiosta Ranskan ulkopuolella.

Ei vain siksi, että hän on Honeggerin Antigonen ja Milhaudin Christopher Columbuksen kanssa yksi teatterimme merkittävimmistä sodan jälkeisistä luomuksista, vaan mikä tärkeintä, myös siksi, että hänellä on korkeimmillaan ne ominaisuudet, jotka jotain huonoa perinnettä, älä tunnista ranskalaista musiikkia: se erottuu vahvuudestaan ​​ja syvyydestään.

- Hoeree A. Albert Roussel. - P. , 1938. - s. 59 [5] .

Sodan päätyttyä, vuonna 1920, Albert Roussel osti Normandiassa , lähellä merta, maalaistalon , jossa hän vietti suurimman osan hänelle varatuista seitsemästätoista aktiivisesta elämästä. Rousselin elämän viimeiset puolitoista vuosikymmentä erottuvat sekä luovuuden että sosiaalisen toiminnan erityisestä intensiivisyydestä. Roussel on 1920-luvun Ravelin ohella ranskalaisen musiikin tunnustettu johtaja. Ravelin pitkän sairauden alkaessa, kun hän vähitellen vetäytyy osallistumasta Pariisin kulttuurielämään, Roussel pysyy lähes ainoana johtajana . 30-luvulla Roussel johti Kansainvälisen nykymusiikin seuran ranskalaista osastoa ja kuului yhdessä André Capletin kanssa vuosittaisen festivaalin tuomaristossa . Roussel ei menetä luonteensa eloisuutta elämänsä loppuun asti ja on avoin kaikelle uudelle. Hän tukee nuorten ranskalaisten säveltäjien työtä, monet uusimmat avantgarden suuntaukset tunkeutuvat hänen teoksiinsa. Mutta jopa nuoret 20-luvun alun säveltäjät katsovat yhä enemmän hänen töitään. Eric Satien kuoleman jälkeen lähes koko ranskalainen " Six " on saanut vaikutteita Rousselin, erityisesti Arthur Honeggerin , persoonallisuudesta ja työstä .

Roussel ei tee viimeistä matkaansa itään , kuten ennen tapahtui, vaan Amerikkaan voittavilla kiertuekonserteilla . Vuonna 1930 Roussel kirjoitti Sergei Koussevitzkyn tilauksesta kolmannen sinfoniansa juhlimaan Bostonin orkesterin vuosipäivää . Tämä on yksi hänen vahvimmista teoksistaan, täynnä voimaa, energiaa, terävyyttä ja draamaa.

Viimeiset puolitoista vuotta elämästään Roussel voi huonommin, hänen sydänsairautensa pahenee, ja keväällä 1937 hän lääkäreiden vaatimuksesta lähtee Royanin merenrantakohteeseen Lounais-Ranskaan lepäämään ja parantumaan. . Sydänkohtaukset ovat kuitenkin yleistymässä ja voimakkaampia. 13. elokuuta Roussel joutuu keskeyttämään puhallintrionsa sävellyksen oboelle , klarinetille ja fagottille . Roussel ja äärimmäisen rauhallisesti, kuten kaikki muukin elämässään, Roussel kärsii toistuvista sydänkohtauksista .

Albert Roussel, 68-vuotias ranskalainen säveltäjä, kuoli toiseen sydänkohtaukseen noin kello 16.00 23. elokuuta 1937 Royanin kaupungissa Lounais-Ranskassa. Hän kuoli vuonna 1937, kun hänen lähimmät työtoverinsa ja toverinsa luovalla tiellä kulkivat: Maurice Ravel ja Gabriel Piernet .

"Säveltäjällä, kuten kirurgilla, täytyy aina olla mukanaan Precise Harmony -instrumentit" - tätä ei pidä unohtaa [8] . :195

Essee luovuudesta

Albert Rousselin teosten täydellinen luettelo sisältää 59 julkaistua opusta ja noin tusina muuta käsikirjoitusta . Rousselin teosten erittäin laaja tyylivalikoima saattaa viitata säveltäjän tiettyyn esteettiseen kaikkiruokaisuuteen. Samaan aikaan tämä on täysin väärin. Vilpittömästi reflektoiva taiteilija , joka kokee jatkuvasti lisääntyvää vastuuta itsestään ja taiteesta , Roussel itse selitti jatkuvaa etsintään hellittämättömällä halulla löytää musiikin kielen maksimaalinen ilme. Tässä etsinnässä hänen suljettu romanttinen luonteensa ja rakkautensa asioiden luonteen ymmärtämiseen saivat epäilemättä ilmeen. Mutta oli toinenkin jatkuva lähde, joka pakotti Rousselin koko hänen elämänsä ajan päivittämään musiikillisen puheen keinoja. Tämä on itä , jonka värikkään ja eklektisen kulttuurin hän tapasi useiden matkojen aikana. Roussel lisää eri vuosien teoksiin tyypillisiä modaalikäänteitä intialaisesta , kambodžalaisesta ja indonesialaista kansanmusiikkia . Tämä ei kuitenkaan ole hänelle menetelmä "paikallisen värin " esittelyyn, vaan vain keino rikastaa musiikillista kieltä.

Parhaissa teoksissaan, joihin kuuluvat kolmas ja neljäs sinfonia , ooppera - baletti Padmavati, baletit Bacchus ja Ariadne ja The Feast of the Spider, sekä Flanderin rapsodia orkesterille , Roussel osoittaa selvästi omaa, tunnistettavaa ja omaperäistä luovuuttaan. tyyli [13] . Hänen melodinen lahjansa on kuitenkin pieni. Siitä huolimatta monilla teemoilla on "luonnetta", kirkasta intonaatiota ja ilmeisyyttä.

Rousselin teatteriteokset sekä neljä sinfoniaa ja sinfonia, joiden läsnäolo 1900-luvun alun ranskalaisessa musiikissa voidaan tunnistaa lähes ainutlaatuiseksi ilmiöksi , ovat Rousselin teosten suurin arvo . Monien musiikkitieteilijöiden mukaan niin sanottu sinfoninen ajattelu on periaatteessa vieras ranskalaisille säveltäjille . Todellakin, "absoluuttinen musiikki", joka ei liity sanaan, kirjalliseen perustaan, ohjelmaan , luontokuviin tai lavasuunnitteluun , tuli hyvin harvoin ranskalaisten kirjailijoiden kynästä. Albert Rousselin neljä sinfoniaa käänsivät tämän suuntauksen jossain määrin. Lisäksi hän teki tämän pysyen todella ranskalaisena taiteilijana siirtymättä "saksalaisen kurin" alueelle, jota Debussy ja Ravel jatkuvasti vastustivat . Mutta ennen kaikkea Rousselin ansio on, että hänen henkilökohtainen kokemuksensa vauhditti uutta suuntausta nuorten ranskalaisten säveltäjien keskuudessa, jotka kääntyivät uudella voimalla kohti puhdasta sinfonista musiikkia. Tässä yhteydessä riittää mainita Arthur Honeggerin , Darius Milhaudin, Henri Dutilleux'n ja Henri Sauguet'n nimet [13] .

Rousselin tyylin muodostumiseen vaikuttivat epäilemättä Schola Cantorumissa opiskeluvuodet . Viranomaiset, kuten Palestrina ja Bach , jättivät jälkensä Rousselin kypsään tyyliin, joka on rikas kontrapunktio ja monimutkainen moniääninen ääni. Verrattuna hänelle läheisten ranskalaisten säveltäjien, kuten Faurén ja Debussyn , hienovaraisiin vivahteisiin Rousselin orkesteri on erilainen kuin mikään tiheämpi ja raskaampi, jopa niissä hänen sävellyksissään, joita perinteisesti kutsutaan impressionistiseksi . Roussel oli työnsä kaikilla jaksoilla, olipa se ulkoisesti miltä tahansa, luonteeltaan ja ajattelutavallaan lähinnä klassismia .

Useissa sävellyksissä Roussel kunnioitti myös aikansa uutta ja kasvavaa ilmiötä kuten amerikkalaista jazzia . Yksi hänen sävellyksistään laululle ja pianolle on nimeltään "Night Jazz" ( 1929 ), ja se toistaa selvästi hänen aikalaistensa teoksia, kuten Maurice Ravelin viulusonaatti tai Darius Milhaudin baletti "Maailman luominen".

Kirjassaan Reminiscences Albert Roussel säästi myöhemmät tutkijat tekemästä omia johtopäätöksiään. Hän itse arvostettuna Schola cantorumin opettajana analysoi varsin vakuuttavasti omaa tuotantoaan ja erotti siitä kolme selkeästi määriteltyä tyylijaksoa:

Ensimmäinen ajanjakso 1898-1913 , jota voidaan ehdollisesti kutsua impressionistiseksi . Periaatteessa se sisältää opiskeluvuodet. Puhuessaan teoksestaan ​​kirjassa "Memoirs" kirjoittaja pehmentää sanamuotoa paikoin. Joten Rousselin mukaan hänen näiden vuosien musiikkinsa oli " hieman, hyvin vähän Debussyn vaikutteita, mikä tarkoittaa ennen kaikkea taipumusta jäykkään muotoon, jonka opettajani Vincent d'Andy juurrutti minuun ". Rousselin sanoja ja musiikkia ulkopuolelta arvioituna voidaan todeta, että vaikka tätä luovuuden ajanjaksoa kutsutaan aivan oikein " impressionistiseksi ", hänen tämänaikaisessa musiikissaan on kuitenkin yhtä paljon itämaisia ​​vaikutteita. Tämä on se, mitä Albert Roussel oli hämmästyttävän erilainen kuin hänen kollegansa musiikillisen impressionismin alalla.

Rousselin ensimmäinen orkesterikokemus oli Leo Tolstoin ( 1903 ) romaaniin perustuva sinfoninen alkusoitto "Resurrection". Se esitettiin 17. toukokuuta 1904 National Musical Societyn konsertissa, jota johti Alfred Cortot , joka osoitti aina kiinnostusta Rousselin työtä kohtaan. Musiikin kielen epätavallinen tiheys, yleinen synkkä maku (alkusoitto päättyi koraaliin jokapäiväiseen gregoriaaniseen teemaan) sekä orkesterin alemman rekisterin huomattava ylikuormitus aiheuttivat aloittelevalle säveltäjälle ankaran kritiikin . , joka oli vielä Frankin sinfonisen tyylin selkeän vaikutuksen alainen [14] . Roussel hyväksyi kritiikin hiljaa ja rauhallisesti, jätti partituurin käsikirjoitukseen eikä palannut sen pariin enää koskaan.

Seuraavat orkesterisävellykset, joita leimaa jatkuvasti kasvava Claude Debussyn vaikutus, säilyvät täysin erilaisessa hengessä. Pehmeä ja runollinen "Kesäilta" ( 1904 ) ja erittäin värikäs Leconte de Lillen runoon perustuva " Rypäleen sato " ( 1905 ) olivat myös Cortotin esityksessä ensimmäistä kertaa. Melko myönteisistä lehdistöarvosteluista huolimatta Roussel tuhosi "The Grape Harvest" -teoksen partituurin heti sen esityksen jälkeen, koska hän piti sekä teoksensa muotoa että orkestrointia epäonnistuneina [14] . Sitten Roussel ottaa uudella voimalla vastaan ​​jo vuotta aiemmin alkaneen neliosaisen sinfonian, jota hän kutsuu "Metsän runoksi" (1904-1906). Sinfonisen syklin klassiset muodot yhdistyvät siinä neljään vuodenaikaan jaettuihin luontokuviin. Osat ovat alaotsikoilla "Metsä talvella", "Kevätuudistus", "Kesäilta" (aiemmin erillisenä orkesterikappaleena kirjoitettu) ja " Faun and the Dryads ". Useita kertoja sinfonian osia esitettiin erikseen konserteissa, ja vasta 7. helmikuuta 1909 Lamoureux-orkesterin konsertissa tapahtui Vincent d'Andyn johtaman sinfonian täysi kantaesitys . Arvovaltaiset kriitikot Jean Marnol ja Gaston Carro arvostivat suuresti "Metsän runoa" ja näkivät sen tekijässä lupaavan sinfonistin.

... välittömästi Paul Dukasin ja Alberic Magnardin jälkeisessä säveltäjäsukupolvessa , ehkä juuri hän, Roussel, osoittaa suurimman lupauksen. Mitä enemmän hän luo, sitä enemmän herra Albert Rousselissa on huomattava yksilöllisyys : sekä siinä, mistä hän puhuu, että siinä, miten hän ilmaisee ajatuksiaan. Hänen sielunsa yksilöllisyys määrää hänen tyylinsä yksilöllisen omaperäisyyden.

- Karrot G. "Liberte", 9. helmikuuta 1909 [14] .

Melkein samanaikaisesti sinfonian kanssa Roussel viimeistelee kamari Divertimenton pianolle ja viidelle puhallinsoittimelle . Tämä iloinen ja humoristinen musiikki erottuu jokaisen soittimen virtuoosista ja upeasta kokonaisuudesta. Sen musiikilliset teemat ovat kohokuvioituja ja kuperia, ja muodon linjat ja reunat ovat selkeitä. Kaikki nämä piirteet, jotka selvästi vastustavat impressionismin yleistä estetiikkaa , ennakoivat sodanjälkeisen luovuuden uusklassisia suuntauksia. Jotkut kriitikot huomasivat "Divertissementin" musiikissa piirteitä, jotka tuovat Rousselin työtä lähemmäksi silloisen vahvistuvaa - fauvismia maalauksessa.

Yhteenvetona ensimmäisen jakson tunnetuimpia teoksia ovat: "Divertimento" op.6 puupuhallinkvintetille ja pianolle (1906), Sinfonia nro 1 "Metsän runo" op.7 (1904-1906), esitys lapsille (1908), "Vision haaste" op.15 triptyykki kuorolle, orkesterille ja baritonille (1910-1911) ja baletti-pantomiimi "Feast of the Spider" op.17 (1912). Kaksi viimeistä on jo mainittu.

Roussel itse laskee toisen luovuuden ajanjakson vuodesta 1918 , jolloin hän palasi sodasta, ja päättyy vuoteen 1925 , jolloin hänen siirtymisensä uusklassismiin on vihdoin virallistettu . Pohjimmiltaan tätä ajanjaksoa voidaan kutsua siirtymävaiheen tai sekoitettuna, jonka aikana Roussel kokeili , muodostaen vähitellen kypsän tyylinsä piirteitä. Rousselin yhdistävä linkki menneen ja uuden musiikin välillä oli Padmavati-oopperan partituuri, jonka työskentely jatkui sodan tauolla - lähes kahdeksan vuotta. Mutta muissa tämän ajan teoksissa impressionistinen epämääräisyys on kaikkialla selkeitä linjoja huonompi, musiikki saa varmuuden, kovemman rytmin , lisäksi dissonanssien määrä lisääntyy merkittävästi . Tämän ajanjakson ylivoimaisesti monimutkaisin ja ylikuormittein teos on vuosina 1919-1921 kirjoitettu Toinen sinfonia, jonka jälkeen Roussel alkoi siirtyä kohti yksinkertaisempia ja tarkempia musiikillisen kielen muotoja. Edestä palattuaan Roussel on muuttunut paljon. Hän ei voinut enää kirjoittaa kuten ennen, tasapainotellen impressionistisen kauneuden ja itämaisen kielen loiston partaalla. Roussel itse selitti vakavia muutoksia tyylissään ja asenteessa luovuuteen seuraavasti:

…Neljä vuotta sotaa ei ollut turha minulle muusikkona. Käytin niitä pohtiessani taidettani. Opin paljon tästä pakotetusta polun tarkistamisesta, jonka olin kulkenut. Kuten monet, minua kiehtoivat uudet musiikillisen ajattelun menetelmät. Impressionismi kiehtoi minua aluksi; Musiikkini vetosi ehkä liian voimakkaasti kohti ilmiöiden ulkopuolista puolta, kohti maalauksellista alkua, joka, kuten vähän myöhemmin aloin ajatella, riisti musiikilta osan sen luontaisesta totuudesta . Siitä lähtien päätin laajentaa kirjoitukseni harmonista alkua, yritin lähestyä ajatusta luoda musiikkia, jossa idea ja sen toteutus kumpuaisi itsestään ja sisältyisi myös itsessään.

- Roussel A. Muistelmat [15] .

Toisena sinfoniana, joka kirjoitettiin toisena vuonna Paluun jälkeen , tuli viimeinen käännekohta, jolla Roussel julkisesti erotti itsensä impressionismista. Rousselin "uusi tyyli" sai kantaesityksensä 4. maaliskuuta 1922 konsertoissa Padélou (Suden askel) . Musiikkikielensä ankaruudella ja rumuudella toinen sinfonia teki odottamattoman ja epäsuotuisan vaikutuksen kaikkiin: niin perinteisyyden harrastajiin , konsonanssin ystäviin kuin impressionismin kannattajiin, jotka olivat jo tottuneet näkemään Rousselin uskollisten "debussistien" riveissä. .

”... Valitettavasti Albert Roussel jättää meidät. Hän jättää meidät hyvästelemättä, hiljaa, vaatimattomasti, hillittynä, kuten aina... Näet, hän lähtee, hän lähtee, hän menee ... Mutta minne? [viisitoista]

— (Vuillermoz Emile, "Excelsior", 6. maaliskuuta 1922.)

Pitkään ja epätavallisen vilpittömään Rousselin toisen sinfonian tiraadiin vastasi myös hänen entinen oppilaansa Eric Satie , joka oli tuolloin yhtä kaukana impressionismista, jonka perustaja hän itse oli kolmekymmentä vuotta sitten, ja Albert Rousselin puhtaasti musiikillisista etsinnöistä. Toisesta sinfoniasta ei vain tullut maamerkkitapahtuma Ranskan sodanjälkeisessä musiikkielämässä , vaan Satie löysi siitä henkilökohtaisesti uuden syyn vastustaa akateemikoita ja musiikin ammattilaisia ​​todellisen elävän taiteen kanssa.

Albert Rousselin kauniin sinfonian esitys yhdessä Walking Wolf -konsertissa oli erinomainen ja jalo tapahtuma, joka sekoitti mutaisia ​​musiikkivesiämme. Voi kauhua, voi pelkoa!  - toinen osa todellista äänianarkiaa vuodatti heihin  - aave, joka tunnetaan paremmin nimellä kakofonia . <...> Albert Rousselille jatkuvasti osoitettujen moitteiden joukossa on yksi, joka jää mieleeni parhaiten (ehkä siksi, että se liittyi suoraan Rooman palkintoon ). Mistä häntä syytetään? - Kyllä, sillä hän on amatööri ..., amatööri.

Itsestään herää kysymys: mutta kuinka tämä "rakastaja" tunnistetaan? .. Et voi turhaan raahata aivojasi, vastaus on hyvin yksinkertainen. Amatööri on se, joka ei tietenkään ole saanut suurta roomalaista palkintoa. Saanen esittää seuraavan kysymyksen äärimmäisen kohteliaasti ja ystävällisesti: mikä on yllä mainittu palkinto? Joidenkin korkeampien olentojen leima, erinomainen, korkealaatuisin, ei-sarja, loppuunmyyty ja harvinainen. Epäilemättä Albert Rousselia tarkasteltaessa on heti selvää, että hän ei ole erinomainen, ei poikkeuksellinen, ei laadukkain, ei loppuunmyyty, täysin sarja eikä ollenkaan harvinainen - niin täytyy ajatella. Olen erittäin pahoillani tästä, mutta rakastan häntä aivan yhtä paljon, ja toivon, että hän tietää sen hyvin.- Erik Satie Valistuksen alkuperä. - Feuilles Libres, iuni 1922. [8] :501-502

Toisen sinfonian ja Padmavati- oopperan valmistumisen jälkeen Rousselin teoksissa uusklassinen suuntaus jatkaa kasvuaan. Vain neljä vuotta Satien Sokrates -elokuvan ensi-illan jälkeen , josta tuli uusi tyyli, Roussel kirjoitti vuosina 1922-24 lyyrisen tarinansa "Lyran syntymä" Sophokleen jälkeen yrittäen päästä mahdollisimman lähelle muinaista teatteria. Tämä Rousselin partituuri esitettiin Grand Operassa 1. heinäkuuta 1925 , ja se edelsi kahdella vuodella Stravinskyn Oidipusta ja Honeggerin Antigonea .

Rousselin teoksen toisen, siirtymäkauden tunnetuimpia teoksia ovat seuraavat teokset: ooppera-baletti "Padmavati" op.18 (1914-1922 ) , "Kevätlomaksi" sinfoninen näytelmä op.22 (1920), Sinfonia No. (1919-1921), "Lyran syntymä" lyyrinen tarina op.24 (1923-1924), "Flute Games" huilulle ja pianolle op.27 (1924) ja "Serenade" huilulle, jousitriolle ja harpulle .30 (1925).

Roussel aloittaa työnsä kolmannen vaiheen vuonna 1926 , eikä hän enää itse asettanut rajaa "Muistelmat" -kirjassa, vaan hänen kuolemansa kesällä 1937 . Elämänsä viimeisten 11 vuoden aikana Roussel löysi "lopullisen tyylinsä" - uusklassismin . Yleisesti ottaen hän pysyy avantgardisäveltäjänä , vaikka hänen teostensa soundi muuttuu vähitellen läpinäkyvämmäksi ja selkeämmäksi. Tietysti Rousselin uusklassismilla on omat erityispiirteensä, jotka erottavat sen muista kirjailijoista, jotka aloittivat työskentelyn tällä tyylillä samaan aikaan (tai melkein samanaikaisesti) hänen kanssaan. Ensinnäkin tämä on kirjoittamisen entinen polyfonia , taipumus polytonaalisuuteen ja polymodaalisuuteen, perinteinen klassinen muoto ja selkeä toiminnallinen orkestraatio . Lisäksi Roussel (toisin kuin esimerkiksi Satie ja Stravinsky) uusklassismissaan ei koskaan välttänyt ilmaista eläviä ja vahvoja tunteita . Tässä mielessä hänen uusklassismiaan voitaisiin kutsua osittain beethovenilaiseksi .

Rousselin uuden tyylin pääpiirteet saivat täyden ilmeensä hänen "Suite in F" -sarjassa vuodelta 1926 , jolla hän itse asiassa aloittaa kolmannen jaksonsa lähtölaskennan. Sarja koostuu kolmesta tanssista : Prelude , Sarabande ja Gigue . Ensimmäinen esitys pidettiin Bostonin sinfoniaorkesterin konserteissa 21. tammikuuta 1927, johtajana Sergei Koussevitzky . Pian ensiesityksen jälkeen "Suite in Fa" tuli yhdeksi Albert Rousselin esitetyimmistä konserttiteoksista . Kirjailija itse ymmärsi tämän pienen teoksen tärkeyden omalle luovalle etsinnölle puolitoista vuotta Bostonin ensi -illan jälkeen , ja hän analysoi sitä yksityiskohtaisesti ennen ensimmäistä esitystä Pariisissa :

… ulkoisen muodon näkökulmasta säveltäjä valitsi itselleen malliksi vanhan sarjan klassisen rakenteen, vaikka hän uudisti sitä merkittävästi.<…> Sen teemamateriaali koostuu lyhyistä segmenteistä, joiden eri ääniyhdistelmiä muodostavat kehityksen. Ja nämä kehittyvät jaksot itse takertuvat toisiinsa ilman pienintäkään pysähdystä muodostaen yhden jatkuvan musiikillisen kudoksen. Bach ja jotkut hänen seuraajistaan ​​käyttivät tällaisia ​​menetelmiä helposti .

- Roussel A. "Guide de Concert". – 23. marraskuuta 1928 [15] .

Niinpä Roussel itse kutsui uusklassisminsa pääpiirteeksi: se ei ollut arkaaista tai paluuta "kauniiseen antiikkaan", vaan tyylin nuorentuminen . Hän sovelsi klassisia muotoja ja kehitysmenetelmiä nykyaikaiseen musiikin kieleen. Rousselin uusklassismin eräänlaisen manifestin "Suite in Fa" jälkeen säveltäjä jatkaa aktiivisen luovansa loppuelämänsä ajan löytämiensä ja itselleen omaksumiensa musiikillisten muotojen hiomista ja kehittämistä.

Kolmas sinfonia g-mollissa (1929-1930 ) ja neljäs sinfonia A-durissa ( 1934 ) edustavat uusia korkeuksia perinteisen neliosaisen sinfonisen syklin tulkinnassa . Samaan aikaan Roussel työskentelee aktiivisesti lisää "valaistumista" ja tyylinsä puhdistamista "kakofoniasta", josta Eric Satie kerran lievästi moitti häntä, yrittäen samalla olla menettämättä musiikillisen kielen nykyaikaisuutta. 1920-luvun lopulla ilmestyneet lukuisat kamari- ja konserttisinfoniset teokset, joista konsertto pienelle orkesterille (1926-27) , pianokonsertto (1927) ja Pieni sarja orkesterille (1929) voidaan erottaa eräänlaisena koekenttänä . tälle liikkeelle ) .

Kolmas sinfonia, joka on kirjoitettu Bostonin sinfoniaorkesterin 50-vuotispäivänä , on omistettu sen kapellimestari Sergei Koussevitzkylle , ja se esitettiin ensimmäisen kerran Bostonissa 17. lokakuuta 1930 . Kriittiset arvostelut olivat lähes yksimielisiä: Roussel tarjosi todella innovatiivisen ja samalla klassisen harmonisen teoksen. Kolmas sinfonia kirjaimellisesti hämmästyttää temaattisen materiaalin dynaamisuudella, tahdonvoimalla ja kuperalla helpotuksella . Samalla se on todella klassisesti tiivistetty ja tasapainoinen kaikilta osin.

Neljännen sinfonian luomista edelsi välittömästi kolmiosainen Sinfonietta jousiorkesterille , jonka Roussel kirjoitti yhdellä hengityksellä, vain kolmessa viikossa (12.7.- 6.8.1934 ). Tämä nokkela ja kirkas konserttisävellys oli tarkoitettu Jeanne Evrardin johtamalle sensaatiomaiselle naisten jousiorkesterille , ja se esitettiin suurella menestyksellä 19. lokakuuta 1934 Salle Gaveaussa . Merkittävää on myös se, että kaikissa mainituissa teoksissa ei ole lainkaan pienintäkään vihjettä jonkinlaisesta ohjelmallisuudesta tai teatraalisuudesta ; tarkemmin sanottuna, nämä ovat esimerkkejä siitä hyvin "puhdasta sinfoniasta", jota pidettiin yleensä täysin epätyypillisenä ranskalaiselle musiikille.

Vuonna 1930 (kesäkuusta joulukuuhun) Roussel luo yhden kuuluisimmista teatteriteoksistaan ​​- baletin " Bacchus ja Ariadne ". Melko " ravelialaisesta " nimestä huolimatta, jossa voi tuntea " Daphnis and Chloe " -kaiun, baletti on täysin klassista sekä muodoltaan että musiikillisesti. "Bacchuksen ja Ariadnen" partituuri on melko sopusoinnussa kolmannen ja neljännen sinfonian kanssa, mutta ei ole puhdas ja erillinen esityksestä. Roussel piti päätehtävänään teatterimusiikissa partituurin alistamista päädraama- ja juonenkehitykseen . Baletti sai ensi-iltansa 22. toukokuuta 1931 Serge Lifarin koreografialla ja oli suuri menestys.

Rousselin viimeinen vetoomus antiikkiin ja teatteriin (keväällä 1935 ) oli hänen balettinsa kuorojen Aeneas kanssa (perustuu Vergiliusin Aeneidesiin ) . Roussel pyrkii toistamaan baletissaan muinaisen tragedian synteettisiä pääpiirteitä ja luo itse asiassa uudenlaisen esityksen , jossa pantomiimibaletin piirteet yhdistyvät yksittäisiin oratorion ja kantaatin elementteihin . Ensimmäistä kertaa "Aeneas" esitettiin vuonna 1935 Brysselissä Taidepalatsin lavalla. Ensiesityksen suuri menestys aiheutti kansainvälistä kohua, ja samana vuonna Aeneas esitettiin myös Milanon La Scala -teatterissa . Paris näki hieman epäröinnin jälkeen Aeneaksen Suuressa oopperassa jo Rousselin kuoleman jälkeen vuonna 1938 .

Rousselin viimeinen suuri teos oli "Flander Rhapsody" (kirjoitettu huhti-kesäkuussa 1936 ), jossa hän palasi ja kunnioitti pienen kotimaansa kansanmusiikkia . Tourcoing , jossa Roussel vietti lapsuutensa ja jossa hänen esi-isänsä asuivat vuosisatoja, sijaitsee Ranskan Flanderin alueella , josta suurin osa tuli osa Belgian aluetta . Roussel halusi usein korostaa flaamilaista alkuperäään ja huomannut iloisesti monia kansallisia piirteitä omassa luonteessaan. "Flanderin rapsodia" on kirjoitettu viiden autenttisen flaamilaisen melodian materiaalille , jotka Roussel otti belgialaisen folkloristin Ernest Claessonin kokoelmasta  - "Belgialaisten maakuntien kansanlauluja". Roussel tiesi suurimman osan näistä kappaleista lapsuudesta asti. Rapsodia alkaa laulun "The Siege of Burg-op-Zom" juhlallisella lausunnolla , sitten "Fighting Song of the Geuzes " on mukana kehitystyössä, lyriikka " Lullaby " muodostaa erillisen jakson, jota seuraa tanssi. kappale "Careltier". Rousselin muihin sinfonisiin teoksiin verrattuna Flanderin Rhapsodyn musiikillinen rakenne on hyvin yksinkertainen, mutta sointi ja moniääninen nerokkuus tekevät siitä tarttuvan iloisen ja nokkelan konserttiteoksen, jossa suuri säveltäjä näyttää tuovan musiikkiaan lähemmäksi laajinta yleisöä. Ilmeisesti tämä oli Rousselin suora vastaus vaikeaan sotaa edeltävään poliittiseen tilanteeseen 1930-luvun puolivälissä . Riittää, kun todetaan, että Albert Roussel valittiin juuri ennen rapsodiansa luomista Ranskan populaarimusiikkiliiton puheenjohtajaksi, jonka päätehtävänä oli tuoda akateemista taidetta lähemmäksi massayleisöä. Ensimmäisen kerran Brysselissä 12. joulukuuta 1936 ja Pariisissa 21. tammikuuta 1937 (johtajana Charles Munche ) Flaamilainen rapsodia tuli hyvin nopeasti yhdeksi Rousselin suosituimmista ja usein esitetyistä teoksista.

Lopuksi on vielä lueteltava vain Albert Rousselin työskentelyn kolmannen ajanjakson merkittävimmät teokset: nämä ovat ensinnäkin "Suite in Fa" op.33 orkesterille (1926), Konsertto pienelle orkesterille op.34 ( 1926-1927), Sinfonia nro 3 g-molli op.42 (1929-1930), Bacchus ja Ariadne -baletti op.43 (1930), Sinfonietta jousiorkesterille op.52 (1934), Sinfonia nro 4 A-duuri op.53 (1934), Aeneas-baletti kuoroineen op.54 (1934), Flanderin rapsodia orkesterille op.56 (1936), Concertino sellolle ja orkesterille op.57 (1936) ja jousitrio op.58 (1937).

Albert Rousselin teoksia

oopperat

Padmavati, ooppera-baletti 2 näytöksessä, op. 18 (1913-18), post. Pariisin ooppera, 1. kesäkuuta 1923

Lyyran syntymä, ooppera (lyyrinen tarina) 1 näytöksessä op. 24 (1923-24), post. Pariisin ooppera, 1. heinäkuuta 1925

Testament of täti Caroline, koominen ooppera 3 näytöksessä (1932-1933), post. 14. marraskuuta 1936

baletteja

Hämähäkkijuhla, baletti yhdessä näytöksessä op. 17 (1912), post. Pariisi, 3. huhtikuuta 1913

Sarabande, numero yhteiselle lastenbaletille "Jeanne's Fan" (1927), post. Pariisi, 16. kesäkuuta 1927

Bacchus ja Ariadne, baletti kahdessa näytöksessä op. 43 (1930), post. Pariisin ooppera, 22. toukokuuta 1931

Aeneas, baletti kuorolle ja orkesterille, op. 54 (1935), post. Bryssel, 31. heinäkuuta 1935

Musiikkia teatteriin

Hiekkamyyjä, musiikkia näytelmään, joka perustuu Georges Jean-Aubryn satuun op. 13 (1908), post. Le Havre, 16. joulukuuta 1908

Johdatus Romain Rollandin (1936) näytelmän "The Fourteenth of July" 2. näytökseen, post. Pariisi, 14. heinäkuuta 1936

Elpenor, radiofoninen runo huilulle ja jousikvartetille op. 59 (1937), post. Bryssel, 1947

Sävellykset orkesterille

Resurrection, Preludi orkesterille, op. 4 (1903)

Sinfonia nro 1 d-molli "Metsän runo", op. 7 (1904-1906)

Loitsuja solisteille, kuorolle ja orkesterille, op. 15 (1910-1911)

Padmavati, Oopperan sviitit nro 1 ja 2, op. 18 (1918)

Kevätjuhlaksi sinfoninen runo op. 22 (1920)

Sinfonia nro 2 B-duuri op. 23 (1919-1921)

Sarja orkesterille F-duuri op. 33 (1926)

Konsertto pienelle orkesterille (1926-1927)

Little Suite, op. 39 (1929)

Sinfonia nro 3 g-molli op. 42 (1929-30)

Sinfonietta jousiorkesterille op. 52 (1934)

Sinfonia nro 4 A-duuri op. 53 (1934)

Flanderin rapsodia, op. 56 (1936)

Konsertit

Pianokonsertto G-duuri op. 36 (1926-27)

Konsertino sellolle ja orkesterille op. 57 (1936)

Laulu- ja orkesterisävellykset

Battle Song of the Franks mieskuorolle, vaskipuhaltimille ja lyömäsoittimille ad libitum (1926)

Psalmi 80 tenorille, kuorolle ja orkesterille op. 37 (1928)

Puhallinsoittimelle

Suuri päivä op. 48 (1932)

Kamarimusiikki

Pianotrio Es-duuri, op.2 (1902)

Divertimento pianolle ja puhallinkvintetille, Op.6 (1906)

Sonaatti nro 1 viululle ja pianolle, Op.11 (1907-08)

Impromptu harppusoololle, op.21 (1919)

Huilusoittimet huilulle ja pianolle, Op.27 (1924)

Sonaatti nro 2 viululle ja pianolle, op.28 (1924)

Segovia kitaralle (tai pianolle), Op.29 (1925)

Serenadi huilulle, jousitriolle ja harpulle, Op.30 (1925)

Dueto fagottille ja kontrabassolle (1925)

Aaria oboelle ja pianolle (1927-28)

Trio huilulle, alttoviululle ja sellolle, Op.40 (1929)

Jousikvartetto, op.45 (1931-32)

Andante ja Scherzo, huilulle ja pianolle, Op.51 (1934)

Piippu, pikololle ja pianolle (1934)

Trio jousille, op.58 (1937)

Andante keskeneräisestä triosta oboelle, klarinetille ja fagottille (1937)

pianomusiikkia

The Past Hours, op.1 (1898)

Nukketarina (1904)

Country Dances, op.5 (1906)

Sarja F Sharp, op.14 (1910)

Little Canon Perpetuum (1913)

Sonatina, op.16 (1914)

Epäilykset (1919)

Vastaanotolla Musesissa (Debussyn initiaatio) (1920)

Preludi ja fuuga (Homage to Bach), op.46 (1932)

Three Pieces, op.49 (1933)

Urkukappaleet

Preludi ja fughetta, op. 41 (1929)

Laulu toimii

Henri de Regnierin neljä runoa, op.3 (1903)

Henri de Regnierin neljä runoa, Op.8 (1907)

Uhka, op. 9 (1907-1908)

Liekki Op. 10 (1908)

Kaksi kiinalaista runoa op.12 (1908)

Kaksi romanssia op.19 (1918, orkesteri 1928)

Kaksi romanssia op.20 (1919)

Ronsardin kaksi runoa huilulle ja sopraanolle, Op.26 (1924)

Anacreontic Odes op.31 (1926)

Anacreontic Odes op.32 (1926)

Kaksi kiinalaista runoa Op.35 (1927)

Vocalise (1927)

Night Jazz Op.38 (1928)

Vocalise (1928)

Kukka tyttärelleni, romanssi st. D. Joyce (1931)

Two Idylls Op.44 (1932)

Kaksi kiinalaista runoa op.47 (1932)

Kaksi romanssia op.50 (1934)

Kaksi romanssia op.55 (1935)

Kuorolle a cappella

Kaksi madrigalia neljälle äänelle (1897)

Madrigal for Muses kolmelle naisäänelle (1923)

Lähteet

  1. ↑ 1 2 Albert Roussel // Encyclopædia Britannica 
  2. ↑ 1 2 Albert Charles Paul Marie Roussel // Brockhaus Encyclopedia  (saksa) / Hrsg.: Bibliographisches Institut & FA Brockhaus , Wissen Media Verlag
  3. ↑ Albert Roussel // Gran Enciclopèdia Catalana  (kat.) - Grup Enciclopèdia Catalana , 1968.
  4. ↑ Roussel Albert // Suuri Neuvostoliiton Encyclopedia : [30 osassa] / toim. A. M. Prokhorov - 3. painos. - M .: Neuvostoliiton tietosanakirja , 1969.
  5. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 Filenko G. 1900-luvun ensimmäisen puoliskon ranskalaista musiikkia. - L . : Musiikki, 1983. - S. 16-19.
  6. ↑ Schneerson G. XX vuosisadan ranskalaista musiikkia. - M . : Musiikki, 1964. - S. 150.
  7. ↑ Schneerson G. XX vuosisadan ranskalaista musiikkia. - M . : Musiikki, 1964. - S. 50-51.
  8. ↑ 1 2 3 Sati E., Hanon Y. "Muistaen jälkikäteen". - Pietari. : Center for Middle Music, 2009. - 682 s.
  9. ↑ Erik Satie . Ecrits. - P .: Painokset Gerard Lebovici, 1990. - S. 55.
  10. ↑ 1 2 Filenko G. Ranskalaista musiikkia 1900-luvun alkupuoliskolla. - L . : Musiikki, 1983. - S. 25-31.
  11. ↑ Ravel kirjeiden peilissä / Kokoonpannut M. Gerard ja R. Chalu. - L . : Musiikki, 1988. - S. 188.
  12. ↑ Ravel kirjeiden peilissä / Kokoonpannut M. Gerard ja R. Chalu. - L . : Musiikki, 1988. - S. 106.
  13. ↑ 1 2 3 Schneerson G. XX vuosisadan ranskalaista musiikkia. - M . : Musiikki, 1964. - S. 151-155.
  14. ↑ 1 2 3 Filenko G. Ranskalaista musiikkia 1900-luvun alkupuoliskolla. - L . : Musiikki, 1983. - S. 23-24.
  15. ↑ 1 2 3 Filenko G. Ranskalaista musiikkia 1900-luvun alkupuoliskolla. - L . : Musiikki, 1983. - S. 33-37.

Linkit

  Siirry Wikidata-kohteeseen  Valokuva, video ja ääni
Temaattiset sivustot
Sanakirjat ja tietosanakirjat
Sukututkimus ja nekropolis