Muotokuvan historia on muotokuvagenren kehityksen kehitys antiikista nykypäivään. Ensimmäiset näytteet muotokuvasta ovat veistoksellisia ja kuuluvat muinaiseen Egyptiin. Tätä seurasi muotokuvan kukoistus antiikin aikana, genren taantuminen keskiajalla, uudet löydöt, nousu ja siirtyminen maalaustelinemaalauksen tekniikkaan renessanssin ajalla ja sitten jatkokehitys seuraavina vuosisatoina.
Muotokuvagenren kehitykseen vaikuttaa kaksi suuntausta:
Luonnon jäljentäminen muotokuvassa on ollut muotokuvagenren pääperiaate vuosisatojen ajan. Mutta eri aikoina "samankaltaisuuden" käsitteestä oli erilaisia tulkintoja. Luonnon jäljittelemisessä ja sen muuntamisessa taiteelliseksi kuvaksi joka kerta oli omat ominaispiirteensä, jotka riippuivat aikakauden yleisistä ideologisista ja esteettisistä edellytyksistä sekä erityisestä luomiskäytännöstä - luomismenetelmästä, tyylistä ja keinoista. taiteellinen ilmaisu [6] .
Veistoksellisessa muotokuvassa realistisen muotokuvan kehitys tapahtui kahdella tavalla:
Veistoksellinen muotokuva tuntoelämyksensä jäljittelemiskykynsä ansiosta oli kehityksensä alkuvaiheessa evoluution nopeudeltaan kuvallista muotokuvaa edellä, mikä vaikutti jossain määrin sen tyyliin. Maalarin tehtävä on aina ollut vaikeampi, koska tilavuuden välittämiseksi tasossa hänen täytyi hallita piirustus, chiaroscuro ja väri täysin.
Muotokuvagenren kehitykselle ovat ominaisia seuraavat periaatteet: ensinnäkin demokratisoituminen. Jos muotokuvien järjestys jäi aluksi vain aristokratian etuoikeudeksi, ajan myötä genre kattoi koko yhteiskunnallisen kirjon. Toinen periaate on koon muutos, joka johtuu muotokuvan integroinnista sisätiloihin. Aluksi muotokuvia tehtiin pieniksi ja säilytettiin laatikoissa (huonekaluissa), sitten niiden rooli ja koko kasvoivat, ja niistä tuli täysimittainen osa sisustusta [7] .
Vanhin tunnettu yritys kuvata ihmisen kasvoja on 27 000 vuotta vanha. Villonairen luolasta lähellä Angoulemen kaupunkia (Charenten departementti) seinän luonnollisista pullistumista löydettiin liitu "muotokuva", joka muistutti muodoltaan kasvoja. Piirretyt vaakasuorat viivat silmiin ja suun sekä pystysuora raita, joka ilmaisee nenän [8] .
Ensimmäiset merkittävät esimerkit muotokuvasta löytyvät muinaisesta itämaisesta, pääasiassa muinaisesta egyptiläisestä veistoksesta . (Edellisen ajanjakson kasvojen säilyneet kuvat - Mesopotamian taide , ovat persoonattomia jumaluuksien kuvia eivätkä sisällä yksilöllisiä piirteitä).
Muotokuvan tarkoitus Egyptin taiteessa johtuu kultti-, uskonnollisista ja maagisista tehtävistä. Tarvittiin mallin "kopiointia" (eli muotokuva oli kuolleen kaksoiskappale kuolemanjälkeisessä elämässä). Siksi mallin todelliset yksittäiset piirteet projisoitiin kanonisen kuvan tyyppiin (jotain muuttumattomana ruumiillistaen). Mitä enemmän muotokuva näytti mallilta, sitä varmemmin yhteys kivikuvan ja vainajan välillä oli: hänen elämänvoimansa (" Ka ") ja sielunsa (" Ba ") jättivät ihmisen kuollessaan, mutta Ka voisi löytää tiensä takaisin kehoon, jota varten se oli tarpeen pitää mahdollisimman kokonaisena ja samanlaisena - näin syntyi muumioimisen ja muotokuvauksen periaate.
Kuuluisia muotokuvia vanhan valtakunnan ajalta : patsaat avioparista Rahotep ja Nofret , aatelinen Ti, Khafre ( Kairon museo ), kirjuri Hemon ( Louvre ), Ranofer. Näytteitä puisesta muotokuvaveistosta on säilytetty - niin sanottu "Kylänpäällikkö" ( Kaaperin patsas - Sheikh el Beleda, Kairo). Yksi varhaisimmista kuninkaallisista patsaista on farao Khasekhem ( II-dynastia ). Veistossa tietyntyyppisille sommittelutyypeille vahvistetaan tiukat kanonit - kävelevän hahmon tyyppi jalka eteenpäin (aina vasemmalla), polvistuvan hahmon tyyppiä, hahmoa kyykkyssä tai valtaistuimella kädet symmetrisesti polvillaan. . Patsaat maalattiin (joissakin monumenteissa maalit säilytettiin). Puolijalokiveistä valmistetuissa patsaissa käytettiin silmien upotusta [9] . Vanhan kuningaskunnan muotokuvaveistos on edelleen täydessä kosketuksessa arkkitehtuuriin ja noudattaa geometrisoituja periaatteita. Kaikille Vanhan kuningaskunnan muotokuville on ominaista kasvojen muodon yleinen mallinnus, alaspäin laajeneva nenä ja korostetut suuret huulet. 5. dynastian aikakaudella faaraon valta heikkenee vähitellen ja muotokuvia maa-aatelista ja yksityishenkilöistä alkaa ilmestyä. Vartalon mittasuhteet pidentyvät, siluetin kaunis linja kasvaa.
Poikkeaminen kanonisista muotokuvista tapahtui faarao-uudistajan Ehnatonin hallituskauden aikana. Tämä aika erottuu erityisestä Amarna-taiteesta realismillaan, toisinaan muuttuen naturalismiin ja samalla symbolismiin. Kuvat faaraosta ja hänen perheestään ovat edelleen suurempia, mutta niitä ei enää välttämättä idealisoida [10] . Hovikuvanveistäjä Bek jätti muistiinpanon, jonka mukaan Akhenaten pyysi taiteilijoita kuvaamaan kaiken mahdollisimman realistisesti [11] . Hallitsija ei näy valloittajana tai metsästäjänä, vaan isänä, aviomiehenä. Häntä kuvataan usein tyttärensä kanssa polvillaan hellästi halamassa vaimoaan Nefertitiä , perhekohtaukset ja Atonin palvonnan ja palvonnan kohtaukset eivät ole harvinaisia [12] . Silmiinpistävin esimerkki Amarna-ajan taiteesta on Nefertitin rintakuva , joka yleensä liitetään kuninkaalliseen kuvanveistäjään nimeltä Thutmose Nuorempi , jonka työpajan raunioista Ludwig Borchardt löysi rintakuvan vuonna 1912.
Muinaisilla kreikkalaisilla ei pitkään aikaan ollut muotokuvaa sanan varsinaisessa merkityksessä. Heillä oli tapana palkita urheilupelien voittajat pystyttämällä patsaitaan julkisille paikoille, mutta nämä olivat ihanteellisia urheilijoiden hahmoja, jotka kuvasivat heitä vain yleisellä tasolla, idealisoivat ja teloitettiin ihanteellisen kauneuskaanonin mukaan . Helleenien tasavallat jopa kielsivät julkisuuden henkilöitä ja yksityishenkilöitä tilaamasta realistisia muotokuviaan, koska he uskoivat, että ne voisivat kehittää kansalaisissa turhamaisuutta ja olivat ristiriidassa heidän välisen tasa-arvon periaatteen kanssa. Klassikoiden aikakaudella luotiin yleistettyjä, idealisoituja veistoksellisia muotokuvia runoilijoista, filosofeista ja julkisuuden henkilöistä.
Vasta 500-luvulla eKr. e. ensimmäistä kertaa todellisia muotokuvahermoja ja patsaita ilmestyi kreikkalaisten keskuudessa, nimittäin Perikleen aikana eläneen Demetriuksen Alopekilaisen teosten joukossa .
Realistinen suunta vakiintui lopulta muotokuvaveistossa hellenistisessä taiteessa - Aleksanteri Suuren johdolla , kiitos Lysippoksen ja hänen veljensä Lysistratuksen , joka muovaili ensimmäisenä naamioita luonnosta. "Hellenistiset muotokuvat säilyttävät kreikkalaisille taiteilijoille ominaisen tyypistyksen periaatteen, mutta ne välittävät verrattomasti yksilöllisemmin paitsi ulkonäön piirteitä, myös mallin tunnekokemuksen erilaisia sävyjä. Jos klassisen ajan mestarit korostivat saman yhteiskuntaryhmän edustajien muotokuvissa ennen kaikkea yhteisyyden piirteitä (näin syntyivät strategien, filosofien, runoilijoiden muotokuvatyypit), niin hellenistiset mestarit, samanlaiset tapaukset, säilyttäen kuvan tyypilliset perustat, paljastavat tämän henkilön ominaispiirteet" [13] . 500-luvun lopusta eKr e. antiikin kreikkalainen muotokuva on tulossa yhä yksilöllisemmäksi ja lopulta painottuu kohti kuvan dramatisointia.
"Hellenistisen aikakauden individualismi ilmenee toisaalta vahvan egoistisen persoonallisuuden itsensä vahvistamisena, joka pyrkii kaikin keinoin kohottamaan itsensä sosiaalisen kollektiivin yläpuolelle ja alistamaan sen tahtolleen. Toinen hellenistisen individualismin muoto liittyy ihmisen tietoisuuteen impotenssistaan olemisen lakeja kohtaan. Se ilmenee kieltäytymisessä taistella, uppoamisessa sisäiseen maailmaan. Molemmat muodot heijastuvat hellenistisessä muotokuvassa, jossa voidaan erottaa kaksi päälinjaa: hellenististen hallitsijoiden muotokuva, jossa taiteilijan tehtävänä on ylistää miestä, jolla on vahva tahto ja tarmo, joka armottomasti pyyhkäisee pois kaikki esteet. polulla saavuttaakseen egoistisen tavoitteensa, ja muotokuvaajattelijat ja runoilijat, joiden kuvat heijastivat tietoisuutta todellisuuden ristiriitaisuuksista ja voimattomuudesta voittaa niitä. [13]
Lähteet kertovat kuvallisen muotokuvan olemassaolosta Kreikassa, erityisesti Apellesta ylistetään , mutta tältä ajalta ei ole säilynyt mitään.
Kreikasta muotokuvataide siirtyi roomalaisille, jotka lisäsivät entisiin muovisten muotokuvien sukuihin (patsas ja herma ) uudenlaisen - rintakuvan . Monet kreikkalaiset käsityöläiset työskentelivät Roomassa kuitenkin jo roomalaisen asiakkaan toiveiden mukaisesti.
Muinaisen roomalaisen muotokuvan kehitys liittyi lisääntyneeseen kiinnostukseen tiettyä henkilöä kohtaan (toisin kuin antiikin Kreikan taidetta kohtaan yleensä ), kuvattujen piirin laajentumiseen. Muinaisen roomalaisen muotokuvan taiteellisen rakenteen perustana on mallin ainutlaatuisten piirteiden selkeä ja tunnollinen välittäminen säilyttäen samalla yksilön ja tyypillisen yhtenäisyyden. Toisin kuin antiikin kreikkalainen muotokuva, jolla on taipumus idealisoida (kreikkalaiset uskoivat, että hyvän ihmisen on oltava kaunis - kalokagatia ), roomalainen veistoksellinen muotokuva osoittautui mahdollisimman naturalistiseksi ja sitä pidetään edelleen yhtenä genren realistisimmista esimerkeistä. taiteen historiassa. Muinaisilla roomalaisilla oli sellainen usko itseensä, että he pitivät henkilöä kunnioituksen arvoisena siinä muodossa kuin hän on, ilman koristelua ja idealisointia, piilottamatta ikääntymisen merkkejä ja fyysisiä vikoja (katso esimerkiksi keisari Vitelliuksen muotokuva ).
Yksi tällaisen realismin juurista oli tekniikka: roomalainen muotokuva kehittyi kuolinnaamioista , jotka otettiin kuolleilta ja säilytettiin kotialttarilla (lararium) sekä laari- ja penaattihahmot [14] . Ne tehtiin vahasta ja niitä kutsuttiin kuvitelmiksi . Suvun jäsenen kuollessa hautajaiskulkueessa kannettiin esi-isien naamioita korostamaan aristokraattisen suvun antiikkia. (Tämä oli jäännös esi-isien kultista ) [15] . Larariumissa säilytettiin vahanaamioiden lisäksi esi-isiensä pronssia, marmoria ja terrakottaa. Valetut naamarit valmistettiin suoraan vainajan kasvoista ja käsiteltiin sitten, jotta ne olisivat luonnollisempia. Tämä johti siihen, että roomalaiset mestarit tiesivät erinomaisesti ihmisen kasvojen lihasten piirteet ja sen ilmeet, mikä johti erinomaisiin tuloksiin jopa tavallisessa poseerauksessa. Roomalaiset ottivat tällaisen hautauskultin juuret etruskeilta , joiden muotokuva oli myös erittäin kehittynyt [16] .
Tasavallan aikana tuli tapana pystyttää (jo täyspitkiä) patsaita poliittisille virkamiehille tai sotilaskomentajille julkisille paikoille. Tällainen kunnia myönnettiin senaatin päätöksellä, yleensä voittojen, voittojen ja poliittisten saavutusten muistoksi. Tällaisten muotokuvien mukana oli yleensä ansioista kertova omistuskirjoitus ( cursus honorum ). Henkilön rikoksen yhteydessä hänen kuvat tuhottiin ( damnatio memoriae ). Imperiumin syntyessä keisarin ja hänen perheensä muotokuvasta tuli yksi tehokkaimmista propagandan keinoista.
Muotokuvien rintakuvien ja patsaiden ohella yleistyivät muotokuvat kolikoilla, kameoilla jne., osittain kuvalliset muotokuvat . Kolikkotaide oli niin kehittynyt, että nykyajan tutkijat tunnistavat merkitsemättömät marmoripäät kolikoiden profiileista (joiden mukana on kirjoituksia). Varhaisia esimerkkejä maalaustelinemuotokuvista ovat Fayumin muotokuvat (Hellenistisen Egyptin alue, I-IV vuosisatoja jKr.), jotka toimivat hautausnaamareina . Suurelta osin liittyy muinaisen itämaisen muotokuvan perinteisiin ja uskonnollisiin ja maagisiin ideoihin, mutta samalla ne luotiin muinaisen taiteen vaikutuksen alaisena, suoraan luonnosta, niillä oli selvä samankaltaisuus tiettyyn henkilöön, ja myöhemmissä näytteissä - erityinen henkisyys.
Bysantin ja Länsi-Rooman valtakunnat eivät peri realistista roomalaista muotokuvaa. Näiden aikakausien mestarit kuvaavat mallejaan yleistetyllä ja henkisellä tavalla, lisäksi tapahtuu merkittävää teknisen taidon taantumista, jonka vuoksi eri keisarien muotokuvat ovat käytännössä erottamattomia, ja marmoririntakuvan tunnistaminen on lähes mahdotonta ( valmistettu myös kaanonin mukaan) kolikoiden yhtenäisistä profiileista.
Seuraavalla vuosituhannella Eurooppa ei tarjoa laadukkaita muotokuvanäytteitä. Genren täydellinen rappeutuminen. Keskiaikainen kulttuuri keskittyi taisteluun spiritualististen ja spontaanien materialististen suuntausten välillä, mikä jätti erityisen jäljen muotokuvan kehitykseen. Keskiaikainen taiteilija, jota rajoittavat tiukat kirkon kaanonit, kääntyi harvoin muotokuvan puoleen. Hänen ymmärryksensä henkilökohtainen alku hajosi uskonnolliseen katolisuuteen. Keskiajalla realistinen, naturalistinen muotokuva on hyvin harvinaista. Kuvatun hahmon yksinkertaistetut ja standardoidut piirteet mahdollistavat sen, että hänet voidaan tunnistaa vain tiettyyn sosiaaliseen rooliin.
Keskiaikainen muotokuva on useimmissa esimerkeissään persoonaton. Samaan aikaan joillakin goottilaisilla veistoksilla sekä bysanttilaisten, venäläisten ja muiden kirkkojen freskoilla ja mosaiikeilla on hengellinen ominaisuus, selkeä fysiognominen varmuus: taiteilijat antavat pyhille vähitellen todellisten ihmisten kasvonpiirteet. Omakuvia löytyy kirjanoppineiden miniatyyreistä, kuten Hildegard of Bingenin teoksista .
Muotokuva alkaa palata enemmän tai vähemmän taiteeseen 10.-1100-luvuilta, pysyen kuitenkin alisteisissa rooleissa. Se on osa kirkon arkkitehtonista ja taiteellista kokonaisuutta, jota on säilytetty hautakiveissä, kolikoissa ja kirjojen miniatyyreissä (etenkin asiakkaiden muotokuvissa, joille kirjoja tarjottiin. Sen mallit ovat pääosin aatelisia henkilöitä - hallitsijoita ja heidän perheenjäseniään, seurakuntaa, lahjoittajia "Pitkä tie realistiseen muotokuviin alkaa kuvista suojelijasta", kirjoittavat tutkijat. [17] Yksi ensimmäisistä tällaisista teoksista on Giotto Enrico Scrovegnin muotokuva Padovan Scrovegni-kappelin seinillä , 1304-1306.
Pikkuhiljaa muotokuva alkaa tunkeutua maalaustelinemaalaukseen. Yksi ensimmäisistä esimerkeistä tämän ajanjakson maalaustelinemuotokuvasta on "Johannes Hyvän muotokuva" (n. 1349 ). Vuosina 1360-1380 ranskalainen Valois'n hovi antoi ratkaisevan sysäyksen muotokuvan kehitykselle; varhaiset esimerkit eurooppalaisesta muotokuvasta kuuluvat tähän ajanjaksoon [18] .
Keskiajalla puuttuvat myös antiikin aikana tunnetut kuvat hallitsijoista kolikoilla. Kolikon kuvan synty Länsi-Euroopassa liittyy Sigismondo Malatestan Brescian kaupunkia varten vasta vuonna 1420 lyömään kolikkoon . Tämä oli alku poikkeamiselle keskiaikaisesta perinteestä toistaa hallitsijan symbolinen kuva lyönnin yhteydessä ja sen seurauksena siirtyminen tietyn henkilön kuvaan [17] .
Euroopan ulkopuolellaIdän alueilla (joilla ei ollut pimeää keskiaikaa ) tilanne muotokuvagenren kanssa tuolloin oli suotuisampi. (Kiinalainen muotokuva on todennäköisesti peräisin vuodelta 1000 eKr., vaikka säilyneet monumentit ovat peräisin vain 1000 jKr.). Keskiaikaiset kiinalaiset muotokuvat erottuvat suuresta konkreettisuudesta (etenkin Song-kaudelta , 10.-1300-luvuilta). Huolimatta tiukasta typologisesta kaanonista, keskiaikaiset kiinalaiset mestarit loivat monia kirkkaasti yksilöllisiä maallisia muotokuvia, jotka paljastivat usein malleissa älyllisyyden piirteitä. Jotkut keskiaikaisten japanilaisten maalareiden ja kuvanveistäjien muotokuvat ovat psykologisesti teräviä (esimerkiksi " Minamoto no Yoritomon muotokuva "). Korkeita esimerkkejä muotokuvien miniatyyreistä loivat mestarit Keski-Aasiasta, Azerbaidžanista, Afganistanista ( Kemaleddin Behzad ), Iranista ( Reza Abbasi ), Intiasta ( Mir Hashim ).
Mochica -intiaanien perulainen kulttuuri (I-VIII vuosisata) oli yksi harvoista uuden maailman muinaisista sivilisaatioista, joissa muotokuvia oli olemassa. Nämä teokset edustavat tarkasti ihmisen anatomisia piirteitä. Mallit oli kuvattu niin tunnistettavasti, että attribuutteja tai nimikirjoituksia ei tarvittu. Tunnistamme helposti eliitin jäsenet, papit, soturit ja jopa käsityöläiset. Siellä on eri-ikäisiä ihmisiä. Naismuotokuvia ei ole vielä löydetty. Erityisesti korostetaan päähineiden, kampausten ja vartalokoristeiden yksityiskohtien esittämistä.
Muotokuvan käännekohta, joka jälleen nousi esiin, tuli renessanssissa . Se liittyi aikakauden ideologian muutokseen. Renessanssin ihminen oli täynnä humanistista realismia, eli hän löysästi uskonnon kahleet ja uskoi yksilön voimaan, alkoi pitää itseään kaiken mittarina - ja siksi hän nousi taiteessa etualalle.
Italiassa muotokuvan herättivät henkiin ensisijaisesti kuvanveistäjät - Desiderio da Settignano , Mino da Fiesole , Antonio Rossellino , Luca della Robbia , Donatello jne. He saavuttivat nopeasti loistavia tuloksia halussaan toistaa ihmiskasvoja todellisuuden mukaisesti, ehdottomasti ilmaista hahmoja. ja noudata aatelistyyliä. Ensimmäiset muotokuvat perustuivat muinaisiin kolikoihin ja mitaleihin, ja siksi malli näkyy usein profiilissa . Kesti jonkin verran aikaa ja henkistä ponnistelua poseeraavan henkilön "paljastamiseen" koko kasvot ja kolme neljäsosaa (maalattuaan heidät samalla tavalla kuin ennen Kristusta ja pyhiä pyhissä maalauksissa). T. n. Poistuminen profiilista etupuolelle on kompositiollinen oire eurooppalaisen muotokuvagenren muodostumisesta varhaisrenessanssin aikana [19] . Toinen tärkeä tekijä muotokuvien kehityksessä oli öljymaalaustekniikan nousu , jonka ansiosta kirjoittaminen muuttui hienovaraisemmaksi ja psykologiseksi.
Uusi ideologia vaati muotokuvalle uutta rakennetta. Renessanssin muotokuvamaalarit idealisoivat mallia suurelta osin, mutta samalla he yrittivät varmasti ymmärtää sen olemuksen. ”Kuvaamalla sankariaan tietyssä maallisessa ympäristössä, taiteilija asetti mallin vapaasti avaruuteen. Ja malli ei esiintynyt yhä useammin ehdollista, surrealistista taustaa vasten, kuten se oli keskiajan taiteessa, vaan yhtenäisyydessä realistisesti tulkitun sisustuksen tai maiseman kanssa, usein suorassa elävässä yhteydessä fiktiiviseen (mytologiseen ja evankeliumiin) hahmoja. Monumentaalisissa maalauksissa, muiden hahmojen ohella, taiteilija kuvaa usein myös itseään" [20] .
Renessanssin muotokuvan erityispiirteet hahmottuivat osittain jo XIV-luvun muotokuvassa ( Giotto , Simone Martini ) ja vakiintuivat 1500-luvulla. ( Masaccio , Domenico Veneziano , Domenico Ghirlandaio , Sandro Botticelli , Piero della Francesca , Pinturicchio , Mantegna , Antonello da Messina jne.).
1400-luvun jälkipuoliskolla "muotokuvaus" freskoissa oli hyvin yleistä. Tällä hetkellä eristetty muotokuva alkaa kehittyä erityisen intensiivisesti. Kuvanveistäjät luovat yksilöllisen muotokuvan aikaisemmin kuin maalarit, mikä johtuu roomalaisen antiikkimuotokuvan vaikutuksesta. Italiassa koko 1400-luvun rintakuvan muotokuvan muoto yhdistetään yleensä antiikkimitalien vaikutukseen. Myös Pisanellon kuva- ja medaljonkimuotokuvilla oli poikkeuksellisen tärkeä rooli muotokuvan kehityksessä 1400-luvulla. Mutta genren kehitystä republikaanisessa Firenzessä hillitsi asenne yksilön kaikkiin yrityksiin erottua siviilikollektiivista. Ja Pohjois-Italian ruhtinaskuntien hoviympäristössä muotokuvataide kehittyi esteettömästi. Ferrara oli keskus, josta "Pisanellian" perinne tuli Pohjois-Italian maalaukseen.
Profiilimuotokuvat säilyttävät sommittelumuistinsa kuulumisesta johonkin jo olemassa olevaan kokonaisuuteen. Figuurin profiiliasento saa aikaan vaikutelman epäsymmetrisyydestä, sommitelman siirtymisestä. Jokainen Quattrocenton profiilimuotokuva suunniteltiin osaksi sivuhahmoa, joka sijaitsee olemattoman pääkuvan oikealla tai vasemmalla puolella. Tämä selvästi havaittava näkymättömän keskuksen läsnäolo, johon kaikki nämä profiilikuvat on käännetty, joka näyttää ilmestyvän, kuulostaa niissä kuin keskiaikaisen katolisuuden kaiku.
Sävellyksellisen riippumattomuuden puute, Quattrocenton profiilikuvan pirstoutuminen näkyy myös siinä, että se vaatii jatkuvasti ikään kuin lisäyksiä. Tästä syystä parimuotokuvien leviäminen. Harvat niistä ovat säilyneet, mutta on todennäköistä, että monet yksittäisistä muotokuvista olivat alun perin diptyykkejä, jotka ovat myöhemmin hajallaan. Monissa tapauksissa voidaan puhua monimutkaisemmista kokonaisuuksista, jotka sisälsivät muotokuvien lisäksi myös symbolisia tai heraldisia kuvia.
Renessanssin antroposentrismi tulee erityisen kirkkaasti esiin korkearenessanssin mestareiden muotokuvatöissä. Leonardo da Vinci , Raphael , Giorgione , Titian , Tintoretto syventävät edelleen muotokuvien sisältöä, antavat niille älyn voimaa, henkilökohtaisen vapauden tunnetta ja henkistä harmoniaa, päivittävät merkittävästi taiteellisen ilmaisun keinoja (Leonardo dan ilmanäkökulma Vinci, Tizianin koloristiset löydöt). Maailman kuuluisin muotokuva - da Vincin " Mona Lisa " on maalattu tänä aikana. Tämän ajan tunnetuin miesmuotokuva oli Rafaelin muotokuva Baldassare Castiglionesta (merkityksensä mukaan se riippui Louvressa Mona Lisaa vastapäätä).
Italian renessanssimaalarien saavutuksia edelsi pohjoisen renessanssin edustajien , erityisesti varhaisen hollantilaisen maalaustaiteen mestareiden , kuten Jan van Eyckin ja Hans Memlingin , Robert Campinin menestys . ”Heidän teoksilleen on ominaista suurempi hengellinen ominaisuuksien terävyys ja kuvan subjektiivinen tarkkuus, jolla on tietty tyylillinen yhteistä italialaisen muotokuvan kanssa. Jos italialaiset usein ikään kuin nostavat sankarinsa maailman yläpuolelle, niin tässä kuvattava henkilö esitetään usein kiinteänä osana universumia, joka on orgaanisesti mukana sen äärettömän monimutkaisessa järjestelmässä” [20] – tätä varten sekä Yksityiskohtainen resepti ympäröivästä aineellisesta ympäristöstä ja kasvojen pienimmätkin rypyt käytettiin.
Tämän ajanjakson saksalaisista maalareista erityisen kuuluisia ovat muotokuvamaalaajat A. Dürer ja Hans Holbein Jr. Vähemmän tunnettuja ovat ranskalaiset mestarit ( Jean Fouquet , François Clouet , Corneille de Lyon ).
Manneristinen muotokuvaManerismin taiteessa (XVI vuosisata) muotokuva menettää renessanssin kuvien selkeyden. Se paljastaa piirteitä, jotka heijastavat dramaattisesti häiritsevää käsitystä aikakauden ristiriitaisuuksista. Muotokuvan sommittelurakenne on muuttumassa. Nyt siinä on korostunut terävyys ja henkisen ilmaisun rikkaus. Tämä on ominaista eriasteisesti italialaisten Pontormon ja Bronzinon sekä espanjalaisen El Grecon muotokuville .
Tänä aikana eri maissa syntyy uusia muotokuvia ryhmäkuvista. Keskiajan hieraattisesti jäätyneet muotokuvaryhmät korvataan monihahmoisilla sommitteluilla, jotka ovat täynnä eloisaa ja aktiivista hahmojen välistä suhdetta. Ensimmäisiä merkittäviä esimerkkejä maalaustelinemaalauksen ryhmä- ja parimuotokuvista ollaan luomassa. Myös historiallisen muotokuvan tyyppi kehittyy eri muodoissa.
1600-luvulla muotokuvagenren korkeimmat saavutukset loivat hollantilaisen maalaustaiteen perilliset. Siihen mennessä se oli jaettu kahteen itsenäiseen haaraan - Flanderin ja Hollannin kouluihin. Näiden koulujen taiteilijoille muotokuva tuli yhä tärkeämmäksi ja tekniikka parani merkittävästi.
Tänä aikana Euroopan maiden elämässä tapahtui perustavanlaatuisia muutoksia - sosiaalisia, ideologisia ja tieteellisiä. Ne vaikuttivat uusien muotokuvamuotojen muodostumiseen, joka on nyt täynnä muuttunutta maailmankuvaa. Se rikkoi antroposentrismin, joka oli luontaista renessanssille. Persoonallisuus koki kriisin, näkemys todellisuudesta ei ollut enää harmoninen, ihmisen sisäinen maailma monimutkaisi. Syntyi monimutkaisempia yhteyksiä ulkomaailmaan, mutta samalla syntyi halu syvempään itsetuntemukseen. Siksi muotokuvassa tapahtuu etsintä: tekijät etsivät parempaa sopivuutta mallin todelliseen ulkonäköön yrittäen paljastaa hänen luonteensa monin tavoin. Muotokuvassa on tapahtunut syvää demokratisoitumista, mikä on erityisen havaittavissa Hollannissa. Muotokuvissa esiintyy ihmisiä, jotka edustavat yhteiskunnan monimuotoisimpia sosiaalisia kerroksia, kansallisia ja ikäryhmiä. Tänä aikana muotokuvan avainasemat siirtyvät maalaustelinemaalauksen genreen.
Porvariston vahvistumisen myötä muotokuvien asiakkaiden määrä kasvaa. Hollannissa ryhmäkuvasta on tulossa poikkeuksellisen suosittu. Taiteilijat alkavat myös luoda ihmisistä muotokuvia ( Diego Velazquez , Hals ). Taiteilijoiden lisääntynyt halu itsensä toteuttamiseen, luovan persoonallisuuden vahvistaminen edistää omakuvamuotojen kehittymistä ( Rembrandt , hänen oppilaansa Karel Fabricius , Anthony van Dyck , Nicolas Poussin ). Kuten ennenkin, aristokraattinen muotokuva ei menetä jalansijaa: Rubens, Velasquez, van Dyck luovat sekä muodollisia muotokuvia että läpitunkevan lyyrisiä, intiimejä asioita. Maalaustekniikka on erittäin korkealla tasolla, ilmentävien keinojen kehitystä tapahtuu: ”vakuuttava valo-ilma-ympäristön välitys valo-varjo-kontrastien kautta, uudet kirjoitustavat tiheillä lyhyillä, joskus erillisillä vedoilla, jotka antaa kuvalle tähän asti tuntematonta elinvoimaa, todella konkreettista liikkuvuutta” [20] .
Monien tämän ajanjakson muotokuvien sommittelun perusta on liike, kun taas mallin ilmeikkäälle eleelle annetaan valtava rooli. Ryhmämuotokuvien sankarien juonen yhteys aktivoituu, sen taipumus kasvaa ryhmämuotokuvaksi näkyy selvästi (esim. Rembrandtin yövartio).
1600-luvun suurimpien muotokuvamaalaajien merkitys ulottuu paljon aikakauden ulkopuolelle. Suurimmat muotokuvamaalaajat flaamilaisten joukossa olivat Peter Paul Rubens ja Anthony van Dyck sekä hollantilaisten - Rembrandt, Franz Hals. Aikakauden espanjalaista taidemaalari Diego Velasquezia pidetään yhtenä genren historian suurimmista muotokuvamaalareista. Muiden maiden muotokuvamaalajista voidaan mainita Vittore Gislandi (Italia), Francisco Zurbaran (Espanja), Samuel Cooper (Englanti), Philippe de Champagne , Mathieu Le Nain (Ranska).
Samaan aikaan muotokuvagenren kehityksessä on nousemassa myös negatiivisia suuntauksia: monissa seremoniallisissa muotokuvissa realistisuus murtaa barokkimuotojen konventioita jo vaikeasti . Useissa muotokuvissa on jo suora ideaalisointi korkea-arvoisesta asiakkaasta ( Pierre Mignard , Antoine Coisevox , Peter Lely ).
Akateemisen maalauksen taittamisen myötä ns. genrejen hierarkia, jossa taidelajit jaettiin ehdollisesti "korkeaksi" ja "matalaksi", ja muotokuva alettiin liittää "matalaisiin" genreihin (toisin kuin "korkeat" mytologiset ja historialliset genret). Tilanne jatkui siihen asti, kunnes impressionistit voittivat Ranskan Akatemian 1800-luvun lopussa.
1600-luvun lopulla kaikenlaiseen maalaukseen juurtuneet tavat ja konventiot estivät muotokuvaa pitämästä kiinni saavuttamansa korkeudessa. Genre degradoitui ja jäi taka-alalle sekä maalauksessa että kuvanveistossa. Realistisen muotokuvan saavutukset unohdetaan. Asiakas, sekä aristokraatti että porvaristo, vaatii taiteilijalta ehdotonta imartelua. Teoksissa näkyy sokerista sentimentaalisuutta, kylmää teatraalisuutta, ehdollista edustavuutta.
Ranskalainen kulttuuri määrittää tällä hetkellä muotokuvan kehityksen sävyn kaikissa taiteen muodoissa. Ludvigin hovissa kukoistanut hoviaristokraattinen muotokuva tulee vallitsevaksi. Euroopalle siellä luodusta virallisesta taiteesta tulee referenssi - seremoniallisia, väärin idealisoivia, mytologisoituja muotokuvia, joissa mallin koristeellinen eleganssi on pääosassa. Samaan aikaan laitteet putoavat, "nukkekasvot" ilmestyvät.
Kuten 1700-luvun venäläisen muotokuvan tutkijat kirjoittavat, "yksilöllisyyden luonnollinen alistuminen käsityön ja yrityksen yhtenäisyyteen tämän menetelmän puitteissa on tietty tae onnistumiselle muotokuvan luomisessa tämän kulttuurin alikehittyneen olosuhteissa. genre” [21] .
Tämän ajanjakson maalarit: Hyacinthe Rigaud , Jean Nattier , Francois Hubert Drouet , jo mainittu Pierre Mignard , Larzhiliere . "1700-luvun 30-50-luvun hovimuotokuvan taide, joka vastaa aristokratian makuun, asetti itselleen tehtävän luoda ulkoisesti elegantti, koristeellinen ja aistillinen kuva rokokootyylisestä mallista . Taiteilijat pehmensivät ja koristelivat kasvonpiirteitä, he arvostivat suuresti wc-tilojen eleganssin, verhojen ja asusteiden hienostuneen loiston ja hienosti laskettujen koristetehosteiden siirtämistä. Nattier keksi "mytologisen" muotokuvan: hän kuvasi hovinaisia nymfien, Dianan, Venuksen ja muiden muinaisten jumalattarien muodossa välittäen äärimmäisen etäisesti samankaltaisuuden ja imartelemalla häpeämättömästi mallejaan . Vuosisadan puolivälissä Raphael Mengin jäädytetyt teokset olivat erittäin suosittuja eurooppalaisissa hovissa .
Kuitenkin lähempänä 1700-luvun viimeistä kolmannesta tilanne alkoi parantua. Uusi realistinen muotokuva syntyy ja saa valtaansa, ja se liittyy suurelta osin valistuksen humanistisiin ihanteisiin. Nämä ovat taidemaalari Maurice Latourin analyyttisiä kuvia (esimerkiksi "Abbé Hubertin muotokuva"), Aveden , Lyotardin , kuvanveistäjien J. A. Houdonin ja J. B. Pigallen maalauksia, Antoine Watteaun myöhäisiä teoksia , yksinkertainen ja vilpitön "genre" muotokuvia Chardinista , pastellit B. Perronno , muotokuvia Fragonardista ; Isossa-Britanniassa - W. Hogarthin akuutit sosiaaliset teokset . Mutta toistaiseksi ne eivät ole vielä herättäneet pääasiakkaan huomiota. Pastellitekniikka kehittyy , sopii tunnelmien ja kasvojen välittämiseen, mutta ei ihanteellinen mahtipontisen sisustuksen kuvaamiseen. Italialainen muotokuvakoulu säilytti korkean laadun koko 1700-luvun, mutta muutamaa poikkeusta lukuun ottamatta ( Rosalba Carriera ) ei ollut laajaa mainetta.
1700-luvun lopulla englantilaisten muotokuvamaalarien koulu vahvisti itsensä ja tuotti sellaisia ensimmäisen linjan mestareita kuin Joshua Reynolds , George Romney , Thomas Lawrence ja Thomas Gainsborough . Espanjassa Goya alkaa työskennellä muotokuvagenressä , ja jopa Venäjän valtakunta julistaa lopulta olevansa maailman taiteessa ensiluokkaisina maalareina - nämä ovat Levitsky ja Borovikovsky . Heidän teoksissaan sosiaalisten ominaisuuksien tarkkuus, psykologisen analyysin hienovaraisuus, sisäisen maailman paljastaminen ja tunteiden rikkaus nousevat jälleen esille.
1700-luvun jälkipuoliskolla halvemmilla keinoilla (kaiverrus, akvarelli, lyijykynä) tehty muotokuva yleistyi. Lisäksi tätä ajanjaksoa leimasi muotokuva- miniatyyrin kukoistaminen, muotokuvalajin itsenäinen haara.
Tämä tilanne, jossa yksityismuotokuva muistona säilyi 1850 -luvulle asti, jolloin valokuvaus oli lähes kaikkien yhteiskunnan segmenttien ulottuvilla .
Lotman kirjoittaa: ”1700-luvun maalausta. hyväksyi kaksi stereotyyppiä muotokuvasta. Yksi niistä, joka perustuu kehitettyyn genrerituaaliin, erotti tilan, juhlallisesti korkean olemuksen henkilössä. Tällainen muotokuva vaati koko tilausten, riveiden ja univormujen rituaalin huolellista noudattamista. Ne ikään kuin symboloivat kuvatun henkilön valtiotoimintoa, ja juuri tämä toiminto ilmensi persoonallisuuden päätarkoitusta. Jos juhlallisessa muotokuvassa kuvatulla henkilöllä on jokin ulkonäkövirhe, taiteilija pyrkii piilottamaan sen, samalla kun palkintojen ja vaatteiden merkkejä korostetaan kaikin mahdollisin tavoin. Muotokuvan edelleen kehittäminen johtaa toisaalta huomion lisääntymiseen psykologisiin ominaisuuksiin, esimerkiksi Borovikovskyssa , ja toisaalta siihen, että kotitalous- ja kodintarvikkeet korvaavat viralliset paraatit. Ilman Rousseaun vaikutusta puutarhan ja puiston ympäristön yksityiskohdat putosivat muotokuvaan. Yleisen taipumuksen mukaan heijastaa muotokuvassa ei eksistentiaalista normia, ei kulttuuriarvojen hierarkiaa, vaan suoraa elämästä siepattua erillistä hetkeä, myös lasten ja aikuisten suhde kankaalla muuttuu. Jos aiemmin ne jaettiin hierarkkisen arvoasteikon mukaan, niin nyt taiteilija mieluummin yhdistää ne yhdeksi genre-sävellykseen korostaen tietoisesti pelin eloisaa epäjärjestystä ja valitsemansa hetken vähäistä satunnaisuutta. [3]
Muotokuvan kehitystä 1800-luvulla määräsi Ranskan vallankumous , joka auttoi ratkaisemaan uusia tehtäviä tässä genressä. Taiteessa vallitsee uusi tyyli - klassismi , ja siksi muotokuva menettää 1700-luvun teosten loiston ja sokerisuuden ja muuttuu tiukemmiksi ja kylmemmiksi. XVIII-XIX vaihteessa työskennelleistä muotokuvamaalareista merkittävin on Jacques Louis David . Muut, vähemmän kuuluisat mestarit: Francois Gerard , Paul Delaroche (Ranska).
Romantiikan aikakauden alkaminen vaikutti terävän realismin tunkeutumiseen muotokuvaan. Sillä on kriittinen linja. Espanjalaista Goyaa pidetään tämän ajanjakson erinomaisena mestarina , joka loi ryhmän "Kaarle IV:n perheen muotokuva" - teoksen, joka tilattiin seremoniallisena muotokuvana ja heijastelee sen seurauksena hallitsevan dynastian rumuutta. Hän luo myös intohimoisia ja tunteita herättäviä muotokuvia ja omakuvia.
Romanttiset taipumukset kehittyvät ensimmäisellä puoliskolla. XIX vuosisadan teoksissa Gericault ja Delacroix , kuvanveistäjä Francois Rude (Ranska), Orest Kiprensky ja Karl Bryullov , osittain Tropinin (Venäjä), Philip Otto Runge (Saksa).
Klassiset muotokuvaperinteet, jotka ovat olemassa romanttisten rinnalla, kehittyvät ja täyttyvät uudella sisällöllä. Tämän ajanjakson mestareista Ingres on erityisen kuuluisa .
Ranskalaisen Honore Daumierin nimi liittyy ensimmäisten merkittävien esimerkkien syntymiseen satiirisesta muotokuvasta grafiikassa ja kuvanveistossa. Samaan aikaan vuosisadan puoliväliin mennessä muotoutui uusi seremoniallisen tilausmuotokuvan standardi (esim. Winterhalter ).
2. kerros 1800-lukuAlkaen ser. 1800-luvun realismin muotokuva ilmestyy . Hänelle on ominaista kiinnostus mallin sosiaalisiin ominaisuuksiin, yritys paljastaa sen etiikka, arvokkuus ja tunkeutua psykologiaan.
Maantieteellinen alue laajenee, joukko kansallisia muotokuvakouluja on syntymässä, lukuisia tyylisuuntauksia, joita edustavat erilaiset luovat henkilöt: Gustave Courbet (Ranska); Adolf von Menzel , Wilhelm Leibl (Saksa); Alfred Stevens (Belgia); Erik Werenshöll (Norja); Jan Matejko (Puola); Mihai Munkacsy (Unkari); Quido Manes (Tšekki); Thomas Aikins (USA), Venäjällä - Wanderers .
Valokuvan syntymän myötä valokuvamainen muotokuva syntyy ja kehittyy muotokuvan voimakkaan vaikutuksen alaisena , mikä puolestaan stimuloi etsimään uusia figuratiivisen rakenteen muotoja, sekä kuvallisia että veistoksisia ja graafisia muotokuvia, jotka eivät ole valokuvataiteen ulottuvilla.
1800-luvun viimeisellä kolmanneksella syntynyt impressionismi johti muotokuvan ideologisen ja taiteellisen käsityksen uudistamiseen. Impressionistien ja heille läheisten taiteilijoiden ( Édouard Manet , Auguste Renoir , Edgar Degas , Auguste Rodin ) löydöt perustuivat valokuvausmuotokuvalle jätetyn maksimitodennäköisyyden hylkäämiseen keskittyen ihmisen ulkonäön ja hänen ulkonäkönsä vaihteluun. käyttäytyminen muuttuvassa ympäristössä.
Impressionismin piirteet ovat eriasteisia ruotsalaisen Anders Zornin , saksalaisen Max Liebermanin , amerikkalaisten J. M. Whistlerin ja J. S. Sargentin sekä venäläisen taiteilijan Konstantin Korovinin työn muotokuvissa .
Impressionistisen muotokuvan tavoitteet ja kuvat olivat täysin vastoin heidän aikalaisensa - Paul Cezannen - työtä , joka yritti ilmaista monumentaalisella kuvalla joitain mallin vakaita ominaisuuksia. Samaan aikaan loi Vincent van Gogh , jonka muotokuvat heijastelevat toista näkökohtaa - nykyajan ihmisen moraalisen ja henkisen elämän polttavia ongelmia.
1800-1900-luvun lopulla jugendtyyli nousee esiin , mikä antaa muotokuvalle lakonista terävyyttä ja toisinaan malliin groteskista ominaisuutta ( Toulouse-Lautrec , Edvard Munch , Alphonse Mucha ). Vuosisadan lopun salongin etumuotokuvan mestareita ovat Giovanni Boldini , Philip de Laszlo - heidän työlleen on ominaista siveltimen keveys ja tietty pinnallisuus.
1900-luvulla muotokuva, kuten kaikki figuratiiviset taiteet, on taantumassa. Genre paljastaa monimutkaisia suuntauksia taiteen kehityksessä sekä yleisen kriisin ihmisen persoonallisuuden ymmärtämisessä. Modernismin pohjalta syntyy teoksia, joita pidetään nimellisesti muotokuvana, mutta joilla ei ole sen erityisyyttä. Ne poikkeavat painokkaasti mallin todellisesta ulkonäöstä, pelkistävät sen kuvan ehdolliseen, abstraktiin malliin. ”Valokuvaus on saanut dokumentoinnin, säilyttämisen, kuvan saamisen eri tarpeisiin, taiteellisesta muotokuvasta on tullut puhtaasti taiteellisen tehtävän aihe. Modiglianin ja Picasson aikakaudella taiteilijan näkemys hahmosta, tämän näkemyksen omaperäisyys ja ainutlaatuisuus oli erittäin tärkeä, kun taas valokuvaus mahdollisti leviävän kuvan ja kunnioitti myös dokumenttia ja aitoutta." [22] .
Samaan aikaan uusien realististen keinojen etsiminen muotokuvassa jatkuu. Realistisia perinteitä jatkavat Käthe Kollwitzin (Saksa) grafiikassa, William Orpenin (Irlanti), O. Johnin maalauksessa, Bourdellen , Aristide Maillolin , Charles Despion veistoksessa .
1900-luvun suurimpien Länsi-Euroopan mestareiden ( Picasso , Matisse , André Derain , Georges Rouault , Modigliani Ranskassa, Georges Gros , Otto Dix , Ernst Barlach Saksassa, Oskar Kokoschka Itävallassa) muotokuvatöissä ideologisesti ja taiteellisesti ristiriitaisia. taipumukset esiintyvät rinnakkain, joskus törmäävät toisiinsa. Hyviä esimerkkejä Art Deco -estetiikasta ovat Tamara Lempickan työ . 1920- ja 1930-luvun amerikkalaisen realistikoulun edustajia olivat Robert Henry ja George Bellows . Esimerkki tämän ajan ryhmäkuvasta on Max Ernstin maalaus Kaikki ystävät yhdessä.
1900-luvun puoliväliin mennessä muotokuvan kehitys muuttuu monimutkaisemmaksi, ja sille on ominaista entistä enemmän kriisipiirteitä. Ihmisen ulkonäön tahallinen tuhoaminen ja muodonmuutos on käymässä yhä selvemmäksi.
Jotkut mestarit yrittävät pitää realistisen muotokuvan riman: Renato Guttuso (Italia), Hans Erni (Sveitsi), Diego Rivera ja Siqueiros (Meksiko), Andrew Wyeth (USA), Maeda, Saison (Japani), kuvanveistäjät Xavier Dunikovsky ( Puola), Väinö Aaltonen (Suomi), Giacomo Manzu (Italia), Joe Davidson ja Jacob Epstein Yhdysvalloissa). Kiinnostus muotokuviin kuitenkin yleensä hiipui 1940- ja 1950-luvuilla lisääntyneen kiinnostuksen seurauksena abstraktia ja ei-figuratiivista taidetta kohtaan.
1960- ja 1970-luvuilla muotokuva elpyi jonkin verran. Englantilaiset mestarit, kuten Lucian Freud ja Francis Bacon , loivat voimakkaita teoksia. Lisäksi monet nykytaiteilijat, kuten Andy Warhol , Alex Katz ja Chuck Close , ovat tehneet ihmiskasvoista työnsä pääpainopisteen. Warholin Marilyn Monroesta on tullut ikoni. Pop-taide on siis yksi harvoista 1900-luvun taiteen liikkeistä, joka käyttää ihmisen kasvoja ilman suhteellista vääristymistä. Close on erikoistunut valokuviin perustuviin, seinästä seinään ulottuviin hyperrealistisiin muotokuviin. Jamie Wyeth jatkaa isänsä Andrew'n realistista perinnettä luoden kuuluisia muotokuvia kaikista presidenteistä sioihin.
Samaan aikaan muotokuvan genre saavuttaa huippunsa ja houkuttelee valtavan määrän genren mestareita. Erityisesti realistisen muotokuvan kapealla sijalla ovat nyt aikakauslehtien, kuten Time tai Esquire , kannet, jotka on koristeltu kuuluisien aikalaisten kuvilla.
Marat Gelman kirjoittaa: ”Myöhäisen postmodernismin kontekstissa katsojan asenne muotokuvaan, kuva on muuttunut paljon klassiseen aikakauteen verrattuna. Kaikki kuvat nykyään voidaan jakaa ehdollisesti useisiin kategorioihin: ne ovat informatiivisia (poliittinen ja sosiaalinen konteksti), mainonta, kultti (subkulttuurinen), taiteellinen ja yksityinen ... katsoja, vastaanottaja näkee minkä tahansa kuvan nyt simulaakrina, merkkinä tuote, valta, politiikka, muoti, popkulttuurit ja niin edelleen. Siksi katsojan havainto on nyt ehdollinen, kontekstuaalisesti ja myyttisesti... muotokuva genrekategoriana on enemmän kuollut kuin elävä. Mutta jos otamme huomioon kaikki nykyiset käytännöt nykyään ja jos muotokuvagenren eläviä ilmentymiä on olemassa, niin tämä on pikemminkin kuoleman jälkeistä elämää” [22] .
Ulkomaista taidetta:
Venäläinen taide:
| Muotokuvan historia | |||
|---|---|---|---|
| muinainen egyptiläinen muotokuva Roomalainen veistoksellinen muotokuva Keskiaikainen muotokuva Proto-renessanssi muotokuva Italian renessanssin muotokuva barokki muotokuva venäläinen muotokuva | |||