Postmoderni musiikki voidaan nähdä postmodernin aikakauden musiikkina tai postmodernismin esteettisiä ja filosofisia linjoja noudattavana musiikkina . Musiikkityylinä postmoderni sisältää taiteellisen postmodernin ominaispiirteet - se on taidetta modernismin jälkeen (ks . Modernismi musiikissa ). Sille on ominaista erilaisten musiikkityylien ja genrejen yhdistelmä. Myös itsensä kaivaminen ja ironia ovat ominaisia, halu poistaa rajat "korkean taiteen" ja kitssin välillä (D. Albright. Daniel Albright, 2004).
Mitä tulee musiikin asemaan postmodernissa ympäristössä, riippumatta tämän tai tuon musiikin tyylistä tai suunnasta, tälle asemalle on ominaista seuraavat piirteet: jos nykyajan musiikkia pidettiin ilmaisutavana, niin postmodernissa aikakauden musiikki on pikemminkin spektaakkeli, massakulutuksen tuote ja ryhmätunnistuksen indikaattori, esimerkiksi merkki, joka auttaa määrittämään kuulumisensa tiettyyn alakulttuuriin .
Modernismin aikakaudella musiikin luominen nähtiin ulkoisen maailman heijastuksena, aivan kuten valokuvaaja vangitsi tietyn todellisuuden. Kuitenkin magneettinauhan keksimisen myötä 1930-luvulla tuli mahdolliseksi pitää äänen tallentamista musiikillisen luovuuden lopputuotteena. 1950-luvulla musiikkia, myös populaarimusiikkia , esitettiin kiinteänä esityksenä, vaikka lopputulos saavutettiinkin miksaustekniikalla .
Tämän prosessin esikokous löytyy kymmenen vuotta aikaisemmin. 1940-luvun lopulta alkaen akateemiset säveltäjät, kuten Edgar Varèse , Pierre Schaeffer , Karlheinz Stockhausen ja John Cage loivat sävellyksiä, jotka olivat olemassa yksinomaan äänitallenteina käyttämällä monikanavaista tallennusta, editointia tai äänien tallennusnopeuden vaihtelua, mikä tarkoitti sellaisen musiikin luomista, joka voisi ei soiteta perinteisin keinoin, vaan se voi olla olemassa vain levynä.
Samanlainen tekniikka tuli myöhemmin elektroniseen musiikkiin . Monien esiintyjien taidokkaat moniraitaiset tallenteet ovat jääneet hyvin kaukana siitä, mitä muusikot voivat realistisesti esittää lavalla.
Modernismin aikakaudella populaarimusiikkia pidettiin toissijaisena "painottavampien" genrejen rinnalla. Postmoderniuden filosofia on kuitenkin kyseenalaistanut kulttuurin "korkeaan" ja "matalaan" jakamisen legitimiteetin ja hyväksyttävyyden.
Postmodernin musiikin kolmas kierros liittyy perusteelliseen muutokseen käsityksessä siitä, mitä musiikin pitäisi olla. Postmodernismin syntyessä vahvistettiin ajatus siitä, että musiikki on "sinänsä". Tyylillisistä viittauksista ja lainauksista on tullut paitsi tekninen väline, myös musiikin olennainen puoli, joka on kasvanut mahdollisuudesta tarpeeksi. Tämä osoittaa myös poikkeamisen modernista paradigmasta , jolloin intonaatiota, rytmiä ja motiiveja pidettiin musiikkitaiteen pääelementeinä; postmodernismi pitää mediavirtoja, teollisia esineitä ja yksittäisiä genrejä taiteen pääaiheina. Toisin sanoen postmodernismi supistaa taiteen roolin kuluttajayhteiskunnan ja sen tuotteiden kommentointiin, hylkäämällä modernin halun ymmärtää maailmankaikkeuden "todellisuus" sen perusmuodoissa.
Äänen tallennuksen ja edelleen miksauksen mahdollisuudet synnyttivät lukuisia ajatuksia erilaisten keinotekoisten äänien, äänien, ihmisäänien sisällyttämisestä musiikkiteoksiin. Yksittäiset keksijät, kuten Edgard Varèse , alkoivat kokeilla uusien elektronisten teknologioiden mahdollisuuksia, erityisesti syntetisaattoreita ja äänisilmukoita. John Cage käytti nauhoituksia, radiota ja live-esiintyjien äänitteitä käyttääkseen tallennettuja näytteitä monin eri tavoin, kuten esimerkiksi teoksissa "Imaginary Landscape" ja "Europera". Populaarimusiikin alalla näitä tekniikoita käyttivät laajalti Abbey Road , Pink Floyd ja dub-musiikkityylin edustajat, erityisesti Lee Perry . Digitaalisen tekniikan myötä , joka on helpottanut työskentelyä näytteiden kanssa, tällaiset tekniikat ovat yleistyneet hip-hopissa ja erityisesti Bastard popissa.
Olemassa olevan materiaalin käyttötekniikka heijastuu myös perinteiseen instrumentaalimusiikkiin. Lainauksia viittauksiksi jo olemassa oleviin teoksiin löytyi jopa 1900-luvun ensimmäisen puoliskon säveltäjiltä. Esimerkiksi Richard Strauss sinfonisissa runoissaan ja Charles Ives "äänipoluissaan" käyttivät lainauksia sata vuotta aiemmin kirjoitetuista teoksista. 1900-luvun jälkipuoliskolla tällaisia esimerkkejä tulee paljon enemmän. Esimerkiksi D. Šostakovitšin 15. sinfonia sisältää lainauksen G. Rossinin "William Tell" ja R. Wagnerin "Ring of the Nibelungen". Toinen hyvin tunnettu esimerkki musiikillisesta kollaasista on L. Berion sinfonian kolmas osa , joka lainaa Gustav Mahlerin ylösnousemussinfoniaa . Säveltäjä itse kuitenkin kieltäytyy termistä kollaasi väittäen, että linkit eivät ole satunnaisia, vaan symbolisia sävellyksen kokonaisuuden käsitteessä.
Olivier Messiaen viittaa erityiseen lainaustapaan - sellaisissa teoksissa kuin "Exotic Birds" ja " Catalogue of Birds " sinfoniaorkesterin avulla säveltäjä yrittää matkia lintujen laulua ja pyrkiä maksimaaliseen tarkkuuteen.
Tyypillinen ilmiö postmodernissa akateemisessa musiikissa on ollut säveltäjän roolin väheneminen sävellystyössä, mikä ei ilmene vain lainatun musiikkimateriaalin käytössä, vaan myös sattuman hyödyntämisessä säveltäjätekniikana. Aleatorisen musiikin syntymisen edellytyksenä oli Arnold Schoenbergin dodekafonia ja myöhemmin useiden säveltäjien, kuten P. Boulezin, K. Stockhausenin, käyttämä serialismin tekniikka. Itse asiassa jo sarjamusiikissa säveltäjän roolia "syrjäyttää" matemaattisten algoritmien rooli, joiden pohjalta luodaan sarjastisia sävellyksiä.
Myöhemmin nämä säveltäjät, erityisesti John Cage , hylkäävät säveltäjän täydellisen determinismin ja aloittavat aleatorisen suunnan, joka asettaa mahdollisuuden musiikillisen sävellyksen perustaksi. Useissa teoksissa J. Cage "irrottaa" itsensä kokonaan sävellysprosessista. Kuuluisassa kappaleessa 4′33″ pianisti ei tuota ääntä, ja sävellys itsessään sisältää tekijän mukaan vain ambient-kohinaa. Siten aleatorisessa musiikissa rajat esiintyjän ja yleisön tai muusikoiden ja ympäristön välillä hämärtyvät, mikä on postmoderni suuntaus.
Samaan aikaan akateeminen kiinnostus ei-eurooppalaisia perinteitä, esibarokkimusiikkia ja populaarimusiikkia kohtaan kasvaa. Tämä kaikkiin musiikillisiin perinteisiin kohdistuva huomio on tyypillinen postmoderni piirre; Jakoa "korkeaan" ja "matalaan" taiteeseen pidetään illusorisena. György Ligeti kiinnostui Pygmy-laulun rytmisistä rakenteista, jotka vaikuttivat myöhemmin kaikkiin hänen myöhempiin sävellyksiinsä. Olivier Messiaen opiskeli perusteellisesti intialaista ragaa ja keskiaikaista musiikkia, mikä heijastui hänen teoksissaan. Kiinassa syntynyt Tan Dun etsi työssään tapoja yhdistää kiinalaisia ja länsimaisia musiikillisia perinteitä. Steve Reich on opiskellut länsiafrikkalaista rumpusoittoa, indonesialaista gamelania ja heprealaista kantaa, ja häntä on joskus verrattu perotiiniin tai rock-musiikkiin .
Jos verrataan modernin ja postmodernin aikakauden säveltäjien asennetta "eksoottiseen", ei-eurooppalaiseen musiikkikulttuuriin, voidaan havaita huomattavasti erilainen lähestymistapa. Ero on tunkeutumissyvyydessä. Esimerkiksi W. A. Mozartin "Rondo alla Turca" on saattanut saada vaikutteita turkkilaisesta musiikista, mutta tämä vaikutus on hyvin pinnallista ja sopii puhtaaseen klassiseen muotoon. Postmodernismi jatkaa linjaa, joka modernismissa ilmentyi Bela Bartokin teoksessa , joka tutki systemaattisesti ja perusteellisesti "eksoottisen" musiikin perusperiaatteita. Tämän seurauksena "eksoottiset" periaatteet tunkeutuvat säveltäjän käsialaan niin hienovaraisesti, että on mahdotonta edes kuvitella tiettyjen elementtien alkuperää ennen kuin ne näkyvät selvästi.
1950-luvun lopulla - 1960-luvulla monet tyylit syntyivät postmodernismin tilanteesta.
Popmusiikissa, jazzissa , rhyth and bluesissa ja varhaisessa rock and rollissa innovaatiot johtuvat täysin uusien tallennustekniikoiden käyttöönotosta. Kolmiulotteista ääntä luomalla sen tuottajat eivät enää yritä jäljitellä konserttisalin akustista tilaa, vaan laulajan ääni kuuluu etualalla, kun taas muut äänet luovat "seinän" taustalle. 1960-luvun puolivälistä lähtien tästä tekniikasta on tullut standardi useimmissa kaupallisissa radioissa. Studiomiksaustekniikoiden, elektroniikan ja yliäänitettyjen ääniraitojen yhdistämisestä on tulossa olennainen osa rock-musiikkia. Popmusiikki välttelee sähkökitaroiden näkyvyyttä suosien syntetisaattoreita , akustisia soittimia ja rytmiosan yleensä pehmeämpää soundia.
1970-luvun alussa New Yorkin DJ:t avasivat uuden polun postmodernissa musiikissa. He yrittivät soittaa tanssilattialevyjä, hallita levyn toistonopeutta ja käyttää miksauspöytää kaiun ja muiden äänitehosteiden käyttämiseen . Samaan aikaan he puhuivat mikrofoniin musiikin yli, mikä loi alustan hip hopin syntymiselle .
Hip hopin lisäkehitys 1990-luvulla korostui levysoittimen aikana , jossa musiikki tehdään lähes kokonaan vinyylilevyjen miksauksesta. Tunnetuimpia levysoitin-DJ:itä ovat Q-Bert , Mixmaster Mike ja J-Rocc sekä Babu of The Beat Junkies . Tämä tapahtui jossain elektronisessa musiikissa - "breakbeat-hardcore" -genressä ja sitä seuraavissa (gr. The Prodigy jne.).
Termiä post-rock alettiin soveltaa bändeihin, jotka käyttivät rockmusiikkiin liittyviä instrumentteja sekä perinteiselle rockille epätyypillistä rytmiä, melodioita, sointia ja sointujen etenemistä. 1900-luvun viimeisinä vuosina kehittyi huomattava määrä post-rock-liikeryhmiä, erityisesti Mogwai , Tortoise , Explosions in the Sky ja muut. Heidän melodisesta, rikkaasta instrumentalismista ja vahvasta tunnerikkaudesta on tullut post-rockin tunnusmerkki.
Akateemisessa musiikissa minimalismia voidaan pitää yhtenä postmodernista ilmiöstä . Minimalismi oli osittain reaktio modernin akateemisen musiikin elitismiin ja eräänlaiseen tiukkuuteen ( Arnold Schoenbergistä ja Anton Webernistä Pierre Bouleziin ja John Cageen ). Varhaisia minimalisteja ovat muun muassa Schönbergin opiskelija La Monty Young , joka käytti varhaisissa minimalistisissa teoksissaan serialismin elementtejä , ja Terry Riley , jonka työskentely on saanut vaikutteita intialaisesta ja rockmusiikista.
Jotkut John Cagen kokeiluista (erityisesti " 4′33" , kokeelliset kappaleet, jotka perustuvat satunnaiseen äänifragmenttien valintaan, "Europera") ovat lähellä "taiteen ja ei-taiteen rajaa" [1] , perustuen leikkisä uudelleen ajattelu vakiintuneesta genrestä, muodollisista ja merkityksellisistä stereotypioista, joka on täynnä käytettyjen genren mahdollisuuksien pohdintaa [2] , joka koostuu valmiista musiikin katkelmista tai satunnaisesta musiikin ulkopuolisesta materiaalista (esim. radioasemien nykyinen ilma) ).
Postmodernistista kollaasimenetelmää ( pastisha ) käyttää laajalti Luciano Berio , jonka teoksista monet (esimerkiksi " Sinfonia ", " Ooppera ") ovat kollaaseja klassisista maailmanmusiikin teoksista (Monteverdistä Mahleriin) sekä heterogeenisia. tekstikatkelmia ( Beckett ja Levy -Straussista puhelinkeskusteluihin).
Postmoderni leikkiminen perinteisillä konserttimuodoilla toteutetaan Maurizio Kagelin ns. " instrumentaaliteatterissa " [ 3] , jossa muusikot voivat liikkua lavalla, vaihtaa vapaasti nuotteja ja suorittaa muita visuaaliseen havaintoon suunniteltuja toimintoja.
Beriota ja Kagelia lähellä oleva esimerkki venäläisestä musiikista on Alfred Schnittken Ensimmäinen sinfonia , jossa sävellyksen dramaturgiaan on kudottu alkuperäisellä ja humoristisella tavalla lainauksia klassisista ja populaarimusiikista, sekoitettuna toisiinsa muodostaen monimutkaisen musiikillisen symbioosin. , ja muusikot liikkuvat partituurin mukaan säännöllisesti lavalla (säveltäjä on kuitenkin useimmissa muissa teoksissa vielä kaukana postmodernismin estetiikasta ja on alttiimpi vakavalle eettiselle ja esteettiselle reflektiolle vakiintuneiden kulttuurisymbolien avulla).
"Kulttuurin lopun" postmoderni tilanne vaihtelee Vladimir Martynovin teoreettisissa rakenteissa ja musiikkiteoksissa . Sävellyksestä “ Opus posth ” ( 1984 ) alkaen Martynov leikkii tarkoituksella valmiilla tyylistereotypioilla korostaen kaikin mahdollisin tavoin tekijän estetiikan ja konserttiesitystyylin uupumusta. Joissakin 1970-luvun sävelluksissa (Album Leaf viululle, pianolle, kamariyhtyeelle ja rock-yhtyeelle, rock-ooppera Seraphic Visions of Francis of Assisi, Hymns-sykli solistille ja rock-yhtyeelle) Martynov yhdistää akateemisen ja ei-akateemisen musiikin muotoja; viime aikoina näitä kokeita on kehitetty yhteisissä projekteissa Leonid Fedorovin kanssa .
Minimalismi ja muut musiikillisen kielen yksinkertaistamisyritykset loivat pohjan kevyen ja akateemisen musiikin yhdistämiselle, joka katkesi modernismin kehityksen myötä . 1970 - luvulla avantgarde-rock- ja popmuusikot (kuten Suicide ja Throbbing Gristle ) kiinnostuivat elektronisista instrumenteista, itämaisten musiikin rytmien ja ei-perinteisten instrumenttien käytöstä, yksitoikkoisista (Drone) tai toistuvista musiikkilauseista, jotka muistuttavat tyylillisesti minimalismia ( kuten The Velvet Undergroundin , Tangerine Dreamin , Kraftwerkin ja myöhemmin Stereolabin musiikki ). Toisaalta myöhäinen minimalismi - postminimalismi - lähestyy monissa ilmenemismuodoissaan vakavasti ei-akateemista musiikkia. Minimalismin leviäminen nykymusiikkiin on synnyttänyt samanlaisia virtauksia elektronisessa musiikissa, kuten minimal house ja minimal techno .
Toinen elementti valon ja akateemisen musiikin lähentymisestä on Stockhausenin myöhempien teosten äänisilmukoiden ("cut-paste") menetelmä (joka käytti sekä "korkean" että "matalan" taiteen elementtejä. Menetelmä oli erittäin relevantti 1970-1990-luvun rockmuusikoille, esimerkiksi The Residentsille , joka löysi myöhemmin sovelluksen tekno- ja house-musiikissa, ja scratch (ääniraidan käsin vetäminen) lähelle sitä merkityksessä - hip-toivossa.
Postmoderni jazz on vaikuttanut myös nykyiseen pop- ja rockmusiikkiin. Kaksi kehitystekijää voidaan erottaa - nämä ovat Charlie Parkerin innovaatiot keskellä sodanjälkeistä ajanjaksoa ja Arnold Schoenbergin työ; totta, ei niinkään hänen dodekafoniaan , vaan pikemminkin hänen sarjaa edeltävää atonaalityyliään, jossa kaikki sävyorganisaation muodot hylättiin. Näiden kahden perinteen fuusio oli tekijä free jazzin kehityksessä 1950-luvulla , erityisesti Ornette Colemanin teoksessa , joka inspiroi uutta muusikkosukupolvea 1960- ja 1970-luvuilla, mukaan lukien sellaiset henkilöt kuin John Coltrane ja Albert Ayler . ja Sun Ra . Free jazz on vaikuttanut merkittävästi moniin rockmuusikoihin: The Stooges ja Lou Reed ovat heidän joukossaan . Nämä artistit puolestaan vaikuttivat 1970- ja 1980 -luvun punkmuusikoiden sukupolviin (kuten The Lounge Lizards ja The Pop Group ).
Yksi selkeimmistä esimerkeistä jazzpostmodernista muusikosta on saksofonisti John Zorn . Godardin ja Spillanen näytelmistä Naked Cityyn Zornin musiikki tunnetaan radikaaleista tyyliharppauksista. Kriitikot eivät voi sovittaa hänen töitään mihinkään musiikilliseen suuntaan, ja Zorn itse sanoi, että modernien tyylien käsite on enemmän kaupallinen.