Viisas, Robert

Kokeneet kirjoittajat eivät ole vielä tarkistaneet sivun nykyistä versiota, ja se voi poiketa merkittävästi 10. huhtikuuta 2022 tarkistetusta versiosta . tarkastukset vaativat 8 muokkausta .

Robert Wise
Robert Wise

Nimi syntyessään	Englanti Robert Earl Wise
Syntymäaika	10. syyskuuta 1914( 10.9.1914 ) [1] [2] [3] […]
Syntymäpaikka	Winchester , Indiana , Yhdysvallat
Kuolinpäivämäärä	14. syyskuuta 2005( 14.9.2005 ) [2] [4] [3] […] (91-vuotias)
Kuoleman paikka	Los Angeles , Kalifornia , Yhdysvallat
Kansalaisuus	USA
Ammatti	elokuvaohjaaja , elokuvatuottaja
Ura	1942-2003
Palkinnot	Directors Guild of America -palkinto AFI Career Achievement Award [d] ( 1998 ) Tähti Hollywood Walk of Famella Irving Thalberg -palkinto ( 1967 )
IMDb	ID 0936404
Mediatiedostot Wikimedia Commonsissa

Robert Earl Wise ( Eng. Robert Earl Wise , 10. syyskuuta 1914 [1] [2] [3] […] , Winchester , Indiana - 14. syyskuuta 2005 [2] [4] [3] […] , Los Angeles , Kalifornia ) on yhdysvaltalainen elokuvaohjaaja, -tuottaja ja -leikkaaja. Pitkän elokuvauransa aikana, vuosina 1933–2000, Wise voitti neljä Oscaria elokuvista West Side Story (1961) ja The Sound of Music (1965), ja jokainen näistä elokuvista toi hänelle kaksi palkintoa - parhaana ohjaajana ja tuottajana . parhaaksi kuvaksi . Lisäksi Wise sai kolme Oscar-ehdokkuutta: elokuvasta " Citizen Kane " (1941) hänet oli ehdolla parhaaksi elokuvaleikkaajaksi, elokuvasta " I Want to Live!" "(1958) - parhaana ohjaajana ja elokuvassa " Gunboat " (1966) - parhaana elokuvan tuottajana.

Wisen muista elokuvista merkittävimmät ovat "The Body Snatcher " (1945), " Born to Kill " (1947), " Setup " (1949), " The Day the Earth Stood Still " (1951), " Administrative Power " . (1961), " Soone Up There Loves Me " (1956), " Go Quiet, Go Deep " (1958), " Bets on Tomorrow " (1959), " The Haunting of Hill House " (1963), " The Andromeda Strain " " (1963) ja Star Trek: The Movie (1979).

Työssään Wise erottui huolellisesta valmistelusta, tiukasta kurinalaisuudesta, organisoinnista ja halusta saavuttaa paras tulos vahvistetussa budjetissa. Wisen työskentelyn piirre oli monimuotoisuus, jossa hän saavutti menestystä, hänen parhaiden elokuviensa joukossa ovat kauhuelokuvat, noir-elokuvat, westernit, sotilasnauhat, sci-fi-elokuvat, musikaalit ja melodraamat. Jotkut hänen maalauksistaan käsittelevät akuutteja sosiopoliittisia kysymyksiä, mukaan lukien sodan ja siirtomaavastaisen suuntauksen aiheita, koskettavat aiheita rotusuhteista, pakolaisongelmista, katurikollisuudesta, naisten asemasta yhteiskunnassa sekä asenteista. kohti kuolemanrangaistusta.

Wise oli Directors Guild of America : n puheenjohtaja vuosina 1971-1975 ja Academy of Motion Picture Arts and Sciences : n presidentti 1985-1988 .

Varhainen elämä

Robert Earl Wise syntyi 10. syyskuuta 1914 Winchesterissä , Indianassa , teurastajan pojana [5] [6] [7] [8] [9] . Jonkin aikaa myöhemmin perhe muutti Connersvilleen , Indianaan , missä Wise kävi lukion. Hänen suosikkiharrastuksensa tänä aikana oli elokuvateatteri, hän kävi elokuvissa kolme tai neljä kertaa viikossa [10] [7] . Hän piti erityisen paljon seikkailuelokuvista, joihin osallistui Douglas Fairbanks Sr. [6] . Lisäksi Wise piti journalismista. Lukiossa hän kirjoitti humoristisen ja urheilupalstan koulun sanomalehteen, ja oli myös koulun vuosikirjan toimituskunnan jäsen ja runokerhon jäsen [11] [6] [7] .

Lopetettuaan koulun vuonna 1931 Wise meni yliopistoon, joka sijaitsee Franklinin kaupungissa lähellä Indianapolista , missä hän aloitti journalismin opiskelun [7] [6] [12] . Vuonna 1933 alkaneen suuren laman vuoksi Wise joutui kuitenkin jättämään yliopiston ja lähtemään etsimään työtä [5] [7] [8] [6] . Samana vuonna hänen vanhempi veljensä David, joka oli muutama vuosi aiemmin työskennellyt Hollywoodissa RKO Picturesin kirjanpitoosastolla , löysi Wiselle työpaikan kuriirina [5] [6] [7] [13] [8] [9] .

Elokuvauran alku RKO Picturesissa 1933-1942

Vuonna 1933 Wise työskenteli RKO Picturesissa kuriirina äänen editointiosastolla 25 dollarin palkalla viikossa, missä hän "alkoi kuljettaa elokuvia katselu- ja leikkausstudioiden välillä" [6] [7] . Wise aikoi hallita uuden ammattinsa täydellisesti, ja hän alkoi tutkia huolellisesti äänitehosteita ja musiikin editointia [14] [5] [7] [6] [8] . Vuosina 1934-1935 hän osallistui äänileikkaajana (rekisteröimätön) draaman " The Burden of Human Passions " (1934) työhön Bette Davisin nimiroolissa sekä John Fordin " Informant " -elokuvan poliittiseen draamaan. (1935). Työskennellessään musikaaleissa " Merry Divorce " ( 1934 ) ja " Cylinder " ( 1935 ) Fred Astairen ja Ginger Rogersin kanssa Wise tapasi studion päätoimittajan William " Billy " Hamiltonin ja aloitti pian vakavasti elokuvaeditoinnin hänen valvonnassaan . [15] . Kokeiluna vuonna 1935 Hamilton teki yhteistyössä Wisen kanssa 10 minuutin elokuvan Matka Fidžin maan läpi, joka koostui kokonaan keskeneräisen elokuvan materiaalista. Studion johto arvosti tätä työtä suuresti [14 ] .

Wisen ensimmäinen elokuva Hamiltonin johdolla oli Winter's Threshold (1936), rikosmelodraama, joka perustuu Maxwell Andersonin Broadway-näytelmään . Sen jälkeen Wise osallistui Hamiltonin (rekisteröimätön) opiskelijana elokuvien editointiin, kuten komedia Stage Door (1937) Katharine Hepburnin ja Ginger Rogersin kanssa, romanttinen komedia Rogersin kanssa Having a Wonderful Time (1938), musikaalit Astaire ja Rogers " Carefree " (1938) ja " The Story of Vernon and Irene Castle " (1939) [14] [7] . Wise mainittiin ensimmäisen kerran toimittajana Hamiltonin rinnalla William Dieterlen historiallisessa draamassa The Hunchback of Notre Dame (1939) ja Rogersin romanttisessa komediassa The Girl from Fifth Avenue (1939) [16] [7] . Ja Wisen ensimmäinen itsenäinen työ toimittajana oli romanttiset komediat " Single Mother " (1939) Rogersin ja David Nivenin kanssa, " My Favourite Wife " (1940), johon osallistuivat Cary Grant ja Irene Dunn , musikaali " Dance, Girl, Dance " (1940) Maureen O'Haran kanssa ja William Dieterlen poliittinen fantasiadraama The Devil and Daniel Webster (1941) [17] [7] .

Vuonna 1940 nuori mutta jo kuuluisa Orson Welles saapui Hollywoodiin ohjaamaan ensimmäisen elokuvansa Citizen Kane (1941). RKO Pictures -studioon hänelle annettiin iäkäs toimittaja, joka ei ymmärtänyt Wellsin vallankumouksellisia ideoita, ja ohjaaja pyysi hänen tilalleen Wiseä, josta "muutamassa vuodessa tuli yksi studion johtavista toimittajista" [8] [14 ] ] [5] . Vuonna 2001 antamassaan haastattelussa Wise muisteli: "Minulle soitti joku studiosta ja kysyi, haluaisinko editoida Wellsin elokuvan, joka oli jo tunnettu työstään Mercury-teatterissa ja radio-ohjelmassa " Word of the Worlds ". '. Tapasimme ja muistan tehneeni hirveän vaikutuksen” [7] . Wisen mukaan he pitivät välittömästi toisistaan [18] . Kuten elokuvatutkija Ronald Bergan huomauttaa, "Wise oli vain vuoden vanhempi kuin Wells, joten se oli ehdoton välttämättömyys debyyttiohjaajalle, ja hänen editoimisensa vaikuttivat merkittävästi elokuvan taiteelliseen menestykseen." Berganin mukaan elokuvan erityisen vahva hetki oli uutissarja "News on the March", jossa matkittiin erilaisia vanhoja arkistomateriaalia. Vahvistaakseen antiikin vaikutusta Wise raapui tarkoituksella elokuvaa raaputtamalla sitä leikkausstudion sementtilattian poikki. "Wisen rohkea editointi näkyi myös kuuluisassa jaksossa, joka välittää Kanen avioliittoa kolmen aamiaiskohtauksen peräkkäisen esityksen kautta, jotka tapahtuivat usean vuoden välein parin kasvaessa kauemmaksi toisistaan" [8] . Citizen Kane ansaitsi Wiselle Oscar-ehdokkuuden parhaaksi elokuvaleikkaajaksi , mutta hän väitti, että elokuva oli helppo koota Gregg Tolandin loistavan kuvaustekniikan ansiosta : työ, kuvakulmat ja upeat kohtaukset uusien näyttelijöiden kanssa. näyttö - se kaikki oli jotain erityistä" [5] [6] . Wise myönsi oppineensa paljon Wellsiltä ja Tolandilta hyödyntäen kokemusta omissa elokuvissaan, kun hänestä tuli ohjaaja [19] .

Vuotta myöhemmin Wise työskenteli toimittajana Wellsin seuraavassa elokuvassa The Magnificent Ambersons (1942) [8] . Kuten The New York Timesissa todettiin , Wells ja Wise olivat valitettavasti ristiriidassa elokuvan viimeisten vaiheiden kanssa . [5] Wells jätti Wiselle 37-sivuisen ohjeet kuvan lopulliseen sekoittamiseen, kun hän lähti Brasiliaan työskentelemään uudessa projektissaan, It's All True [8] . Tässä vaiheessa elokuva oli jo huomattavasti ylittänyt budjettinsa ja tuotantoaikataulunsa ja oli myös liian pitkä [8] [5] . Ensimmäisissä suljetuissa näytöksissä Pomonassa , Kaliforniassa, yleisö alkoi poistua istunnosta ja jätti enimmäkseen negatiivisia arvosteluja [8] . Kuten Wise myöhemmin sanoi, esikatselu "oli täydellinen katastrofi. Yleisöä lähti joukoittain... Elokuva oli myös siihen aikaan hirveän pitkä, yli kaksi tuntia. Wise huomautti myös, että " elokuvassa kehitetyt synkät hulluuden ja insestiteemat " "olivat vastenmielisiä sodan aikaisille yleisöille" [6] . Kuten The New York Times kirjoitti: " Toinen maailmansota oli alkanut , ja amerikkalaiset halusivat eskapistisia elokuvia, eivät tarinoita kuolemasta ja kuolemasta ja vanhan piian seksuaalisesta turhautumisesta . "

Esikatselun jälkeen studiopomot käskivät Wisen leikkaamaan ja leikkaamaan kuvan uudelleen [8] . Wise lähetti sähkeen Wellsille Brasiliaan: "Maalaus näyttää painavan ihmisiä." Wells vastasi, että hän tekisi uuden leikkauksen, jos Wise tulee Rioon kopion kanssa . RKO :n johto määräsi kuitenkin Wisen "leikkaamaan ja leikkaamaan elokuvan Wellsin ohjeiden vastaisesti" [5] [6] . Wise toteutti editoinnin sen mukaan, kuten hän sanoi, "studion todellisuuden mukaan" [6] . Hän ja pian tuleva ohjaaja- assistentti Mark Robson työskentelivät ympäri vuorokauden leikatakseen, korvatakseen ja järjestääkseen uudelleen kohtauksen toisensa jälkeen epätoivoisesti, Wisen sanoin, "pitää yleisön teattereissa" [5] [8] . Lopulta, kirjoittaa Bergan, elokuva leikattiin 132 minuutista 88:aan ja kohtauksia järjestettiin uudelleen tai korvattiin "tarinasta tiiviimmän, nopeamman ja selkeämmän tekemiseksi" [8] . Lisäksi Wise tilattiin työskennellessään kuvaamaan joitain lisäkohtauksia elokuvaan [20] . Wells hylkäsi Wisen editoinnit sanoen, että elokuva oli "silvottu", "studion puutarhuri silvoi" [5] [6] ja syytti Wiseä ja muita hänen työnsä "petollisesta häpäisystä" . Wise myönsi, että "taideteoksena" Wellsin alkuperäinen leikkaus oli parempi, mutta hän puolusti editointiaan sanomalla, että hän "pelasti elokuvan vielä pahemmalta kohtalolta studiolta" [5] [6] . Kuten Bergan kirjoittaa: "Valitettavasti lukuisille Orson Wellesin faneille Wise on ikuisesti mies, joka leikkaushuoneessa vähätteli ja melkein tuhosi elokuvan mestarin selän takana . " Wise sanoi myöhemmin: "Koska Ambersoneista on tullut jonkinlainen klassikko, mielestäni on nyt selvää, ettemme silvoneet Orsonin elokuvaa." Berganin mukaan "vain alkuperäisen version nähneet voivat arvioida, olisiko se ollut vieläkin upeampi ilman Wisen editointia" [8] . Wisen editointia ihaili erityisesti Martin Scorsese , joka vuonna 1998 oli tärkeä osa Wisen vuoden 1998 AFI Lifetime Achievement Award -palkintoa. Kuten Scorsese sanoi, "Wisen elokuvista tuli minulle yhä kiinnostavampia leikkaustyylin ansiosta, erittäin elävä, selkeä leikkaustyyli, joka kertoo katsojalle, mistä tietyssä kohtauksessa katsoa" [5] .

Wellesin irtisanomisen jälkeen studiosta Wise jatkoi elokuvien editointia, mukaan lukien musiikkikomedia Seitsemän päivän loma (1942) Lucille Ballin kanssa , sotadraama The Bombardier (1943) Pat O'Brienin kanssa ja spy noir Fallen Sparrow . (1943) John Grafieldin kanssa [21] .

Ohjausura RKO Picturesissa 1944-1949

Wise aloitti työskentelyn ohjaajana ylistetyn psykologisen kauhumestarin Val Lewtonin alaisuudessa , joka oli pienibudjetinen elokuvatuottaja RKO Picturesissa [7] . Vuonna 1944 Wise oli Günther von Fritschin ohjaama The Curse of the Cat People (1944) -elokuvaleikkaaja . Lewton, joka oli tyytymätön von Fritschin työhön, joka oli paljon jäljessä kuvausaikataulusta ja ylitti budjetin, erotti ohjaajan. Hänen tilalleen nimitetty Wise suoritti viipymättä suurimman osan kuvauksista ja sai elokuvan valmiiksi hänelle varatuissa kymmenessä päivässä [7] [22] [6] [5] [8] .

Vaikka elokuvaa pidettiin muodollisesti jatkona studion menestyneelle psykologiselle kauhusarjalle Cat People (1942), se oli itse asiassa itsenäinen elokuva, jossa vain muutama hahmo liittyi edelliseen. Elokuva seuraa mielikuvituksellista kuusivuotiasta Amy Reidiä ( Anne Carter ), joka ystävystyy aaveen kanssa, joka esiintyy Irena, ensimmäisessä elokuvassa kuollut kissanainen. Isä ( Kent Smith ) yrittää eri tavoilla palauttaa tytön fantasiamaailmasta todelliseen maailmaan, mutta tämä johtaa siihen, että hän pakenee metsään, ja vain haamujen väliintulo pelastaa hänet [23] . Kuten elokuvakriitikko Bosley Krauser kirjoitti The New York Timesissa , " RKO :n tuottajat lisäsivät elokuvaan joitain kauhuelementtejä ja yrittivät esittää sen Cat Peoplen jatko-osana. Todellisuudessa elokuva kuitenkin poikkeaa huomattavasti perinteisistä kauhuelokuvista ja esittelee itsensä omituisena ja koskettavana tutkimusmatkana lapsen herkän mielen toimintaan. Kriitikon mukaan "on sääli, että kaupalliset näkökohdat pakottivat tuomaan tähän elokuvaan kauhua, jonka parhaat hetket olivat ne, kun tuottajat yrittävät välittää lapsen mielentilaa" [24] . Nykyelokuvahistorioitsija Hal Erickson, joka kutsui elokuvaa "vangitsevaksi ja loputtoman hurmaavaksi fantasiaksi, joka kerrotaan lapsen silmin", päätteli, että "elokuva on kiehtova välähdys lasten fantasian ihmeelliseen, rajattomaan maailmaan, ja se on valtava menestys" [ 25] . Nykyaikaiset arvioijat huomauttavat, että "elokuva sai hyvän vastaanoton yhtenä parhaista Val Lewtonin tuottamista psykologisista trillereistä ja on nyt "kulttiklassikko"" ja Wise ylennettiin ohjaajaksi suurelta osin tämän elokuvan ansiosta .[5] [7] [26] Kuten Goering kirjoitti, "tämän elokuvan avulla Wise saavutti suuren murtonsa, sillä hänet pidettiin ensimmäistä kertaa ohjaajana" [27] .

Toinen Lewtonin ja Wisen yhteistyö oli Mademoiselle Fifi (1944), historiallinen sotadraama, joka perustuu Guy de Maupassantin novelleihin "Mademoiselle Fifi" ja "Pumpkin", joka "tutki ihmispersoonallisuuden pimeitä puolia poliittisessa kontekstissa. " [28] . Maalaus sijoittuu Ranskan ja Preussin välisen sodan aikana vuonna 1870 . Matkalla Rouenista eri luokkien ranskalainen postivaunu pysähtyy pienessä Preussin armeijan hallitsemassa kylässä . Preussilainen luutnantti, lempinimeltään Fifi ( Kurt Kreuger ), pakottaa postivaunussa seuraavien ranskalaisten aatelisten ja porvarien suostumuksella ja jopa yllytyksellä kauniin pesulan ( Simon Simon ) menemään asuntoonsa etsimään rakkauden mukavuutta. Kun Fifi jonkin ajan kuluttua alkaa julkisesti loukata ja nöyryyttää Ranskaa, isänmaallinen pesinnainen murtuu ja tappaa hänet veitsellä [29] . Kuten elokuvahistorioitsija Roger Fristow kirjoitti: "Lewton ja Wise tekivät elokuvan erittäin tiukalla budjetilla, luoden maksimaalisen tunnelman pienin kustannuksin... Elokuvassa on huomattavia yhtäläisyyksiä natsien valtaukseen Ranskassa vuonna 1940 ihaillen tavallisia ihmisiä, jotka pysyivät uskollisina maansa periaatteita ja tuomitsevat ne, jotka alkoivat tehdä yhteistyötä vihollisen kanssa itsekkäistä syistä. Lewton ja Wise kuvasivat elokuvan 22 päivässä 200 000 dollarin budjetilla, mikä on ennätys studioäänipukuelokuvalle Yhdysvalloissa. Kuten Wise myöhemmin muistutti, "koska nämä olivat pienen budjetin elokuvia, meidän piti venyttää mielikuvitustamme ja saada tulos ilman, että meillä oli tarpeeksi työtä." Näyttelijöiden kanssa työskennellessä, valojen ja kameran asettamisessa "kaikki oli suunnattu vahvaan, tehokkaaseen lopputulokseen ilman tarvittavaa materiaalia" [30] .

Elokuvakriitikko Adam Bernsteinin mukaan tämän jälkeen "tuottaja Val Lewton palkitsi Wisen toisella projektilla, Body Snatcherilla (1945), josta hän teki jännittävän trillerin" [6] . Elokuva perustui Robert Louis Stevensonin vuoden 1881 samannimiseen novelliin , joka puolestaan perustui todellisiin tapahtumiin, jotka tapahtuivat Edinburghissa vuonna 1928. Kuvan keskiössä on ulkoisesti kunnioitettava tohtori Wolfe MacFarlane ( Henry Daniel ), jolle taksimies John Gray ( Boris Karloff ) toimitetaan kaupungin hautausmaalle tieteellisiä kokeita varten kaivettuja tuoreita ihmisen ruumiita. Kun uusien ruumiiden kanssa ilmenee ongelmia, Gray alkaa tappaa ihmisiä myymällä heidän ruumiinsa lääkärille. Tämän kuultuaan Macfarlane suuttuu, mutta Gray kiristää lääkärin jatkamaan heidän rikollista liiketoimintaansa. Lopulta McFarlane hajoaa ja tappaa Grayn, mutta pian sen jälkeen hän itse kuolee taksimiehen aaveen jahtaamana [31] [8] . Elokuvan julkaisun jälkeen Bosley Crowser kirjoitti, että makaaberi kuva, "vaikka ei aivan niin hermoja raastava kuin näyttelijöiltä voisi odottaa, sisältää kuitenkin tarpeeksi jännitystä ja tunnelmallista kauhua asettaakseen sen genrensä hienoimpien esimerkkien joukkoon." Kriitikon mukaan "se ei todellakaan ole häiritsevin kauhudraama - mutta jollain tapaa se inspiroi enemmän uskottavuutta kuin useimmat tämän tyyppiset elokuvat, ja se onnistuu saamaan haluamansa ilman ihmissusia tai vampyyreja" [32] . Nykyaikaiset kriitikot Roland Bergan ja Dennis Schwartz kutsuivat kuvaa "erinomaiseksi sovitukseksi Stevensonin tarinasta". Schwartzin mukaan vaikka elokuva on "liian sidottu kirjallisuuteen ollakseen loistava", siinä on kuitenkin "jännitystä, kammotusta, dynamiikkaa ja vakuuttavuutta". Schwartz kiittää Wisen "historian tappavan kauhun ja 1800-luvun Skotlannin Edinburghin synkän tunnelman esittämisestä". Siellä on hevoskärryjä, mukulakivisiä jalkakäytäviä, skotlantilaisia katulauluja ja pahaenteisiä katuja . Goeringin mukaan se oli "merkittävä kauhuelokuva", jota Wise piti suosikkielokuvanaan, ja "kriitikkojen ylistävät arvostelut auttoivat vahvistamaan hänen asemaansa ohjaajana" [34] .

Kuten Bergan huomauttaa, Wise ohjasi sitten "muutamia kovia, jännittäviä melodraamoja", kuten " Game of Death " (1946), joka oli uusintaversio vuoden 1932 elokuvasta " The Most Dangerous Game " [8] , joka sai "modernin". kierre". Elokuvan sankari, kirjailija Rainsford ( John Loder ), löytää itsensä haaksirikkoutuneena syrjäiseltä saarelta natsihullu Kriegerin ( Edgar Barrier ) käsiin. Krieger antaa hänelle ja kahdelle muulle vangilleen tunnin piiloutua saarella, minkä jälkeen hän alkaa metsästää heitä. Hal Ericksonin mukaan elokuva "ei ole niin vakuuttava kuin vuoden 1932 versio", mutta siitä huolimatta "Robert Wise täyttää tarinan paljon jännitteellä, etenkin kuvan lopussa" [35] . Nykyajan kriitikko Craig Butlerin mukaan elokuvan ongelmat piilevät "hankalissa käsikirjoituksissa sekä näyttelijätyössä, joka, lukuun ottamatta Edagar Barrieraa brutaalina saksalaisena roistona, on riittämätön... Elokuva hyötyy Wisen ohjauksesta, joka , vaikkakin epätasainen, on selvästi uuden tulokkaan työtä ohjauksessa, mutta luo kuitenkin tarvittavan ilmapiirin ja antaa jännitystä avainkohtauksissa" [36] .

Vaatimattoman rikosmelodraaman Criminal Court (1946) , jossa pääosissa oli Tom Conway , jälkeen Wise ryhtyi työstämään "klassista film noiria" Born to Kill (1947) [37] . Elokuva kertoo tarinan visuaalisesti viehättävästä nuoresta psykopaatista ( Lawrence Tierney ), joka on valmis tappamaan jokaisen, joka on vastoin hänen tahtoaan. Hän menee naimisiin varakkaan perillisen kanssa aloittaessaan suhteen tämän sisarpuolisonsa ( Claire Trevor ) kanssa, joka on niin pakkomielle hänen murhaavaan mieleensä, että hän menettää täysin moraalisen kompassinsa ja hänestä tulee hänen rikoskumppaninsa. Kuten TimeOut -lehden arvostelija totesi , se on "yksi niistä B-elokuvista , jotka Wise ohjasi ennen kuin hänen uransa nousi pilviin... Ei suinkaan vakuuttava, se kuitenkin kiehtoo julmuuden, alenemisen ja kaksinaamaisuuden jatkuvalla painotuksella, ja kohtaus , jossa makaaberi kuvaus kahdesta ruumiista herättää Tierneyssä ja Trevorissa himon paroksismeja, on klassikko." Lisäksi siinä on aikansa elokuvaan nähden hämmästyttävän paljon "likaista" kieltä ja "läpäisevää naisvihaa" [38]

Wisen seuraava elokuva oli B-luokan rikosmelodraama Mystery in Mexico (1948) , jossa pääosassa oli William Lundigan . Dennis Schwartzin sanoin: "Tässä tärkeässä timanttivarkauselokuvassa ei ole liikaa mysteereitä, mutta siinä on virkistäviä, hauskoja vaihtoja ja joitain kelvollisia mustavalkoisia otoksia Mexico Cityssä (vaikkakin se on pääosin kuvattu studiossa)" [39] .

Kuten elokuvakriitikko Dennis McLellan kirjoitti Los Angeles Timesissa , Wise nousi A-kategoriaan B-elokuvasarjan jälkeen Blood on the Moonissa (1948 ) , "erinomainen, tunnelmallinen western" (1948 ) . Elokuva kertoo matkustavasta cowboystä Jim Harrystä ( Robert Mitcham ), joka saapuessaan intiaanireservaatille Teksasissa joutuu keskelle tappavaa vastakkainasettelua varakkaan karjanomistajan John Loughtonin ( Tom Tully ) ja hänen vanhan ystävänsä Tate Railingin ( Robert Mitcham ) välillä Preston ), joka väittää toimivansa äskettäin saapuneiden uudisasukkaiden etujen mukaisesti. Jim suostuu auttamaan Tatea ja ystävystyi Loughtonin tyttären Amyn ( Barbara Bel Geddes ) kanssa. Jim tajuaa, että Tate vain käyttää häntä varastamaan Loughtonin karjaa, ja päätyy karjan omistajan luo, mikä johtaa veriseen lopputulokseen. Hal Ericksonin mukaan se on "yksi 1940-luvun parhaista psykologisista westerneistä", joka on "Wisen ohjaama ensiluokkainen" [40] . Kuten elokuvatutkija Rob Nixon kirjoitti, elokuvan julkaisun jälkeen "arvostelijat totesivat, että se poikkesi westerneille ominaisesta yleisestä mallista. Synkän ja synkän visuaalisuutensa, hahmoineen ja teemoineen kuva muistutti enemmän film noiria, genreä, jossa Mitchum ja Wise olivat tuolloin merkittäviä menestyksiä .

Wisen viimeinen ohjaustyö RKO :lla oli Set Up (1949), "realistinen nyrkkeilyelokuva, jossa Wise osoitti urheilun brutaalin ja hyväksikäyttöisen puolen" [42] . Elokuva kertoo 35-vuotiaasta ammattinyrkkeilijästä Stoker Thompsonista ( Robert Ryan ), jonka parhaat vuodet ovat jo kaukana takana, mutta hän uskoo itsepintaisesti menestyvänsä silti. Rikolliset jakajat, jotka pelaavat arvontoja , lyövät vetoa hänen tappiostaan taistelussa nuoremman ja vahvemman vastustajan kanssa. Kun Stokerille tarjotaan jo taistelun aikana rahaa antautumisesta, hän kieltäytyy ja voittaa yllättäen kaikille. Taistelun päätyttyä rosvot löivät Stokeria ankarasti kujalla ja tuomitsi hänet uransa loppuun [6] . Kuvan toiminta tapahtuu kokonaan yhden yön aikana, ja, kuten monet kriitikot ovat huomauttaneet, sen 72 minuutin kesto on itse asiassa sama kuin tapahtumat ruudulla [8] [6] . The New York Timesin Thomas Pryor, joka kutsui kuvaa "viliseväksi melodraamaksi", kirjoitti edelleen, että "ihmisillä, jotka tekivät sen, ei ole mitään hyvää sanottavaa tämän bisneksen likaisesta puolelta, ja heidän vaeltava, paljastava kameransa maalaa vielä mustemman kuvan. nyrkkeilyfaneista." jotka nauttivat hänen julmuudestaan. Huonosti tuuletetun pienen areenan hikinen, savuinen tunnelma ja itsensä villiin raivoon ajavat kehässä esitetään ruudulla raa'alla ja realistisella tavalla. Ja suurten odotusten ja murtuneiden toiveiden pukuhuonedraama saa eloon ja liikkumaan Wisen oivaltavan ohjauksen kautta . Berganin mielestä "The Set Up" oli "hämmästyttävä metafyysinen pohdiskelu, joka liittyi täydellisesti nyrkkeilymelodraaman hämmentävään atomosfääriin", ja "Robert Ryan, joka oli siihen asti tunnettu uhkaavista rooleista, saavutti traagiset mitat kolmannen luokan nyrkkeilijänä, joka edelleen uskoo, että raskaan painon mestaruus on häneltä "yhden iskun etäisyydellä" " [8] . Goering on sitä mieltä, että elokuvan nyrkkeilytoiminta "asetti standardin muille nyrkkeilyelokuville", [44] ja Adam Bernstein, joka sijoitti elokuvan Wisen parhaiden elokuvien joukkoon, huomautti, että "elokuvan julmat taistelujaksot vaikuttivat myöhemmin elokuviin, kuten Raging Bull 1980) , kirjoittanut Martin Scorsese " [6] . Vuoden 1949 Cannesin elokuvajuhlilla Wise sai FIPRESCI - palkinnon tästä kuvasta , ja Milton Krasner voitti parhaan elokuvan palkinnon [45] [6] . Lisäksi vuonna 1950 The Set Up oli ehdolla BAFTA-palkinnolle parhaan elokuvan kategoriassa [46] ..

Kun RKO :n omistaja Howard Hughes ei uusinut sopimustaan vuonna 1950, Wise muutti muihin studioihin ja lopulta omaan [6] .

1950-luku

Wisen ensimmäinen elokuva RKO :sta lähtemisen jälkeen oli lännen Two Flags of the West (1950). Elokuva sijoittuu Yhdysvaltain sisällissodan viimeisiin päiviin, jolloin konfederaation eversti Clay Tucker ( Joseph Cotten ) käyttää presidentti Lincolnin oikeutta pelastaa sotilainsa kuolemalta sotavangileirillä ja liittyy uskollisiin sotilaisiin unionistiarmeijaan . Tucker ja hänen miehensä, mukana unionisti kapteeni Mark Bradford ( Cornell Wild ), lähetetään palvelemaan rajalinnoitukseen New Mexicoon . Linnoituksen komentaja osoittautuu vihaiseksi majuri Kennistoniksi ( Jeff Chandler ), joka vihaa sekä hänen palvelukseensa tulleita entisiä liittovaltion jäseniä että linnoitustaan ympäröiviä intiaaniheimoja. Kolmen miehen levotonta suhdetta vaikeuttaa entisestään oleskelu kauniin nuoren lesken Elenan ( Linda Darnell ) linnakkeessa, joka ei voi mennä kotiin intiaanien jatkuvan hyökkäyksen uhan vuoksi. Kuten elokuvahistorioitsija Sean Exmaker huomauttaa, se oli Wisen kymmenes kuva, hänen toinen western ja hänen ensimmäinen elokuvansa 20th Century Foxille . Kuvaukset tapahtuivat pienessä intiaanikylässä noin 20 mailin päässä Santa Festä , New Mexicosta. Exmakerin mukaan "älykkäästä työskentelystään tunnettu Wise" teki "vakavan elokuvan, joka tutkii miesten konflikteja, jotka ovat sekä vihollisia että liittolaisia" [47] .

Sitten Warner Bros. Wisen ohjaama Three Secrets , melodraama perhearvoista (1950) [48] . Elokuva kertoo pienen yksityisen lentokoneen onnettomuudesta Kalifornian syrjäisillä vuorilla , jonka jälkeen vain viisivuotias poika selviää. Tämän oppivat kolme naista ( Eleanor Parker , Patricia Neal ja Ruth Roman ), joista jokainen luopui pikkulapsestaan adoptoitavaksi viisi vuotta sitten ja olettaa nyt, että eloon jäänyt lapsi saattaa olla hänen poikansa. Jokainen nainen muistelee katkerasti olosuhteet, joissa hänen täytyi erota poikastaan [49] . Nykyaikainen kriitikko Craig Butler kritisoi elokuvaa sen toisesta luonteesta ja sekavasta käsikirjoituksesta, mutta totesi samalla, että elokuva "suoriutui odotettua paremmaksi, kiitos erittäin taitavan näyttelijän ja ohjaajan, jotka yhdessä saavuttavat paremman tuloksen kuin materiaali ehdottaa. " Butlerin mielestä "Wisen työ on kaiken kaikkiaan epätasaista. Rypistyneen alun jälkeen Wise löytää kauniita hetkiä jokaisen naisen tarinasta, mutta jättää myös huomiotta muutaman mielenkiintoisen tilaisuuden. Kuitenkin "käsitellessäsi jännittävämpiä jaksoja kadonneen pojan etsinnästä, Wise on erinomainen" [50] .

Seuraava Wisen uudelleen ohjaama kuva 20th Century Foxissa oli House on Telegraph Hill (1951) , sodan jälkeinen film noir . Elokuva kertoo puolalaisesta maahanmuuttajasta ( Valentina Cortese ), joka päästyään natsien keskitysleiriltä teeskentelee olevansa kuollut amerikkalainen ystävänsä ja saapuu sodan jälkeen Yhdysvaltoihin toivoen saavansa perinnön ystävänsä rikkaalta tädiltä . Hän menee naimisiin ystävän alaikäisen pojan ( Richard Basehart ) huoltajan kanssa ja muuttaa tämän kanssa tätinsä tyylikkääseen taloon Telegraph Hillille San Franciscoon . Vähitellen nainen kuitenkin alkaa epäillä, että joku yrittää tappaa hänet ja hänen poikansa [51] . Variety antoi elokuvalle kohtalaisen positiivisen arvion ja kutsui sitä "hidastahtiseksi mutta viihdyttäväksi melodraamaksi psykopaattisesta tappajasta, joka sijoittuu omalaatuiseen asuinalueeseen San Franciscon kukkuloilla". Lehti huomauttaa, että elokuva "pitää synkän tunnelman ja kohonneen jännitteen hyvin yllä, Basehartin ja Cortesen luotaessa draamaan uskottavuutta esityksillä" [52] . Elokuva oli ehdolla parhaan taideohjauksen Oscarille [53] .

Lisäksi, kuten elokuvakriitikko Ronald Bergan kirjoitti, "ei-yksinoikeudella 20th Century Foxin kanssa tehdyn sopimuksen perusteella Wise ohjasi älykkään, matalan profiilin sodanvastaisen scifi-elokuvan The Day the Earth Stood Still (1951) [8 ] [54] ." Elokuva alkaa Washington DC :n puistoon laskeutuvalla muukalaislaivalla , joka kuljettaa Kristuksen kaltaista avaruusoliota Klaatua ( Michael Rennie ) ja jättiläisrobottia Gort. He ovat planeettojen liiton lähettiläitä, jotka ovat huolissaan ydinkokeista Maan päällä , jotka voivat johtaa koko planeetan kuolemaan ja muodostaa uhan muille sivilisaatioille. Kun yksi laivaa ympäröivistä amerikkalaisista sotilaista haavoittuu Klaatua, hän päätyy amerikkalaiseen sairaalaan vaatien, että hänelle annettaisiin tilaisuus puhua kaikkien maapallolla asuvien kansojen edustajille. Kun tämä osoittautuu valtioiden välisten poliittisten ristiriitojen vuoksi mahdottomaksi, Klaatu lähtee yliluonnollisia kykyjään hyödyntäen sairaalasta ymmärtääkseen tavallisen ihmisen varjolla, pystyvätkö maan asukkaat ylläpitämään rauhaa planeetalla. Hän oleskelee yksinkertaisen kotiäidin ( Patricia Neal ) täysihoitolassa luoden suhteita tähän ja hänen perheenjäseniinsä ja ottaa yhteyttä myös maailman johtaviin tiedemiehiin ja päättelee lopulta, että maan asukkaat eivät ole niin toivottomia. Sarjan juonenkäänteiden jälkeen Klaatu haavoittuu kuolettavasti ammuskelussa, mutta herää sitten Gortin ansiosta henkiin välittääkseen keskeisen idean laivaan kokoontuneille johtaville tiedemiehille - joko maan asukkaat liittyvät planeettojen liittoon ja elävät rauhassa. , tai jatkavat nykyistä kurssiaan ja tuhoutuvat [55] . Kuten Wise myöhemmin sanoi: "Haluan aina elokuvieni viestivän jotain tärkeää. Tämä tulisi kuitenkin tehdä itse tarinan, juonen kehityksen ja hahmojen vuorovaikutuksen kautta, ei suoran näyttelijän tekstin kautta. Päivä, jolloin maa pysähtyi, on kuitenkin poikkeus tässä suhteessa. Tarkoituksena oli, että Klaatu antoi varoituksensa lopussa." [56] . Elokuvahistorioitsija Wes Gehringin mukaan "elokuva tehtiin naturalistisella tyylillä ja toisin kuin useimmat muut tieteiskirjallisuuselokuvat, korosti tarinan sisältöä erikoistehosteiden sijaan" [54] . Elokuva sai "ylivoimaisen myönteisiä" arvioita ja siitä tuli yksi "historian vaikutusvaltaisimmista tieteiselokuvista" [57] . Kuten TV Guiden elokuvatiedoissa todetaan , "Robert Wise on luonut klassisen scifi-elokuvan, jolla on vahva pasifistinen viesti. Kaikkien näyttelijöiden upeat suoritukset, Wisen hillitty ohjaus ja Bernard Herrmannin loistava ja innovatiivinen partituuri tekevät tästä elokuvasta yhtä merkityksellisen tänään kuin sen julkaisupäivänä . Elokuva palkittiin Golden Globe -palkinnolla "Paras kansainvälistä ymmärrystä edistävä elokuva" ja Bernard Herrmann sai Golden Globe -ehdokkuuden parhaasta musiikista .

Puolidokumentaarinen film noir " Kaupunki vankeudessa " (1952) Wise päätti vaikuttaa paljastaviin artikkeleihin rikollissyndikaatin tappiosta yhdessä Yhdysvaltojen kaupungeista. Elokuva kertoo tarinan sanomalehden toimittajasta pienessä Keskilännen kaupungissa ( John Forsyth ), joka taistelee järjestäytynyttä rikollisjoukkoa vastaan laittomassa rahapeliliiketoiminnassa, joka on korruptoinut ja käyttänyt hyväkseen paikallisen poliisin johtajuutta [59] . Elokuvan julkaisun jälkeen Variety -lehti kuvaili sitä "kireäksi ja mukaansatempaavaksi draamaksi toimittajan taistelusta korruptiota vastaan pikkukaupungissa", ja totesi, että "dokumentaariset piirteet antavat elokuvalle aitouden tunteen" [60] . New York Timesin elokuva- arvostelija Bosley Crowser , joka suhtautui kuvaan yleisesti myönteisesti, kutsui sitä "eloiseksi, lakoniseksi pieneksi elokuvaksi", joka "näyttää aidolta ja hämmentävältä" ja "todellisen urbaanin esikaupunkien siisteiksi taloiksi ja kaduiksi, joita vasten kuvan toiminta kehittyy, lisää tapahtuvan aitouden tunnetta ja asettaa katsojalle melko vakavan sosiaalisen paheen ongelman" [61] .

Samana vuonna Wise ohjasi "ensimmäisen suoran komediansa", Something for the Birds (1952), jossa häneen rakastunut kalifornialainen kondorin puolestapuhuja (Patricia Neal) ja Washingtonin lobbaaja ( Victor Mature ) taistelevat kaasuyhtiötä vastaan. , aloittamassa porauksen lintujen pesimäalueella [62] . Vuotta myöhemmin seurasi So Big (1953) , "perhearvoista" kertova melodraama, jonka pääosassa on Jane Wyman . Se sijoittuu Chicagon alueelle ja kattaa kaksi sukupolvea 1800- ja 1900-luvun vaihteessa .

Vuonna 1953 julkaistiin myös kaksi "pätevää sotilaselokuvaa" - " Destination - Gobi " ja " Desert Rats " [8] . Richard Widmarkin pääosissa näyttelevän seikkailuelokuvan Kohde - Gobi (1953) toiminta sijoittuu toisen maailmansodan aikaan , jolloin amerikkalaisten sotilasmeteorologien joukko paikallisten mongolialaisten heimojen apuun etenee Gobin aavikon läpi kohti Tyynenmeren rannikko japanilaisten hyökkäysten alla Ilmavoimat [64] [65] .

Elokuva " Aavikkorotat " (1953) perustui tositapahtumiin ja kertoi libyalaisen Tobrukin kaupungin huhti-marraskuussa 1941 puolustamasta brittijoukoista natsi-Saksan etenevien joukkojen toimesta kenraali Rommelin (James Masonin) johdolla. . Kuvan keskiössä on skotlantilaisen kapteenin McRobertsin ( Richard Burton ) toiminta, joka vastaanottaa komennon kokemattomia australialaissotilaita, jotka ovat saapuneet suojelemaan kaupunkia. Taistelun aikana hän joutuu saksalaisten vankeuteen, mutta hän onnistuu pakenemaan ja jatkamaan kaupungin puolustamista yksikkönsä kärjessä, kunnes liittoutuneiden joukot vapauttavat sen [66] . Elokuvakriitikko Howard Thompson The New York Timesissa antoi elokuvalle hillityn arvion ja kutsui sitä "tavanomaiseksi jo tuttujen hahmojen, tapahtumien ja selkeistä historiallisista viitteistä huolimatta sankaruuden ilmentymien sekoitus". Samanaikaisesti kriitikko pani merkille Wisen "melko näppärän ohjauksen", jonka ansiosta elokuva "antaa pätevän ja visuaalisen kuvan" kuvatuista tapahtumista [67] . Elokuva oli ehdolla parhaan käsikirjoituksen Oscarille .

Vuonna 1954 Wise ohjasi Metro-Goldwyn-Mayer Studiosissa draaman Hallintovalta (joskus käännettynä "Johtajan huone") (1954), joka kertoi vallasta taistelusta suuressa huonekaluyrityksessä sen perustajan äkillisen kuoleman jälkeen. ja presidentti. Pääehdokas johtoon on dominoiva ja kunnianhimoinen Lauren Shaw ( Fredric March ), joka ehdottaa tuotantokustannusten leikkaamista ja painopisteen siirtämistä markkinointiin, mikä tekee yrityksestä jälleen kannattavan. Hänen päävastustajansa on varapresidentti Don Walling ( William Holden ), innokas innovaattori, joka on intohimoinen uusien tuotteiden luomiseen. Vaikka Don ei aluksi pyri presidentiksi, hänen vaimonsa ja läheiset työtoverinsa vakuuttavat hänelle, että vain hänen johdolla yritys voi menestyä. Lukuisten juonien ja juonenkäänteiden jälkeen Don onnistuu ottamaan yrityksen toimitusjohtajan paikan [69] . Elokuvan tuottaja John Houseman kokosi elokuvaan loistavat näyttelijät, joihin kuuluivat myös Barbara Stanwyck , June Allison , Walter Pidgeon , Shelley Winters , Paul Douglas ja Nina Foch , ja suurin osa elokuvan budjetista meni heidän maksuihinsa. Kuten elokuvahistorioitsija Mark Frankel kirjoittaa, Houseman tarvitsi tällaisella näyttelijäjoukolla ja loistavalla käsikirjoittajalla oikean ohjaajan, ja hän kääntyi välittömästi Wisen puoleen. Houseman tarvitsi ohjaajan, joka ei työntäisi itseään eteenpäin. Kahdeksan suurta tähteä, vähän toimintaa ja puolen tunnin kohtaus, joka tapahtui kokonaan kokoushuoneen pöydässä, Housemanin mukaan elokuva "tarvitsi ohjaajan, jolla oli myös insinöörin ja leijonan kesyttäjän taidot". Wise oli täydellinen rooliin, ja se, että hänen ohjaustyylinsä vastasi täydellisesti käsikirjoittaja Ernest Lehmanin ohjaustyyliä, johti siihen, että he tekivät myöhemmin vielä kolme klassikkoelokuvaa yhdessä - " Someone Up There Loves Me " (1956), " West Side Story " (1961) ja "The Sound of Music " (1965) [70] . Kuvaa analysoitaessa kritiikin päähuomio kohdistui näyttelemiseen, joka sai enimmäkseen myönteisiä arvioita. Erityisesti nykyelokuvatutkija Bruce Eder sanoi, että "kaikki näyttelijät poikkeuksetta ovat erinomaisia", huomauttaen lisäksi, että "kuvan jännityksen taso nousee niin paljon, että jopa Hitchcock hyväksyi sen ", saavuttaen huippunsa "viimeisellä neljänneksellä". henkilökohtaisissa ja filosofisissa yhteenotoissa kokoushuoneessa” [71] . Elokuva sai neljä Oscar -ehdokkuutta parhaasta naissivuosasta (Foch), parhaasta kuvaustyöstä, parhaasta taiteellisesta ohjauksesta ja parhaasta pukusuunnittelusta . Wise oli ehdolla parhaaksi ohjaajaksi Directors Guild of America -palkinnolla parhaasta elokuvaohjauksesta ja Kultaisesta leijonasta Venetsian elokuvajuhlilla , jossa koko näyttelijä sai kollektiivisen tuomariston erikoispalkinnon . Elokuva sai myös kaksi BAFTA -ehdokkuutta parhaan elokuvan ja parhaan ulkomaisen näyttelijän kategorioissa (maaliskuu) [73] .

Kaksi vuotta myöhemmin Warner Bros. julkaisi historiallisen elokuvan " Helen of Troy " (1956), joka perustuu Homeroksen runoon " Ilias " . Kuten nykyelokuvakriitikko Dennis Schwartz kirjoitti: "Eeppinen elokuva, joka kuvattiin Italiassa kansainvälisten (enimmäkseen eurooppalaisten) näyttelijöiden kanssa, menestyi huonosti lipputuloissa ja sai ristiriitaisia arvosteluja kriitikoilta. Wiselle (joka ohjasi elokuvan) tämä tylsä historiallinen pukudraama oli ensimmäinen elokuva CinemaScope -väreissä , ja vaikka elokuva olikin floppi, hänen uransa nousi pilviin sen jälkeen...Vaikka viihdyttävä arkipäiväisessä mielessä, kauniisti kuvatuilla taistelukohtauksilla. , kuva kokonaisuutena osoittautui kömpelöksi tiukan näyttelijäntyön, nihkeän käsikirjoituksen ja materiaalin epämiellyttävän esityksen takia” [74] .

Wisen seuraava teos oli Metro-Goldwyn-Mayerin [8] julkaisema Western In Praise of a Bad Man (1956) Elokuva sijoittuu 1870-luvulle Colorado Territorylle . Nuori itämaalainen Steve Miller ( Don Dubbins ) saa töitä rikkaan, hurjan Jeremy Rodockin ( James Cagney ) syrjäiseltä hevostilalta, joka on nopea tappamaan, kun joku peukaloi hänen etujaan. Kun Steve aloittaa suhteen kauniin Jocasta Konstantinin ( Irene Papas ) kanssa, jota Rodok pitää omaisuutena, syntyy konflikti, jonka aikana kaikki hänen ympärillään kääntyvät vähitellen pois Rodokista, ja seurauksena hän jää yksin itsensä kanssa. Elokuvan työskentelyn aikana tekijöiden oli kohdattava vakavia organisatorisia ongelmia. Aluksi Spencer Tracy , jonka piti näytellä pääroolia, alkoi uhmakkaasti sabotoida työtä, josta hänet lopulta erotettiin 20 vuoden studiossa olon jälkeen. James Cagney suostui korvaamaan hänet, mutta elokuva joutui viivästämään useita kuukausia. Seuranneessa tauossa Steve Milleria näyttelevä näyttelijä Bob Francis kuoli lento-onnettomuudessa , ja Wisen oli kuvattava kaikki kohtaukset uudelleen hänen osallistumisellaan ja ottamalla uusi näyttelijä [75] . Dennis Schwartzin mukaan "Varhaisista ongelmista huolimatta se on hyvä amerikkalainen western, joka ansaitsee kiitosta kuvauksestaan karkeasta ja myrskyisästä cowboyn työelämästä", ja "Cagney teki loistavaa työtä ankarana karjaparonina." [ 76]

Wise saavutti kuitenkin suurimman menestyksensä vuonna 1956 Metro-Goldwyn-Mayerin elokuvalla Somebody Up There Loves Me (1956), joka on elämäkerta kuuluisasta nyrkkeilijästä Rocky Grazianosta (soitti Paul Newman ) [8] . Elokuva kertoo Rockysta, joka syntyi huonokuntoiseen perheeseen, joutui teini-iässä katujengin jäseneksi, meni uudistuskouluun ja sitten vankilaan, jonka jälkeen hänet lähetettiin armeijaan, josta hän karkasi. . Etsiessään toimeentuloa Rocky alkoi osallistua nyrkkeilyotteluihin ja löysi merkittäviä kykyjä. Useiden taistelujen voittamisen jälkeen armeija pidätti hänet ja lähetti hänet palvelemaan kurinpitoyksikköön, jossa hän kehitti taitojaan vuoden ajan, ja vapautumisensa jälkeen hän jatkoi nyrkkeilyuransa. Hän kiipesi aina huipulle, mutta hävisi viimeisen taistelun Tony Zalelle . Sen jälkeen entinen vanki kiristi Rockyn, ja sitten häneltä evättiin nyrkkeilylupa. Kuvan finaalissa Rocky kuitenkin palaa kehään saavuttaen ratkaisevan voiton Zalesta [77] . Aluksi Rockyn roolia valmisteltiin James Deanille , joka kuoli traagisesti kuvausten aattona, minkä jälkeen hänet korvattiin Paul Newmanilla [8] . Kuten Wise muisteli: ”Ajattelin koko ajan, että ehkä Dean ei ole fyysisesti keskisarja . Ja Paul teki joitakin parhaista töistään tässä elokuvassa; hän todella tarttui mieheen." Kuten elokuvatutkija Georgell Cole lisää, tällä elokuvalla "Newman saavutti vihdoin kaupallisen menestyksen, joka oli välttynyt häneltä aiemmin, mikä tasoitti tietä tulla suureksi Hollywood-tähdeksi . " Kuten elokuvakriitikko Bosley Krauser kirjoitti The New York Timesissa, elokuva "toimii suosituksena koville miehille ryhtyä ammattinyrkkeilyn pariin purkaakseen ärtyneisyyttään ja saadakseen paitsi rahaa, myös suosionosoituksia ja kunnioitusta yleisöltä". Wisen tuotanto on Krauserin mielestä nopeaa, energistä ja selkeää, ja editointi antaa siihen hämmästyttävän selkeyttä ja vauhtia. Grazianon suuren taistelun näyttäminen Tony Zalen kanssa on yksi suurimmista nyrkkeilyjuhlista, jonka olemme koskaan nähneet näytöllä . Ronald Bergan huomauttaa, että "elokuvan ylistys ammattinyrkkeilystä osana amerikkalaista unelmaa oli melkein suora vastaus " Set Up " -kappaleeseen (joka osoitti nyrkkeilyelämän alapuolen). Elokuva esitetään energisellä ja viihdyttävällä tavalla välittäen New York East Siden tunnelmaa , vaikka se kuvattiin MGM -studiossa " [8] . Elokuva voitti kaksi Oscaria parhaasta kuvaustyöstä ja parhaasta taiteellisesta ohjauksesta, ja se oli myös ehdolla parhaan editoinnin Oscarille. Directors Guild of America nimitti Wisen parhaan ohjaajan palkinnoksi .

Vuonna 1957 Wise ohjasi Until They Sailed (1957), melodraaman, joka sijoittuu Uuteen-Seelantiin toisen maailmansodan aikana. Se kertoo neljän uusiseelantilaisen sisaren suhteesta Yhdysvaltain merijalkaväkiin. Elokuvan pääosassa Paul Newman on merijalkaväen kapteeni, jonka tehtävänä on käsitellä ilmoituksia sotilashenkilöistä, jotka haluavat mennä naimisiin paikallisten tyttöjen kanssa, Jean Simmons , jonka kanssa hän solmii suhteen, ja Joan Fontaine hänen vanhempana sisarena, joka myös seurustelee amerikkalaisen upseerin kanssa. [81] . Nykyelokuvakriitikko Craig Butler kutsui elokuvaa "vaikuttavaksi sodan aikaiseksi saippuaoopperaksi, joka tarjoaa kiehtovan, joskin pinnallisen katsauksen melko epätodennäköisen uusiseelantilaisen perheen koettelemuksiin ja koettelemuksiin." Kuten kriitikko edelleen kirjoittaa, elokuvan tarina on "sentimentaalinen ja melko ennustettavissa, mutta älykkään käsikirjoituksen ansiosta se ehdottomasti "toimii"", ja Wisen tuotanto on "taitavaa ja osaavaa, ehkä yksi hänen parhaista teoksistaan". Vaikka luultavasti henkilökohtaisen osallistumisen puutteen vuoksi hän joskus onnistuu hieman mekaanisesti, mutta siitä huolimatta se on aina tehokasta” [82] . Nuoremman sisaren roolia näyttelevä Sandra Dee voitti Golden Globen lupaavimpana tulokkaana roolistaan tässä elokuvassa .

Metro-Goldwyn-Mayerin komediassa The Long Waited Night (1957) Jean Simmons näytteli opettajaa Ann Leedsiä, joka päättää työskennellä sihteerinä entiselle saappailijalle ja uhkapelien järjestäjälle Roccolle (Paul Douglas), joka yhdessä nuoren kumppaninsa Tonyn kanssa ( Anthony Franchosa ) omistaa yökerhon Broadwaylla . Pian Rocco rakastuu Anniin, ja hän puolestaan rakastuu lempeään Tonyyn, joka ei kuitenkaan vastaa tunteisiinsa. Lopulta Ann päättää erota, mutta muiden klubin työntekijöiden vaatimuksesta Tony suostuttelee hänet jäämään ja ilmoittaa rakastavansa häntä. Nykyaikainen kriitikko Dennis Schwartz antoi elokuvalle negatiivisen arvion ja kirjoitti, että "Wyse tuottaa pettymyksen tämän liikkumattoman ja epäuskottavan romanttisen melodraaman tuotannossa, jossa lempeä ohjaus vaimentaa Damon Runion -tyyppisen tarinan , joka muuttuu tylsäksi versioksi Guys and Dollsista ... Komedia on pakotettua, tilanteet epämiellyttäviä ja jopa timantit loistavat valheellisesti” [84] . Esityksestään tässä elokuvassa Simmons oli ehdolla Golden Globe -palkinnon saajaksi parhaan naispääosan saajaksi musikaalissa tai komediassa .

Vuotta myöhemmin Burt Lancasterin tuotantoyhtiön Hecht-Hill-Lancaster Productionsin kutsusta Wise ryhtyi tuottamaan sotilaallista toimintadraamaa Go Quiet, Go Deep (1958). Elokuva kertoo amerikkalaisesta sukellusveneen kapteenista Rich Richardsonista ( Clark Gable ), jonka japanilainen hävittäjä tuhoaa toisen maailmansodan aikana. Vietettyään vuoden merivoimien päämajassa Pearl Harborissa Rich palaa johtamaan toista venettä, mikä tekee hänen ensisijaiseksi tavoitteekseen tuhota hänet vuotta aiemmin upottanut japanilainen alus. Hänen toisinaan käsittämätön käytöksensä koston tunteen ohjaamana johtaa lopulta yhteenottoon ylipäällikkö Jim Bledsoen (Burt Lancaster) kanssa ja saattaa tilanteen kapinan partaalle, kun Rich asettaa miehistön kohtalon perusteettomasti vaaraan. Kuten nykykriitikko Rob Nixon kirjoittaa, "kriitikot olivat iloisia Wisen ohjaustyöstä" [86] . Berganin mukaan "Wise onnistui vangitsemaan sukellusveneen vedenalaisen klaustrofobisen jännityksen ja esittämään koskettavalla tavalla Gable-Lancaster-hahmojen vastakkainasettelun", [ 8] [87] . Ja kuitenkin, kuten Nixon jatkaa, "huolimatta kaikesta taidosta yhdistää toimintaa intensiiviseen draamaan henkilökohtaisella tasolla ja yleisön rakkaudesta molempiin tähtiin, elokuva ei ollut kaupallinen hitti . "

Wisen vahvin työ siihen asti oli Berganin mukaan "draaman realistinen lavastus" Haluan elää ! (1958), jonka hän tuotti tuottaja Walter Wagnerin [8] studiossa . Tositapahtumiin perustuva elokuva seuraa ryöstöjen suorittamaa vanhuksen naisen julmaa murhaa Burbankissa , Kaliforniassa. Epäiltynä tästä rikoksesta poliisi pidätti Los Angelesissa kolme miestä ja yhden naisen, Barbara Grahamin (hänen roolissa oli Susan Hayward ), joka oli poliisille entuudestaan tuttu ja joka oli aiemmin tuomittu prostituutiosta ja väärästä valasta. Barbaralla oli murhan aikaan alibi, jota ei kuitenkaan voitu vahvistaa, koska hänen miehensä katosi jäljettömiin. Yhden poliisin palveluksessa työskentelevän vangin kannustamana Barbara yritti keksiä itselleen uuden alibin, mutta poliisi nauhoitti hänen keskustelunsa, minkä jälkeen tapaus vietiin oikeuteen. Häntä vastaan ei ollut suoria todisteita, ja koko syytös perustui hänen rikolliseen menneisyyteensä sekä siihen tosiasiaan, että oikeus pettää. Itse kuuleminen tapahtui lehdistössä levitetyn Barbaran vainon ilmapiirissä. Tämän seurauksena annettiin syyllinen tuomio, ja tuomari tuomitsi Grahamin kuolemaan. Asianajajien yritykset kumota tuomio epäonnistuivat, ja hänet teloitettiin lopulta San Quentinin vankilan kaasukammiossa kaksi vuotta murhan jälkeen . Berganin mukaan erityisen vaikuttava oli "Barbaran kuolemaan valmistautumisen pitkä viimeinen jakso ja kohtaus kaasukammiossa" [8] . Schwartzin mukaan tämä "pienen budjetin intensiivinen oikeusdraama toimii paljastavana syytteenä kuolemanrangaistuksesta. Vaikka Graham on kuvattu epäsosiaalisena henkilönä, joka roikkui ilkeän roskajoukon kanssa, häntä ei voitu tuomita pelkästään hänen aikaisempien rikostensa perusteella, mukaan lukien prostituutio, väärä valaistus ja väärentäminen .

Kuten elokuvatutkija Geoff Stafford totesi, "Elokuva oli hitti sekä kriitikoiden että yleisön keskuudessa, ja siitä tuli yksi vuoden 1959 eniten tuottavista elokuvista [89] [90] . Erityisesti Bosley Crowser The New York Timesissa Bosley Crowser kirjoitti, että "Hayward soittaa erinomaisesti, Robert Wisen ehdottoman tarkan ohjauksen alaisuudessa, joka on osoittanut täällä hämmästyttävän realistisen tyylin hallintaa" [91] [90] . Hayward voitti roolistaan parhaan naispääosan Oscarin , ja Wise voitti ensimmäisen Oscar-ehdokkuutensa parhaasta ohjauksesta. Lisäksi elokuva oli ehdolla parhaasta käsikirjoituksesta, parhaasta äänestä ja parhaasta leikkausta koskevista Oscareista [89] [92] . Hayward sai myös Golden Globe- ja BAFTA-ehdokkuuden parhaasta ulkomaisesta naisnäyttelijästä, elokuva oli ehdolla Golden Globe -palkinnon saajaksi parhaan draamasarjan kategoriassa ja Wise oli ehdolla Golden Globe- ja Directors Guild of America -palkinnolle ohjauksesta . ] .

Tämän kuvan jälkeen Harry Belafonten tuotantoyhtiö HarBel Productions tarjosi Wiselle tuottamaan ja ohjaamaan noir-trillerin Bet on Tomorrow (1959). Elokuva kertoo tarinan epäonnistuneesta pankkiryöstöstä, jonka kolme miestä yritti toteuttaa - eläkkeellä oleva poliisi David Burke ( Ed Begley ), kova kaveri, jolla on rikollinen menneisyys, Eard Slater ( Robert Ryan ) ja musta jazzmuusikko Johnny Ingram ( Harry Belafonte), jonka on kiireellisesti palautettava kilpailuissa menetetyt rahat mafialle. Burke on suunnitellut täydellisen suunnitelman ryöstääkseen pienen pankin lähellä New Yorkia, mikä vaatii mustan miehen toimimaan ravintolan jakelumiehen roolissa. Kuitenkin raivoissaan Earl osoittaa alusta alkaen rasistista vastenmielisyyttään Johnnylle, ja Burken on vaikeuksia saada hänet pysymään alalla. Ryöstön aikaan Earl osoittaa jälleen vastustavansa mustia, ja ratkaisevalla hetkellä kieltäytyy antamasta Johnnylle avainta autoon, jossa heidän täytyy paeta saaliin kanssa. Seurauksena on, että Burke joutuu itse hakemaan autoa, mikä herättää epäilyksen ohikulkevasta poliisipartiosta, joka tietää, että ravintola lähettää aina mustan kuriirin pankkiin. Tämä johtaa Burken paljastumiseen ja itsemurhaan, jonka jälkeen paenneet Johnny ja Earl kuolevat yrittäessään tuhota toisiaan [94] . Kritiikki vastasi kuvaa. Variety - arvostelijan mukaan "Yhtäältä elokuva on jännittynyt rikosmelodraama. Toisaalta se on allegoria rasismista, ahneudesta ja ihmisen taipumuksesta itsetuhoon. Vaikka elokuva ei ollut täysin onnistunut toisessa mielessä, elokuva onnistui kuitenkin ensimmäisessä. Arvostelija totesi myös, että "ohjaaja Robert Wise sai näyttelijät näyttelemään hyvin" [95] . Bosley Crowser The New York Timesissa kirjoitti: "Tämän rikosdraaman draaman muodostuminen nousee taiteelliselle tasolle, jota harvoin saavutetaan näytöllä. Robert Wisen lakonisella ja tehokkaalla ohjaajarealismilla tämä draama rakentaa energiaa nopeasti ja vaivattomasti ja antaa teokselle kokonaisuudessaan intensiivisen koskettavan, todella maalauksellisen laadun. Noudattaen niin sanotun "dokumenttityylin" hyväksi havaittua tekniikkaa, Mr. Wise lavasi katukohtauksia suoraan New Yorkissa ja Hudsonin kaupungissa , mikä antoi Joseph Branaghin erinomaiselle elokuvalle realistisen ilmeen. Ja hänen erinomaiset näyttelijät loivat selkeitä ja vakuuttavia kuvia . Elokuva oli ehdolla Golden Globe -palkinnon saajaksi parhaana kansojen välistä ymmärtämystä edistävänä elokuvana [97] .

1960-luku

Syyskuussa 1957 musikaali West Side Story julkaistiin Broadwaylla Jerome Robbinsin ohjaamana ja koreografiana . Esitys oli valtava menestys, vuonna 1958 hän oli ehdolla " Tony " parhaaksi musikaaliksi ja voitti tämän palkinnon parhaasta koreografiasta. Kesäkuuhun 1959 saakka näytelmää esitettiin Broadwayn lavalla 732 kertaa, minkä jälkeen se lähti kansalliselle kiertueelle, ja sitten 249 esitystä pidettiin New Yorkissa ja se julkaistiin kahden vuoden ajan Lontoossa [98] [99] . Wise päätti tehdä esityksestä elokuvan, johon hän houkutteli tuotantoyhtiöt Mirisch Pictures ja Seven Arts Productions , ja hän päätti toimia tuottajana ja ohjaajana kutsuen Robbinsin ohjaajaksi, jonka oli määrä ohjata kaikki tanssinumerot [99] .

West Side Story (1961) ottaa lähtökohtakseen Shakespearen Romeon ja Julian . Se kertoo traagisen rakkaustarinan kahdesta nuoresta miehestä, jotka kuuluivat sotiviin katujengiin nykypäivän New Yorkissa - Tonysta ( Richard Beymer ), joka johti kerran jengiä. valkoisista pojista ja Mariasta ( Natalie Wood ), puertoricolaisen jengin johtajan sisaresta . Avatakseen elokuvan Wise keksi kuuluisan helikopterikuvan Manhattanista , joka esitti kaupunkia kortteli kerrallaan lintuperspektiivistä ja päättyi kameran zoomaukseen rytmisesti napsauttavien teini-ikäisten ryhmään . Kuten Bergan kirjoittaa, "kuvaus paikan päällä 64th Streetillä korosti kaduilla balettia tanssivan jengin epätodellisuutta, mikä mahdollisti elokuvan jatkokuvaamisen lavastuksessa" [8] . Vuonna 1998 antamassaan haastattelussa Wise sanoi: "Koska kaikki oli melko tavanomaista, mielestäni se auttoi yleisöä hyväksymään kadulla tanssivat lapset, minkä jälkeen poistuimme leikkikentältä" [6] . Kuvaaminen alkoi tanssirutiinilla, jonka ohjasi Robbins, vaikka hän teki hienoa ja tärkeää työtä, oli vakavasti jäljessä kuvausaikataulusta ja ylikulutuksesta. Sitten Wise joutui poistamaan Robbinsin teoksen viimeistelystä, lavastamaan kaikki dramaattiset kohtaukset sekä Robbinsin assistenttien avulla kaksi jäljellä olevaa tanssikohtausta säilyttäen teatterituotannon koreografian mahdollisimman paljon [99] . teemat, ooppera, baletti ja show-bisnes”, luo yhtenäisen ja harmonisen kuvan [8] .

Varietyn mukaan elokuva maksoi 6 miljoonaa dollaria, ja kuten The Hollywood Reporterissa todettiin, elokuva oli poikkeuksellinen kaupallinen ja kriittinen menestys . Kuten Bosley Crowser kirjoitti arvostelussaan The New York Timesissa: "Se mitä he tekivät vieessään West Side Storyn lavalta näytölle, oli muuttaa näytelmän erinomainen materiaali elokuvalliseksi mestariteokseksi. Elokuvan dynaamisissa muodoissa esityksen kaikki osa-alueet saavat upean kohtelun. Draama saa laajakuvavärikuvauksen valikoiman ja luonnollisuuden... se on vahva sekoitus draamaa, tanssia ja musiikkia, joka muodostaa rikkaan taiteellisen kokonaisuuden." [100] . Varietyn arvostelija kutsui elokuvaa "kauniisti koreografioiduksi, vaikuttavaksi, tunnevetoiseksi ja voimakkaaksi musikaaliksi, joka karkealla lähestymistavalla tuskalliseen yhteiskunnalliseen ongelmaan ja tarinankehityksen realismiin voisi olla tulevaisuuden musiikkituotantojen suunnitelma. Näyttö antaa uuden ulottuvuuden ja toisinaan kiehtovan Broadway-musikaalin uudelleenkerronta suuremmassa elokuvassa... Se on teknisesti erinomaista, häikäisevällä värinkäytöllä, henkeäsalpaavalla kameratyöllä ja nopealla editoinnilla välittäen kuvan tunnelman ja toiminnan dramaattisesti. pakottaa. Vielä merkittävämpi on Leonard Bernsteinin musiikki ja henkeäsalpaava Robbinsin koreografia, joka elokuvassa on vapaa lavan tilarajoitteista. Wise käyttää tuotannossaan sekä teatteri- että elokuvatekniikoita, pitkiä otoksia henkilökohtaisista kohtauksista ja nopeatempoista toimintaa, muuttuen yhtäkkiä dynaamiseksi liikkeeksi ja saa aikaan jännittävän vaikutuksen" [101] . James Powers Hollywood Reporterista kutsui elokuvaa "suureksi esitykseksi, virstanpylväksi elokuvamusikaalin historiassa ja hämmästyttäväksi kaupalliseksi menestykseksi. Se on niin hyvä, että siihen voidaan soveltaa mitä tahansa superlatiivia. Mikään elokuvamusikaali - tämä puhtaasti amerikkalainen ja puhtaasti Hollywood-muoto - ei ollut tätä parempi . Elokuva voitti kymmenen Oscaria , joten se oli tuolloin toiseksi eniten Oscar-voittaja. Parhaan elokuvan palkinnon (jonka Wise voitti) lisäksi elokuva voitti myös Oscarit parhaasta ohjauksesta (Wise ja Robbins), parhaasta miessivuosasta, parhaasta naissivuosasta, parhaasta taideohjauksesta, parhaasta kuvaustyöstä, parhaasta pukusuunnittelusta, parhaasta leikkausta, Paras musiikki ja paras ääni sekä parhaan käsikirjoituksen ehdokas. Elokuva voitti myös Golden Globe -palkinnot kategorioissa paras elokuvamusikaali tai komedia, paras miessivuosa, paras naissivuosa, ja Beimer oli ehdolla Golden Globe -palkinnolla parhaana musikaali- tai komedianäyttelijänä sekä Wise ja Robbins parhaana ohjaajana. Lukuisia muita palkintoja ovat Directors Guild of America -palkinto , jonka saivat Robbin, Wise ja apulaisohjaaja Robert E. Relia [99] .

Vuotta myöhemmin, työskennellen jälleen tuottaja Walter Mirischin kanssa , Wise tuotti (rekisteröimätön) ja ohjasi Two on the Seesaw (1962), melodraaman, joka perustuu Broadwayn näytelmään kahdelle näyttelijälle. Elokuva kertoo Omahasta Nebraskan asianajajasta Jerry Ryanista ( Robert Mitchum ), joka muuttaa New Yorkiin paenessa vaimoaan vaimonsa kanssa . New Yorkissa Ryan rakastuu yllättäen Bronxin ammattitanssijaan Gittel Moscaan ( Shirley MacLaine ). Heidän välilleen syttyy romanssi, mutta erot temperamentissa, sosiaalisessa asemassa ja elämäntyylissä vaikeuttavat jatkuvasti heidän suhdettaan. Kun Ryan lopulta saa avioeron, hän uskaltaa kertoa siitä Gittelille, koska hän tuntee edelleen yhteyden entiseen vaimoonsa. Huolimatta siitä, että he ovat mahtavia toisilleen, molemmat ymmärtävät, että jatkosuhde ei tuo heille onnea, ja sen seurauksena Ryan palaa entisen vaimonsa luo [103] . Nykyelokuvahistorioitsija Craig Butlerin mukaan elokuva kärsii monista ongelmista, jotka liittyvät kahden näyttelijän teatteriesityksen tuomiseen valkokankaalle: vaikuttaa liian kaavamaiselta ja laskelmoidulta. Jopa näyttelijäteksti kärsii, koska kameran visuaalinen intensiteetti antaa katsojalle sellaista tietoa, jota hän ei saa kohtauksesta, ja siksi tekstistä tulee liian ilmeikäs, luonnoton tai ankara." Elokuva "kärsii kaikista näistä ongelmista, vaikka sen lopulta vapauttaa itse tarinan lämpö ja vetovoima sekä McLainin suloinen, haavoittuva näyttelijätyö...Vaikka Robert Wisen ohjaus on vakaa ja rauhallinen, se ei pysty täysin voittamaan keinotekoisuutta joka heikentää tätä elokuvaa." elokuva" [104] . Kuten elokuvahistorioitsija Elino Queen kirjoitti: ”Elokuva sai ristiriitaisia arvosteluja. Vaikka useimmat kriitikot olivat tyytyväisiä McLainin suoritukseen, arviot Mitchamin esityksestä eivät olleet yhtä myönteisiä. Elokuva sai kuitenkin kaksi Oscar-ehdokkuutta parhaasta alkuperäiskappaleesta ja parhaasta kuvaustyöstä .

Täyttääkseen sopimuksensa Metro-Goldwyn-Mayerin kanssa Wise päätti ohjata "pelottavan pienen yliluonnollisen tarinan" nimeltä The Haunting of Hill House (1963) (vaihtoehtoisesti käännettynä "Devil's Lair"), joka perustuu Shirleyn bestseller-romaaniin Jackson. [8] . Elokuva kertoo tarinan siitä, kuinka kuuluisa okkultismista kiinnostunut antropologi ( Richard Johnson ) päättää tutkia kuuluisaa kartanoa, jolla on pitkä historia selittämättömistä fyysisistä ilmiöistä. Osallistuakseen tutkimukseen hän kutsuu kartanon tulevan perillisen Luke Sandersonin ( Russ Tamblyn ) sekä kaksi vapaaehtoista avustajaa - Eleanor Vancen ( Julie Harris ) ja Theodoran ( Claire Bloom ), jolla on epätavallinen ekstrasensorinen herkkyys . Tapahtumat kehittyvät pääasiassa talon sisällä, ja ne osoittavat kartanon tapahtumien pelottavan yliluonnollisen olemuksen [106] . Kuvaukset tapahtuivat Isossa- Britanniassa brittiläisten näyttelijöiden kanssa. Stratford-upon-Avonin lähellä sijaitseva kartano valittiin ulkokuvaamiseen, kun taas brittiläisessä MGM -studiossa rakennettiin runsaasti sisustetut sisätilat sisäkuvauksiin . Wise valitsi maalauksen mustavalkoisena, koska hänen mielestään se vahvistaisi tarinan synkkää psykologista puolta. Kuten elokuvahistorioitsija Andrea Passafiume huomauttaa, Wise käytti jokaista tilaisuutta hyväkseen parantaakseen psykologisen kauhun aavemaista ilmapiiriä. Rajoitetulla budjetilla työskentelevä Wise loi jäähdyttävän tunnelman erittäin hienovaraisesti käyttämällä mielenkiintoisia kamerakulmia, kontrastisia mustavalkovalokuvauksia, joihin hän tilasi erityiset kokeelliset objektiivit, ja visuaalisesti silmiinpistäviä sarjoja. Hän myös lähestyi elokuvassa hienovaraisesti lesbo-teemaa uskoen , että Theon ja Eleanorin välinen seksuaalinen jännitys lisäisi mielenkiintoisen kerroksen tähän psykologiseen draamaan. Kuten Passafiume kirjoittaa edelleen, "kaikki tiimin jäsenet nauttivat työskentelystä Wisen kanssa, jolla oli vuosien mittaan rakennettu maine vahvana ohjaajana, jolla oli hyvä intuitio ja täydellinen itsekkyyden puute." Elokuva julkaistiin syyskuussa 1963, "pelottaen kuoliaaksi yleisön, joka uskalsi tulla teattereihin". Passafiumen mukaan tuloksena oli "syvästi muotoiltu elokuva, joka asetti uuden standardin kauhugenrelle ja josta tuli nopeasti maamerkki elokuva kummitustalon alalajissa " [107] . Elokuva sai julkaisun jälkeen ristiriitaisia arvosteluja kriitikoilta. Erityisesti Bosley Krauser The New York Timesissa kirjoitti: "Ennen kuin tämä vanha kauhutarina saavuttaa ektoplasmisen finaalinsa, näet siinä kaiken, mikä on vanhanaikaisissa kauhuelokuvissa, paitsi päättelyn, jossa on ainakin jokin merkitys. On hienoa, kun Harrisin ja Bloomin hahmot käpertyvät huoneessa tässä pahaenteisessä, ekstravagantissa kartanossa, käpertyneenä yhteen pimeässä, kuunnellen pelottavia ääniä oven ulkopuolella ja odottaen halvaantuneessa kauhussa kuka tietää mitä. Se näyttää johtavan jonnekin, kun Richard Johnson jahtaa neiti Harrisia kierreportaita ylös, joka osoittaa hämmentäviä merkkejä hulluksi tulemisesta. Sillä on varmasti jokin merkitys, jokin symboliikka. Tämä on kuitenkin vain yksi temppu katsojan pelottamiseksi. Ja se on koko elokuvan pointti. Tämä elokuva näyttää tuottavan enemmän kananlihaa kuin siinä on järkeä, mikä on melko odottamatonta ja pettymys elokuvalle, jossa on kaksi sellaista näyttelijää, jotka ovat kauttaaltaan erittäin hyviä ja jonka on tuottanut ja ohjannut taitava Robert Wise . Variety - lehden arvostelussa todettiin: "Wisen ja hänen miehistönsä taitava kuvaustyö ei pysty täysin voittamaan käsikirjoituksen suuria puutteita. Hienosäätämällä katsojan tieteellisten johtopäätösten odotuksiin henkisten ilmiöiden alalla, elokuva menee täysin puolimieliseen melodramaattiseen huippukohtaan. Kuva on erinomainen puhtaasti elokuvamaisesti, ja siinä on poikkeuksellista taitoa luoda visuaalista jännitystä ja kuvia lähestyvästä kauhusta. Itse talo toimii hirviömäisenä persoonallisuutena, ja siitä tulee ehdottomasti elokuvan tähti. Harmi vain, että kaikki tämä teoksen kekseliäisyys menee hukkaan kuvaruutuun, joka ei pysty tukemaan niin vahvaa taiteellista komponenttia . Nykyaikaiset elokuvakriitikot antavat elokuvalle yleensä korkean arvosanan. Erityisesti Dennis Schwartz kirjoitti: "Wise ohjaa tätä arvostettua kauhutrilleriä luoden uhkaavan klaustrofobisen ilmapiirin ja rakentaen talon paikaksi, jossa pahuus asuu. Tämä elokuva osaa herättää pelon kummittelevan talon tarinasta... Ehdottomasti upea kauhuelokuva, yksi genrensä parhaista, ja se välittää tehokkaasti väreet ja kunnioituksen, jota tarvitaan kauhun ystävien tarpeiden tyydyttämiseen . Tästä kuvasta Wise oli ehdolla Golden Globe -palkinnon saajaksi parhaana ohjaajana [111] .

Wise ohjasi seuraavan elokuvansa The Sound of Music (1966), joka perustuu Richard Rodgersin ja Oscar Hammerstein II :n samannimiseen musikaaliin , joka debytoi Broadwaylla vuonna 1959 suurella kaupallisella menestyksellä . Musikaalin tarina on otettu Maria Augusta von Trappin vuoden 1949 omaelämäkerrasta The History of the Trapp Singing Family. Ostattuaan kirjan elokuvaoikeudet Paramount Pictures otti Vincent Jay Donahuen puoleen ohjaamaan elokuvan pääosassa Audrey Hepburn , mutta hän päätti ottaa teatterituotannon . The Washington Postin Adam Bernsteinin mukaan elokuvan tuotanto oli pitkään epävarmaa, sillä Broadway-musikaali, vaikka se olikin käynnissä pitkään, sai negatiivista lehdistöä. Erityisesti The New York Timesin teatterikriitikko Walter Kerr kirjoitti, että esitys oli "liian makea sanoille eikä yhtä makea musiikille" [6] . Vuonna 1960 Twentieth Century Fox osti elokuvaoikeudet 1,25 miljoonalla dollarilla, mikä oli suurin kirjallisesta materiaalista tuolloin maksettu summa. Samaan aikaan sopimuksessa määrättiin, että elokuvaa ei julkaista ennen kuin vuonna 1963, eli ennen kuin näytelmän ensimmäinen esitys on valmistunut Broadwaylla. Elokuvan ohjaamista tarjottiin ohjaaja William Wylerille , ja hänen kieltäytymisensä jälkeen lokakuussa 1963 Wise nimitettiin ohjaajaksi . Wise kieltäytyi alun perin tekemästä elokuvaa, mutta pääsi myöhemmin kompromissiin studion kanssa, jossa määrättiin hänen prosenttiosuutensa elokuvan voitoista sekä studiolta lupaus rahoittaa hänen elokuvansa Gunboat , joka pysähtyi budjettiongelmien vuoksi [113] . Broadwayn tuotantoon perustuen Wise ehdotti, että elokuvasta ei tehdä liian makeaa sentimentaalista tarinaa, poisti vähemmän tunnetut kappaleet ja lisäsi ääninäyttelijöitä parantaakseen semanttisia siirtymiä kohtausten välillä [114] . Hän myös muotoili uudelleen osan näytelmästä ja vapautti sen teatraalisuudesta ja aloitti kuvan helikopterikuvilla Itävallan Alppien näkymistä [6] .

Elokuva sijoittuu vuonna 1938 Salzburgiin , Itävaltaan . Luostari lähettää nuoren noviisiaattiehdokkaan Marian ( Julie Andrews ) leskeksi jääneen merikapteenin Georg Ludwig von Trappin ( Christopher Plummer ) kotiin hänen seitsemän lapsensa kasvatusneuvottelijaksi. Aluksi lapset kohtaavat hänet epäystävällisenä, mutta ystävällisen ja iloisen luonteensa ansiosta Maria tulee nopeasti lähelle lapsia ja tutustuttaa heidät laulamiseen. Governess itse rakastuu von Trappiin, joka on kihloissa varakkaan paronitarin kanssa, ja tämä vastaa Marylle. Ymmärtääkseen tilanteen paronitar vapauttaa kapteenin, jotta tämä voi olla Marian kanssa. Samaan aikaan Itävallasta tulee Anschlussin seurauksena osa natsi-Saksaa ja von Trapp otetaan asepalvelukseen. Koska hän ei halua palvella valtakuntaa , hän hakee lykkäystä sillä perusteella, että hänen on yhdessä von Trappovin perheen lauluyhtyeen kanssa osallistuttava Salzburgin musiikkijuhlille . Välittömästi esityksen jälkeen, odottamatta ensimmäistä palkintoa, von Trapp pakenee koko perheensä kanssa Sveitsiin . Elokuva kuvattiin Tirolin vuoristossa upeassa Todd-AO- värimuodossa . Kuten Bergan huomauttaa, "Rodgersin ja Hammersteinin laulut, vaikuttavien paikkojen käyttö Salzburgin ympäristössä ja Julie Andrewsin terve puhdas näyttelijäsuoritus auttoivat elokuvasta tulemaan rakastetuksi lipputuloksi" [8] .

Huolimatta laajasta suosiosta yleisön keskuudessa, kuva sai kuitenkin ristiriitaisia arvioita kriitikoilta, jotka uskoivat, että elokuva oli lavatuotannon tavoin liian "sokeri" ja banaali. Varsinkin tunnettu elokuvakriitikko Pauline Cale erotettiin McCall's- lehdestä , kun hän kutsui elokuvaa "lasitetuiksi valheiksi, joita ihmiset näyttävät haluavan kuluttaa", ja väitti, että elokuva manipuloi katsojaa emotionaalisesti "halvilla ja valmiilla vastauksilla" [112] . Bosley Crowser puolestaan totesi arvostelussaan The New York Timesissa: "Se tosiasia, että Broadway-musikaali kesti lavalla kolme ja puoli vuotta, huolimatta sen lavastetun kirjan ilmeisestä heikkoudesta, antoi tuottaja-ohjaaja Robert Wise uskaltaa ottaa sen, mikä teki hänestä suositun teatterissa, ja tehdä hänestä yhtä suositun valkokankaalla. Se on iloinen runsaus yksinkertaisia perhetunteita ja Rodgersin ja Hammersteinin musiikin melodista autuutta. Tämän tuloksena Wise on tehnyt upean täysvärielokuvan, joka on lähellä lavashown huolellista toistoa elokuvan aikakautta edeltäneeseen operettirakenteeseen asti. Näin tehdessään Wise "käytti kameroitaan loimaan upeat kuvat Salzburgista ja sen ympäristöstä Itävallan Alpeilla. Wise on lavastaa kaiken kodikkaalla sentimentaalisella tyylillä, jonka teatteriihmiset tietävät vanhentuneeksi." Loppua kohden elokuva kärsii toistosta, mutta sen "tunteita siitä on runsaasti". Kuten Krauser päättelee: "Liiketoiminnan näkökulmasta Mr. Wise on kaikkea muuta kuin yksinkertainen" [115] . James Powers Hollywood Reporterista , joka kehui elokuvasta, kirjoitti: "Tämä 20th Century Fox -tapahtuma tulee olemaan kaikkien aikojen elokuvahitti, yksi kaikkien aikojen hienoimmista elokuvista. Se elvyttää uskosi elokuvaan ja uskosi humanismiin. Hän tekee sen tarttuvalla nokkeluudella, jatkuvalla iloisuudella, yksinkertaisella ja realistisella hengellisyydellä sekä sydänsurujen ja sydänsurujen romanssilla. Ensinnäkin meidän täytyy kiittää tuottaja-ohjaaja Wisea hänen vertaansa vailla olevasta taidosta elokuvan tekemisessä… Wise osoittaa tällä elokuvalla, että hän pystyy käsittelemään mitä tahansa ja tekemään sen erehtymättömällä kekseliäisyydellä… Elokuvassa on makua, jännitystä, sydäntä ja mieltä, mikä ensimmäinen paikka, jonka Wise sijoitti siihen" [116] .

Kuten Goering huomauttaa, The Sound of Music oli yksi historian eniten tuottavista elokuvista [113] . 6-7 miljoonan budjetin elokuva maksoi 8 miljoonaa. Siitä huolimatta kuvasta tuli lipputulon sensaatio, ja se ohitti aluksi jopa Tuulen viemää (1940) historian eniten tuottaneena elokuvana (myöhemmin Gone palasi kärkipaikan). Kuva kesti teattereissa yli vuoden, ja studio aikoi julkaista sen laajemmalle julkaisulle esitellen muissa paikallisissa paikoissa ja sisäänajoissa . New York Times pani merkille, että yleisö tulee katsomaan elokuvaa useita kertoja, joskus joka päivä, "terapiana". Vuodesta 2014 lähtien The Sound of Music oli historian viidenneksi tuottoisin elokuva, joka tuotti (inflaatiokorjattu) 2,3 miljardia dollaria maailmanlaajuisesti [112] . Elokuva voitti viisi " Oscaria " - parhaana elokuvana ja parhaana ohjaajana (Wise sai molemmat palkinnot), parhaasta editoinnista ja parhaasta musiikista. Se oli myös ehdolla viidelle muulle Oscarille kategorioissa paras naispääosa (Andrews), paras naissivuosa ( Peggy Wood ), paras taiteellinen ohjaus, paras kuvaustyö ja paras pukusuunnittelu." [112] . Elokuva voitti myös parhaan Golden Globen palkinnon. Komedia tai musikaali, ja Andrews voitti parhaan naispääosan palkinnon.Parhaana ohjaajana Wise oli ehdolla sekä Golden Globe -palkinnolla että Directors Guild of America -palkinnolla [117] .

Tämän kuvan jälkeen Wise pystyi aloittamaan "pitkän laivastoelokuvansa" The Gunboat (tunnetaan myös nimellä Sand Pebbles) (1966) [8] . Kuten Goering huomauttaa, Wise käsitteli The Sound of Musicia ohimenevänä elokuvana, jonka hän teki rauhoitellakseen studion johtoa ja varmistaakseen rahoituksen tämän monimutkaisemman elokuvan tuotantoon, joka oli pysähtynyt varojen puutteen vuoksi [118] . Elokuva sijoittuu vuonna 1926 Kiinan sisällissodan aikaan [119] . Jack Holman ( Steve McQueen ) on määrätty mekaanikkoksi amerikkalaisen tykkiveneen San Pabloon partioimaan Jangtse-joella . Itsenäisen luonteensa vuoksi Jack joutuu pian suhdeongelmiin sekä miehistön jäsenten että paikallisten kanssa. Hänen kollegansa ja ystävänsä Frenchy ( Richard Attenborough ) rakastuu kiinalaisnaiseen Mileyyn ( Emmanuelle Arsan ) ja pelastaa tämän Jackin avulla bordellista. Frenchy ja Miley menevät naimisiin, ja Jack aloittaa suhteen amerikkalaisen opettajan Shirleyn ( Candice Bergen ) kanssa, joka kuitenkin lähtee pian provinssiin työskentelemään uskonnollisessa lähetystyössä. Frenchy kuolee yhtäkkiä keuhkokuumeeseen , minkä jälkeen vihamielinen kiinalainen ryhmä tappaa Mileyn ja syyttää Jackia tämän murhasta. Raivostuneita kiinalaisia, jotka ovat valmiita hyökkäämään veneen kimppuun, voidaan pysäyttää vain konekiväärin tulen avulla. Kun sisällissodan taistelut lähestyvät tehtävää, tykkivene lähtee häntä pelastamaan. Jack onnistuu laittamaan Shirleyn lähtevään veneeseen, mutta hän itse kuolee verisessä taistelussa.

Tätä elokuvaa varten Wise onnistui kokoamaan erittäin vahvan joukkueen. Erityisesti hän oli erittäin tyytyväinen McQueenin esitykseen ja huomautti, että hän "ei ollut koskaan työskennellyt näyttelijän kanssa, joka tiesi niin hyvin työskentelevänsä hänelle". Valmistaessaan kohtausta McQueen ehdotti usein, kuinka hän voisi pelata sen, ja Wisen mukaan "hyvin usein hän oli oikeassa" [6] . Kuten elokuvahistorioitsija David Sterritt totesi: "Työskennellyt erinomaisen kuvaajan Joseph McDonaldin kanssa, joka kuvasi uudessa Panavision -järjestelmässä , ja yhtä lahjakkaan tuotantosuunnittelijan Boris Levenin kanssa, Wise vietti neljä vuotta (itse kuvaus kesti seitsemän kuukautta) ja vietti yli 6 vuotta. miljoonaa dollaria, mukaan lukien 650 000 McQueenin palkkiona ja 250 000 Hongkongissa rakennetusta tykkiveneestä , mikä tekee elokuvasta kolmen tunnin todella eeppisen spektaakkelin. Lopulta elokuva kaksinkertaisti budjettinsa, mutta ylitti kustannukset ja ansaitsi yli 30 miljoonaa dollaria .

Monet kriitikot pitivät elokuvasta [120] . Goeringin mukaan kriitikot ylistivät Tykkivenettä "eeppiseksi elokuvaksi, Vietnamin sodan vertauskuvaksi , jonka on ohjannut sodanvastainen ohjaaja ja joka kantaa siihen liittyvän viestin." [ 118] Se oli yksi ensimmäisistä Vietnamin sodan inspiroimista elokuvista, joita seurasivat Catch 22 (1970) ja Military Field Hospital (1970) [121] . Niinpä Bosley Crowser The New York Timesissa totesi, että "yleisö ei näe elokuvaa vain tarinana amerikkalaisesta tykkiveneestä Kiinassa vuonna 1926", vaikka tämä antaa myös "kiehtovan, eksoottisen ja monimutkaisen kuvan". Todennäköisimmin katsojat näkevät kuitenkin kuvassa "oudon viittauksen siihen, mitä Vietnamissa tapahtui ja tapahtuu ". Sen "graafinen ja metaforinen yhteys nykyiseen Kaukoidän ongelmaamme , elokuvalla on suuri merkitys ja vaikutus. "Tämä on synkkä ja hektinen elokuva", joka sijoittuu "kahasta miehistön kanssa veriseen jokisaarron murtamiseen". Hän vihjaa myös, että "yhdysvaltalaisten joukkojen käyttö etujemme ja kansalaistemme suojelemiseksi ulkomailla, erityisesti poliittisen turbulenssin edessä, on hedelmätöntä ja naurettavaa toimintaa". Kriitikon mukaan elokuva osoittaa myös, että "vanha alkeellinen käytäntö katsoa alaspäin 'alempiarvoista' rotua on ylimielistä, tekopyhää ja johtaa omahyväiseen kuolemaan" poissa kotoa. Kuten Krauser päättelee, "tämä on Wisen kauniisti ohjaama elokuva kauniilla väreillä", joka yhdistää "omituisen ja epätasaisen yrityksen sotaromaaniin" "voimakkaaseen ja ylivoimaiseen katastrofin räjähdykseen päämme yläpuolella." [ 122] Kuten Variety -lehdessä todetaan, "tuottaja-ohjaaja Robert Wise loi Kiinan vuoden 1926 poliittiseen ja sotilaalliseen myllerrykseen perustuen aistillisen, henkilökohtaisen draaman, joka sijoittui silloisen Yhdysvaltain laivaston tykkivenediplomatian taustalle ." Elokuva on "kauniisti ohjattu loistavilla näyttelijöillä". Arvostelijan mielestä se kuitenkin "kärsii ylivalotuksesta", minkä seurauksena "jokainen kohtaus on itsessään erillinen, dramaattinen kokonaisintensiteetti vähenee loppua kohden" [123] . Staffordin mukaan "kuva ei ole menettänyt merkitystään levottomassa maailmassamme" [120] .

Elokuva on saanut monia arvostettuja palkintoja. Vaikka elokuva ei voittanut yhtään Oscaria, se sai kahdeksan Oscar -ehdokkuutta kategorioissa paras elokuva (Wise), paras miespääosa (McQueen), paras miessivuosa ( Mako ) ja paras värikuvaus. , Paras taideohjaus, paras musiikki ja leikkaus. ja paras ääni. Attenborough voitti Golden Globe -palkinnon parhaasta miessivuosasta, ja elokuva sai vielä seitsemän Golden Globe -ehdokkuutta, mukaan lukien paras draamaelokuva, Wise parhaasta ohjauksesta ja McQueen parhaasta miespääosasta. Directors Guild of America nimitti Wisen heidän erinomaisesta ohjaajasaavuksestaan elokuvassa [120] [124] . Kuten Goering totesi: "Tämän elokuvan erinomaiset arvostelut merkitsivät Wisen viimeistä "luovaa huippua" hänen pitkän uransa aikana" [125] .

Kuten Adam Bernstein totesi, Wisen seuraava elokuva Tähti! (1968), "elämäkertakuva brittiläisestä teatterinäyttelijästä Gertrude Lawrencesta pääosassa Julie Andrews, oli Wise kriittinen ja lipputulojen epäonnistuminen" [6] . Berganin mukaan "Helppo kävelyn jälkeen kukkuloiden halki Andrews ja Wise, jotka olivat innokkaita työskentelemään jälleen yhdessä, kaatuivat tämän vanhentuneen elämäkertakuvan kanssa" [8] . Tämän kuvan toiminta alkaa vuonna 1940, kun Gertrude Lawrence (Andrews) katselee dokumenttia elämästään ja muistelee menneisyyttään. Toiminta siirtyy vuoteen 1915, kun hän lähtee kotoa esiintyäkseen isänsä kanssa halvassa musiikkihallissa Lontoon laitamilla . Hän onnistuu pääsemään André Charlot -teatterin ( Alan Oppenheimer ) ekstroihin West Endissä , jossa hänen halunsa erottua joukosta kiinnittää ohjaaja Jack Roperin ( John Collin ) huomion. Hän antaa hänelle päähenkilöiden alitutkijan roolin, ja pian Gertrude menee naimisiin hänen kanssaan. Raskauden aikana hän korvaa puuttuvan esitystähden saamalla yleisön innostuneen reaktion, minkä jälkeen käy selväksi, että hän on syntynyt näyttämölle. Tyttärensä Pamelan syntymän jälkeen Gertruden suhde Roperiin heikkenee, ja pian hän alkaa seurustella englantilaisen diplomaatin Anthony Spencerin ( Michael Craig ) kanssa, joka tekee hänestä naisen. Kun hänet erotettiin Charlot-teatterista poissaolojen vuoksi Spencerin seurassa, hänestä tulee maallisen yhteiskunnan kulta. Lapsuudenystävä, kuuluisa kirjailija ja teatterihahmo Noel Coward ( Daniel Massey ) suostuttelee hänet näyttelemään pääroolia uudessa tuotannossaan, jonka ansiosta Gertrudesta tulee tähti. Kun esitys siirtyy New Yorkiin, hän aloittaa suhteen näyttelijä Charles Frazieriin ( Robert Reed ) ja pörssivälittäjä Ben Mitchelliin ( Anthony Eisley ), mutta hänen kulutuksensa ajaa hänet pian konkurssin partaalle. Lopulta hän kuitenkin onnistuu maksamaan velkojansa ja säilyttämään lumoavan imagonsa. Vaikka hänen uransa teatterissa etenee nopeasti, hänen suhteensa Pamelan kanssa huononee, mikä johtaa hermoromahdukseen. Tavattuaan liikemies ja teatterituottajan Richard Aldrichin ( Richard Crenna ) hän hyväksyy tarjouksen näytellä hänen teatterissaan. Harjoituksessa heillä on konflikti, jonka jälkeen hän lähtee ja palaa Broadwaylle. Aldrich ilmestyy harjoituksiinsa, joissa hän ei kestä roolia. Hän kutsuu hänet ja Cowardin yökerhoon ja antaa hänelle käsityksen tämän roolin esittämisestä. Näytelmän menestyksen jälkeen Getruda menee naimisiin Alrichin kanssa . Elokuvahistorioitsija Frank Millerin mukaan Gertrude Lawrence oli "yksi 1900-luvun kauneimmista teatteritähdistä, ja hänen tarinansa tarjoaa täydellisen yhdistelmän temperamenttisesta käytöksestä, romanttisista pakolaisista ja musiikillisista hitteistä". Kuten kriitikko edelleen huomauttaa, elokuva tehtiin suuressa mittakaavassa aikansa kalleimpien musikaalien tasolla. Erityisesti arvostettu suunnittelija Donald Brooks loi elokuvaan 3 040 asua, joista 125 Andrewsille, joka on eniten pukuja yhdelle näyttelijälle missään elokuvassa. Elokuva kuvattiin 14 paikassa ympäri maailmaa, ja Boris Leven loi 185 studiolavastetta yhdeksässä Fox -elokuvasarjassa " [127] .

Kriitikot ottivat kuvan kuitenkin hyvin hillitysti. Varietyn arvostelussa todettiin erityisesti, että Julie Andrewsin esitys "löystyy toisinaan musiikkinumeroiden välillä, mutta näyttelijät ja upea teknikot ovat auttaneet tekemään nautinnollisen kunnianosoituksen yhdelle teatterin arvostetuimmista tähdistä. Elokuva tarjoaa kiehtovan esityksen Lawrencen vaikuttavasta noususta show-liiketoiminnan tähteeksi sekä huolellisesti laaditun taustan menneeseen aikakauteen . Renata Adler kirjoitti The New York Timesissa, että "Julie Andrews ei ole niin erinomainen tällä kertaa (kuin The Sound of Musicissa). Hänen erityisen söpön ja viattoman imagonsa välillä on ristiriitaa" ja tapa, jolla elokuva esittää hänen hahmonsa "Neiti Lawrencena, joka on kuvattu jonkinlaisena hirviönä ilman kiiltoa, charmia tai nokkeluutta, joka antaisi hänen kunnianhimolleen tyylin. ..Ihmiset, jotka pitävät vanhanaikaisista musikaaleista, saavat kuvasta tyytyväisyyttä. Samoin ne, jotka rakastavat Julie Andrewsia. Mutta ihmisten, jotka rakastivat Gertrude Lawrencea, oli parempi pysyä levykokoelmiensa ja muistelmiensa parissa . Nykyajan kriitikko Hal Ericksonin mukaan "Elokuva hyppää edestakaisin ajoittain yhdistäen hyppyjä erityisesti valmistettuun uutismateriaaliin. Elokuva on erittäin pitkä, vaikka musiikilliset numerot ovat loistavia. Kuten kriitikko edelleen kirjoittaa, ”Lawrence oli temperamenttinen, sarkastinen, maanläheinen ja toisinaan itsetuhoinen, ja Andrews on ilo tässä roolissa. Valitettavasti Andrewsin fanit, jotka odottivat jatkoa The Sound of Musicille, hylkäsivät hänet välittömästi hänen uudessa kuvassaan, ja elokuvasta tuli valtava kaupallinen epäonnistuminen" [130] . Kuten Miller huomauttaa, "nuorempi yleisö, jonka merkitys oli tulossa yhä tärkeämmäksi, ei ollut kiinnostunut elokuvasta." Studio yritti houkutella nuoria tekemällä julkisuuskuvan Andrewsista moottoripyörällä, mutta mikään ei toiminut. Wisen ohjauksessa kuvaa lyhennettiin 20 minuutilla 174 minuuttiin [127] ja se julkaistiin uudelleen uudella nimellä These Were the Jolly Times (1969). Millerin mukaan "elokuva jäi kuitenkin taloudelliseksi katastrofiksi, vaikka se sai lopulta uskollisen kultin" [130] . Lopulta elokuva, joka maksoi 14 miljoonaa dollaria, toi Yhdysvalloissa vain 2,4 miljoonaa dollaria, ja kansainvälinen myynti nosti kokonaissumman vain 10 miljoonaan dollariin [127] . Syy kuvan epäonnistumiseen lipputuloissa oli Goeringin mukaan se, että "Andrews otettiin rooliin hänen tyyppinsä vastaisesti, mutta Wise ohjaajana otti vastuun elokuvan puutteista" [131] . Wise piti elokuvaa suurimmana pettymyksensä ja sanoi, että "ihmiset näkivät Julie Andrewsin The Sound of Musicissa, jossa kaikki oli suloista ja mukavaa, eivätkä halunneet nähdä häntä tyttönä, joka nukkui kaikkien kanssa ja vietti jonkinlaista kovaa elämää. " [6] .

Huolimatta kaupallisesta epäonnistumisesta ja kylmästä painosta, elokuva oli ehdolla seitsemään Oscariin , mukaan lukien paras kuvaus, paras taiteellinen ohjaus, paras pukusuunnittelu ja paras musiikki. Näyttelijä Daniel Massey voitti Oscar-ehdokkuuden lisäksi myös Golden Globen parhaana miessivuosana [127] . Miller kirjoittaa edelleen: "Sen kaupallisen kuoleman ja yhden suuren budjetin Hollywood-musikaalin päättäneen elokuvan raskaan lehdistön jälkeen sen sitkeät fanit löysivät kuvan uudelleen... Kesti melkein 25 vuotta paljastaa sen monet hyveet. " [ 127]

1970-luku

Berganin mukaan Wise siirtyi itsepintaisesti Hollywoodin valtavirtaan loppuuransa ajaksi. Hän siirtyi Andromedan kannan (1971) tieteiskirjallisuudesta katastrofielokuvaan Hindenburg (1975) ja Alien's Daughterin (1977) okkultismiin . tieteiskirjallisuuteen Star Trek: The Movie -elokuvalla (1979), josta tuli Paramountin historian neljänneksi tuottoisin elokuva .

Wisen ensimmäinen teos 1970-luvulla oli scifi-trilleri The Andromeda Strain (1971) [132] . Elokuva perustuu suositun scifi-kirjailija Michael Crichtonin romaaniin , jonka elokuvaoikeudet Universal osti vuonna 1969 350 000 dollarilla . Elokuvan tuotti ja ohjasi Robert Wise, joka teki käsikirjoitukseen joitakin muutoksia romaaniin verrattuna, erityisesti esitteli naishahmon yhden miestieteilijän sijaan [133] . Elokuva alkaa, kun salainen amerikkalainen avaruussatelliitti, joka laukaistiin keräämään vieraita mikro-organismeja, epäonnistuu ja kaatuu Piemonten kaupungissa New Mexicossa tappaen kaikki kaupungin asukkaat vauvaa ja humalassa olevaa kaupunkia lukuun ottamatta. Tragedian paikalla tutkijat toteavat, että ihmisten kuolinsyy on maan ulkopuolinen alkuperä. Tapahtumien syiden selvittämiseksi viranomaiset kokoavat nopeasti neljän johtavan tiedemiehen ryhmän, jotka viedään autiomaahan Nevadaan sijoitetaan syvälle maan alle piilotettuun laboratorioon, joka on varustettu moderneimmilla laitteilla. Tiedemiesten on selvitettävä kaupungin asukkaat tappaneen tappavan mikro-organismin ydin ja löydettävä tapa käsitellä sitä. Tutkimukset osoittavat, että tutkijat ovat kohdanneet aiemmin tuntemattoman elämänmuodon - uusiutuvia ja nopeasti mutatoituvia kiteitä, jotka käyttävät mitä tahansa energiaa, joka vaikuttaa niihin kasvamiseen. Kannan nopean leviämisen uhan vuoksi Maan ilmakehässä tutkijoiden on löydettävä ratkaisu mahdollisimman pian. Neljäntenä päivänä, kun he saavat selville, että kanta leviää veren välityksellä, jolla on tietyt ominaisuudet, se karkaa käsistä ja alkaa tunkeutua kaikkiin laboratorion solmuihin. Hätätilanteessa käynnistetään automaattisesti aseman itsetuhojärjestelmä ydinräjähdyksen avulla. Ymmärtäessään, että tällainen räjähdys johtaa paineen hallitsemattomaan leviämiseen planeetalla, tutkijat onnistuvat sammuttamaan itsetuhotilan viime hetkellä. He löytävät pian tavan neutraloida rasitus ja estää ihmiskunnalle uhkaavan tappavan uhan valtameriveden avulla [134] . Kuten elokuvahistorioitsija Felicia Fister huomauttaa, on kiinnitetty erityistä huomiota laboratorion luomiseen, jonka hienostunut, virtaviivainen muotoilu muistuttaa Stanley Kubrickin elokuvan 2001 : A Space Odyssey (1968) sisätiloja ja sijoittaa elokuvan sci-fi-maailmaan. epävarma tulevaisuus. Fisterin mukaan "Se ajaton tunne kuitenkin murtuu kohtauksessa, kun yksi tiedemiehistä kutsutaan ulos talosta keskellä yötä ja hänen vaimonsa vitsailee, että hän on menossa hippirakkausbileisiin . Tällaiset ajoitusyksityiskohdat sekä ilmeinen vainoharhaisuus ydinaseiden vaaroista ja biologisten aseiden nousevasta uhasta osoittavat, että tämä on 1970-luvun tieteiskirjallisuutta, aivan kuten alien-tunkeutujien laumat ilmaisivat julkista pelkoa kommunistia kohtaan. hyökkäys 1950-luvun elokuvissa." Kuten Fister huomauttaa, "Vaikka elokuva todellakin näyttää teknologisesti vanhentuneelta nykyaikaisten tieteiskirjallisuuden standardien mukaan, yksin tiedelaboratorion rakentaminen maksoi 300 000 dollaria, mikä oli ilmiömäinen kustannus siihen aikaan." Fisterin mukaan vieläkin järkyttävämpää oli G-luokitus , joka salli elokuvan näyttämisen ilman ikärajoituksia huolimatta siitä, että "elokuva sisältää lyhyitä alastomuuden hetkiä ja joitain aavemaisia yksityiskohtia organismien vaikutuksista ihmisen ruumiisiin" [ 135]

Elokuva oli merkittävä kaupallinen menestys. 6,5 miljoonan dollarin [133] budjetin elokuvan kotimainen teatteritulo ylitti 12 miljoonaa dollaria [136] . Kriitikoiden mielipiteet eivät kuitenkaan olleet niin myönteisiä [132] . Erityisesti Roger Greenspan NBU York Timesissa kritisoi elokuvaa ja kirjoitti, että "elokuvaversio ei parantanut Michael Crichtonin kauhistuttavaa romaania, lisäten siihen valtameren ja joitain leikkauksia". Kriitikon mukaan "romaani on täynnä puolitieteellistä tietoa, ja Wise säilyttää tämän Crichtonin menetelmän säälittävän positivismin siirtäen sen väistämättä näyttelijöille. Tämän seurauksena, harvoja poikkeuksia lukuun ottamatta, kuvien yksilöllistäminen ei ole psykologismista puhumattakaan." Lisäksi "tilanteen dramaattisuudesta huolimatta mitään erityisen jännittävää ei tapahdu". Ilman vahvoja inhimillisiä tunteita ja vahvaa näyttelemistä "päädymme draamaan, jossa ihmiset istuvat tiukasti tuoleissaan, kääntävät soittimien nuppeja ja katsovat televisiosta" [137] . Tunnettu elokuvakriitikko Roger Ebert katsoi, että "elokuva on tarpeeksi hyvä tieteiskirjalliseksi. Mielenkiintoisin tässä elokuvassa on tuotantosuunnittelu, joka näyttää jatkavan siitä mihin avaruusaseman sisätilat vuonna 2001: A Space Odyssey jäivät." Kuten kriitikko kirjoittaa edelleen, "löydämme itsemme sileän, loputtomasti kaarevan biomorfisen muovin maailmassa painikkeineen ja tietokonenäyttöineen." Ebertin mukaan tämä on jyrkässä ristiriidassa useimpien aikansa sci-fi-elokuvien kanssa, joiden ongelmana on sisätilojen epäaito, kun "meitä pyydetään uskomaan, että sankarit saavat vauhtia jossain Alpha Centaurin ulkopuolella , kun taas heidän ohjauspaneelinsa näyttää vuoden 1949 Studebakeriltä . A Space Odysseysta lähtien itseään kunnioittaville scifi-elokuville on tullut pakollista luoda uskottavia ympäristöjä, ja "tässä elokuvassa se on tehty aivan loistavasti ilmatiiviisti suljetun laboratorion muodossa viisi tasoa maan alla." Toisin kuin A Space Odyssey -elokuvassa tietokoneen tietty humanisointi, täällä ihmiset ovat päinvastoin enemmän kuin tietokoneita ja vaikeina hetkinä he käyttäytyvät toistensa kanssa kuin "persoonattomia koneita". Kuten Ebert tiivistää: ”Tarinatasolla tämä on upea näky, joka saa sinut murehtimaan siitä, voitko voittaa tämän oudon vieraan vihreän kristallin. Mutta kannattaa myös katsoa näitä ihmisiä ja näitä koneita." Yritä uppoutua tähän "automatisoituun, ilmastoituun muoviympäristöön keinovalaistuksella" ja kysy itseltäsi "liikkuuko ihmiskunta todella oikeaan suuntaan" [138] . Nykyaikaisen elokuvan historioitsija Lucia Bozzolan mukaan "Elokuvassa yhdistyvät ydinsodan pelot avaruusajan teknofobiaan ja 1970-luvun alun vainoharhaisuuteen... Kuvattu enimmäkseen monimutkaisissa sarjoissa epäselvien näyttelijöiden kanssa", elokuva osoittaa voiman ja tekniikan kiehtoo. Bozzolan sanojen mukaan se on "yksi ajanjakson monista hirveistä varoituskuvista liiallisen osallistumisen vaaroista ja mahdollisista pahantahtoisista hallituksen motiiveista", joka "herätti huomion virtaviivaisella, futuristisella ulkoasullaan ja keräsi Oscar-ehdokkuutta taiteen ohjauksesta ja editoinnista. " ] .

Melodraamasta " Two " (1973) tuli Universal Picturesin , Robert Wise Productionsin ja The Filmmakers Groupin yhteistuotanto , ja Wise toimi paitsi tuottajana myös ohjaajana. Elokuva kertoo New Yorkin huippumallista Deirdre McCluskeysta ( Lindsey Wagner ), joka Marrakeshissa valokuvauksen jälkeen matkustaa junalla Casablancaan , jossa hän tapaa yksinäisen nuoren miehen Evan Bonnerin ( Peter Fonda ), jonka hän tapasi sinä päivänä. ennen kahvilassa. Kun juna pysähtyy vian vuoksi, Deirdre ja Evan lähtevät kävelylle läheiseen kylään, jossa hän yrittää flirttailla Evanin kanssa, mutta tämä ei pääse lähelle. Myöhemmin Casablancasta Pariisiin lentokoneessa Evan tunnustaa hänelle, että hän karkasi armeijasta Vietnamissa , siirrettiin Moskovaan , missä hän vastusti aktiivisesti Amerikan sotaa Vietnamissa, sitten sai turvapaikan Ruotsista , josta hän muutti Marokko . Ymmärtääkseen sellaisen olemassaolon merkityksettömyyden ja väsyneenä vaeltelemiseen, hän päätti antautua Yhdysvaltain viranomaisille ja ilmestyä tuomioistuimen eteen. Ennen paluutaan Yhdysvaltoihin Deirdre ja Evan viettävät päivät ja yöt yhdessä Pariisissa. Aamulla hän tarjoutuu jäämään yhdessä Eurooppaan sanoen, että hänen tulonsa riittävät heidän kahden elatukseen, mutta hän kieltäytyy. Saapuessaan New Yorkiin Deirdre kutsuu jälleen Evanin jäämään luokseen, mutta päättänyt erota menneisyydestään Evan antautuu viranomaisille. Elokuva sai enimmäkseen negatiivista palautetta. Erityisesti elokuvakriitikko Roger Greenspan The New York Timesissa kutsui sitä "erittäin tyhmäksi elokuvaksi", joka on "huono kaikessa", ja pointti ei ole niinkään ohjaaja Wise, vaan kuvan keinotekoisuus ja toissijaisuus. [140] Roger Ebert kutsui kuvaa "katkeransuloiseksi, radikalisoituneeksi versioksi Love Storysta , mikä luultavasti sai ohjaaja Robert Wisen ryhtymään tähän projektiin. Elokuva on pinnallinen, kun se näyttää haluavan sanoa jotain sodan vaikutuksista sen osallistujiin. Se voi olla huomionarvoinen aihe, mutta ei tälle elokuvalle. "Saamme hirveän kiusallisen matkan banaalisuuteen" [141] . Kuten Goering kirjoitti, elokuva sai "huonoja arvosteluja" ja pysyi yhtenä Wisen vähiten nähdyistä elokuvista .

Vuonna 1975 Wise tuotti ja ohjasi katastrofielokuvan Hindenburg (1975) Universal Studiosilla. Kuvan toiminta alkaa natsi-Saksassa vuonna 1937. Kun huhut liikkuvat uhkaavasta sabotaasista Hindenburg Zeppeliniä vastaan , entinen Luftwaffen lentäjä eversti Franz Ritter ( George C. Scott ), joka on siirtynyt töihin sotilastiedusteluun, määrätään Hindenburgin turvallisuuspäälliköksi. Yhdysvaltoihin suuntautuvassa zeppeliinissä on useita kymmeniä matkustajia sekä miehistön jäseniä, joista monet saavat Ritterin epäluuloiseksi. Heidän joukossaan ovat hänen entinen romanttinen tyttöystävänsä ( Ann Bancroft ) ja juonitteleva liikemies ( Gig Young ) ja ihmisiä, joilla on poliittisia erimielisyyksiä natsihallinnon kanssa, sekä Gestapon agentti , jolla on omat tehtävänsä, ja lisäksi kaksi täysin mystistä ihmisiä ( Burgess Meredith , René Auberjonois ), joiden matkan tarkoitus on täysin käsittämätön. Käsiteltyään paljon vääriä johtolankoja, vihjeitä ja versioita, Ritter löytää katastrofin järjestäjät vasta aivan kuvan lopusta, mutta hän ei onnistu estämään zeppeliinin räjähdystä laskeutuessaan lentotukikohtaan Lakehurstissa . , USA [143] .

Kriitikot panivat elokuvan julkaisun jälkeen [144] . Erityisesti Roger Ebert Chicago Sun-Timesista piti kuvaa epäonnistuneena ja kirjoitti: ”Tämä elokuva on todellakin katastrofi. Miten muuten voit kuvailla maalausta, joka maksoi 12 miljoonaa dollaria ja saa ihmiset nauramaan ääneen joka kerta väärään aikaan?” [145] . Vincent Camby The New York Timesista kutsui kuvaa "mielittömäksi ja flippantiksi" ja "hiljaisen hauskaksi sopimattomina hetkinä". Ja silti, kuten kirjoittaja kirjoittaa: "En halunnut missata yhtäkään typerää kehystä. Rakastan katastrofielokuvia, jopa huonoja, erikoistehosteiden ja sen odotuksen vuoksi, että jotain puhkeaa. Kuten kriitikko kirjoittaa, Wise "teki tunnetusta teoriasta tapahtumista, jotka johtivat siihen, että ilmalaiva räjähti ja paloi laskeutuessaan Lakehurstiin, ehdottoman epätodennäköiseksi ". Hänen mielestään "elokuva on huomattavasti skitsoidisempi" kuin muut 1970-luvun alun suositut katastrofielokuvat, jotka olivat täyttä fiktiota. Sitä vastoin Hindenburg on "revitty tunnettujen tosiasioiden ja huonosti suunniteltujen fiktioiden välillä". Kuten Camby kirjoittaa, "jos otat pois viimeiset 10 minuuttia, joissa Wise kuvaa varsin tehokkaasti sekä itse katastrofin että varsinaisen yhden minuutin kronikan, saat "toisen tylsän elokuvan "ilmassa olevasta suuresta hotellista" ” [146] . Kuten nykyelokuvahistorioitsija Craig Butler on kirjoittanut, elokuva on "kuin todellinen zeppelin, iso ja paisunut, mutta erilainen siinä mielessä, että se ei koskaan lähde maasta, saati leijumasta ilmassa". Tuloksena on "ikävä, ikävä ja usein ärsyttävä tarina siitä, mikä olisi voinut johtaa aikakauteen katastrofiin", joka on "täynnä kliseitä, stereotypioita ja saippuaista melodraamaa". Siitä puuttuu pahoin "mielenkiintoisia hahmoja, uskottavia juonenkäänteitä, älykästä (tai yksinkertaisesti viihdyttävää) dialogia, jännitystä ja dynamiikkaa. Vaikka elokuva on hieman yli kaksi tuntia pitkä, Robert Wisen ohjaamana, se tuntuu paljon pidemmältä." Samalla Butler panee merkille myös kuvan positiiviset puolet, erityisesti laivan sisätilojen huolellisen uudelleen luomisen ja esittelyn zeppeliinin toiminnasta. "Lisäksi visuaalit ovat loistavia, lavasteet ja puvut erittäin vaikuttavia", ja myös kuvaus on upeaa. Myöskään näyttelijöistä ei ole mitään pahaa sanottavaa, mutta "edes Scottin ja Bancroftin kaltaiset tähdet eivät voi puhaltaa tarpeeksi elämää käsikirjoitukseen. Kaikki nämä plussat eivät tee elokuvasta hyvää, mutta vain estävät siitä muodostumasta samaksi suureksi katastrofiksi, joka todella tapahtui . Kriittinen ja lipputulojen epäonnistumisesta huolimatta elokuva [ 5] voitti Oscarit parhaista visuaalisista tehosteista ja valoista sekä Oscar-ehdokkuudesta parhaasta kuvaustyöstä, parhaasta taiteellisesta ohjauksesta ja parhaasta äänestä .

Wisen seuraava elokuva oli reinkarnaatiotrilleri Alien's Daughter (1977), jossa hän työskenteli tuottajana ja ohjaajana [150] . Elokuva kertoo vauraasta Templetonin perheestä, joka tapaa eräänä päivänä salaperäisen muukalaisen Elliot Hooverin ( Anthony Hopkins ), joka vainoaa heitä. Hän väittää, että Ivy, Templetonien 11-vuotias tytär, on hänen tyttärensä Audrey Rosen reinkarnaatio, joka kuoli auto-onnettomuudessa hetkiä ennen Ivyn syntymää. Muutamaa päivää myöhemmin Ivy alkaa nähdä selittämätöntä painajaista, jonka pysäyttää Elliotin odottamaton ilmestyminen, joka sitten vie tytön huomaamattomasti vuokraamaansa asuntoon alla olevasta kerroksessa. Poliisi löytää heidät nopeasti, ja Elliot saatetaan syytteeseen lapsikaappauksesta. Asiantuntijaksi hoviin kutsutaan hindumunkki, joka esittelee reinkarnaatioteorian, jonka pohjalle Elliotin lausunnot rakentuvat. Oikeudenkäynnin tauon aikana äiti kirjautuu väliaikaisesti Ivyn luo hotelliin, jossa hän kuulee yöllä Ivyn viittaavan Audrey Rosen useaan otteeseen kylpyhuoneessa peilin edessä. Jatkossa vanhemmat pyytävät tuomioistuimelta lupaa käyttää hypnoosia todistaakseen, ettei Ivy ole Audrey Rosen reinkarnaatio. Hypnoosijakson ratkaisevalla hetkellä Ivy muistaa auto-onnettomuuden, jonka jälkeen hän kiihtyy ja pyörtyy. Elliot ryntää huoneeseen pelastamaan tytön, mutta tämä kuolee hänen syliinsä. Jonkin aikaa myöhemmin vanhemmat myöntävät Elliotille lähettämässään kirjeessä, että Ivy oli Audreyn reinkarnaatio.

Elokuvan julkaisun jälkeen kriitikkojen arviot jakautuivat suunnilleen tasan - jotkut moittivat häntä, kun taas toiset ylistivät häntä. Ja, kirjoittaa elokuvahistorioitsija Eleanor Queen: "Jopa lähes 25 vuotta myöhemmin, kriitikkojen on vaikea päättää, oliko Outo tytär Wisen voitto vai epäonnistuminen." Tietenkin elokuvalla oli sen julkaisuhetkellä vahvoja kilpailijoita - The Exorcist (1973) tai The Omen (1976). Kuitenkin, kuten Quinn huomauttaa, toisin kuin noissa elokuvissa, "Wisen tarkoituksena ei ollut järkyttää kuulijoitaan; Sen sijaan hän kutsui heidät tutkimaan tuntemattoman pimeää puolta." Wisen itsensä kuvauksen aikana sanoin: "En usko, että tulemme todistamaan reinkarnaatiota tässä kuvassa, mutta olen erittäin avoin kaikelle, joka liittyy yliluonnollisen, paranormaalin ja muun mahdollisuuteen. mitat." [ 151] Vincent Camby New York Timesista antoi elokuvalle negatiivisen arvion elokuvan julkaisun jälkeen ja kirjoitti, että "elokuvan sielu on The Exorcistin sielu välittömän uudelleenkäsittelyn jälkeen". Kuten kriitikko edelleen huomauttaa, "on erittäin surullista nähdä rahaa ja henkisiä resursseja tähän huijaukseen, täysin mielikuvitukselliseen materiaaliin." Samaan aikaan "Herra Wise ei tee mitään muuttaakseen sitä. Sen sijaan hän täyttää jokaisen käsikirjoituskliseensä jollakin omalla tavallaan ja onnistuu jopa kuvaamaan huippukohtauksen oikeussalissa ilman jännitystä . Kuten elokuvahistorioitsija Craig Butler myöhemmin kirjoitti, verrattuna The Exorcistiin, joka oli valtava menestys, tämä elokuva on "älyllisempi, hienovaraisempi esimerkki genrestä, josta tulee sekä siunaus että kirous hänelle." Kuten kriitikko kirjoittaa edelleen, "Robert Wise on kuvannut elokuvan suhteellisen hillitysti, mutta siinä on silti kohtuullisen osuutensa hyytäviä hetkiä. Työskennellen erittäin sanallisesta käsikirjoituksesta - joka hänen kunniakseen pysyen kauhun puitteissa yrittää rationaalisesti pohtia reinkarnaation käsitettä - Wise tekee tekstistä ovelasti kuvan arvokkuuden. Hänen huomionsa kohdistuu näyttelijöiden linjoihin, usein monologeihin, jotka luovat jännitystä. Loppujen lopuksi "käsikirjoituksen vaatimattomuus ja älyllinen kuivuus estää elokuvaa olemasta huippuluokan trilleri, joka se voisi olla, mutta se on silti arvokas vaihtoehto tunnetuille trillereille" [153] .

Kaksi vuotta myöhemmin Paramount Pictures kutsui Wisen ohjaamaan scifi-elokuvan Star Trek: The Movie (1979), joka on ensimmäinen pitkä elokuva, joka perustuu Gene Roddenberryn luomaan suosittuun Star Trek -televisiosarjaan (1966–1969) . Kuten American Film Instituten tiedoissa todettiin , NBC , joka omisti sarjan, ei arvioiden perusteella pitänyt sitä erityisen onnistuneena ja sulki sen lopulta vuonna 1969. Siitä huolimatta sarja kehitti suuren joukon omistautuneita faneja, ja vuodesta 1969 lähtien sarja saavutti suurta menestystä syndikaatiossa . Tämän seurauksena Roddenberry ehdotti vuonna 1974 Paramount Picturesille , että se tekisi sarjaan perustuvan elokuvan, aikoen myöhemmin tehdä useita elokuvia tai käynnistää päivitetyn televisiosarjan. Roddenberry kirjoitti käsikirjoituksen ensimmäisen luonnoksen, mutta studio hylkäsi sen ja aloitti itsenäisen käsikirjoittajien haun. Lopulta usean vuoden hedelmättömän etsinnän jälkeen Paramount päätti luopua elokuvan tekemisestä ja keskittyä remasteroituun sarjaan syndikaatiota varten. Star Wars (1977) ja Close Encounters of the Third Kind (1977) valtavan menestyksen jälkeen Paramount kuitenkin palasi odottamatta ajatukseen pitkästä elokuvasta. Keväällä 1978 studio ilmoitti virallisesti suunnitelmastaan tehdä 15 miljoonan dollarin elokuva, jonka ohjasi Robert Wise. Wise aloitti tarkentamalla hahmoja ja lopulta vakuutti Leonard Nimoyn palaamaan projektiin, ja lopulta säilytti kaikki elokuvan päänäyttelijät sekä monet alkuperäisen sarjan luovan tiimin jäsenet. Kuvaukset alkoivat elokuussa 1978 Paramount Studiosilla Hollywoodissa. Elokuvaan tehtiin uusia pukuja ja kalliita maisemia. Kymmenen sarjaa vallitsi eri avaruusalusten sisätiloissa studiossa, ja avaruusaluksen kapteenisillan luominen maksoi miljoona dollaria. Pääkuvaukset valmistuivat kaksi viikkoa myöhässä tammikuun 1979 lopussa. Kuvaa vaivasivat vaikeudet korkealaatuisten erikoistehosteiden luomisessa, ja sen seurauksena sopimus ASTRA :n kanssa , joka ei kyennyt saavuttamaan tarvittavia tuloksia, kun oli käyttänyt 5 miljoonaa dollaria, irtisanottiin. Hänet korvasi kokenut erikoistehostemestari Douglas Turnbull , joka teki kaiken työn uudelleen. Tämän seurauksena Los Angeles Times -lehden artikkelin mukaan elokuvan tekemiskustannukset ylittivät 42 miljoonaa dollaria, ja jotkut lähteet arvioivat 45 miljoonaksi dollariksi, mikä tekee siitä yhden aikansa kalleimmista elokuvista [154] .

Elokuva sijoittuu 23. vuosisadalle, useita vuosia Enterprise - avaruusaluksen palaamisen jälkeen. Aluksen kapteeni James Kirk ( William Shatner ) ylennetään amiraaliksi ja määrätään avaruuslaivaston päämajaan, kun taas itse laivassa tehdään syvällistä modernisointia. Kun avaruudesta kuitenkin ilmaantuu uhka Maata kohtaan, Kirk asetetaan jälleen laivan johtoon. Salaperäinen, planeetan kokoinen, valtavan voiman energiapilvi lähestyy maapalloa, joka pystyy tuhoamaan kaiken tiellään. Spockin (Leonard Nimoy), tohtori McCoyn ( DeForrest Kelly ) ja muun miehistönsä kanssa Kirk ohjaa Enterprisea energiapilven sisällä ja huomaa, että se on NASAn kauan kadoksissa ollut Voyager -avaruusluotain . Imeytettyään runsaasti tietoa universumista vuosisatoja vanhan matkansa aikana, laivasta tuli älykäs olento, joka kutsui itseään V'Geriksi, joka palasi etsimään luojaansa.

Elokuva saavutti huomattavaa kaupallista menestystä [5] . The Hollywood Reporterin mukaan 22. marraskuuta 1996 elokuva ansaitsi 82,3 miljoonaa dollaria pelkästään kotimaisista julkaisuista [154] . Kuitenkin The New York Timesin mukaan se sai kriitikoilta pettymyksen [5] . The Los Angeles Timesissa 10. joulukuuta 1979 ilmestyneessä arvostelussaan Charles Champlin kirjoitti osittain, että "Elokuva nojaa vahvasti erikoistehosteisiin, mutta siitä puuttuu Star Warsin toimintaa ja tunteita sekä A Space Odysseyn mystiikkaa." ”, ja ”juoni itsessään ei ole tarpeeksi painava kahden tunnin elokuvaan” [154] . Suosittu elokuvakriitikko Leonard Maltin kutsui elokuvaa "hidasteeksi, sanattomaksi ja käytetyksi, joka on osittain pelastettu hämmästyttävien erikoistehosteiden ansiosta" [155] . Toisaalta Variety totesi arvostelussaan, että "tuottaja Roddenberry ja ohjaaja Wise ovat koonneet valtavan teknisen tiimin, jonka tuloksena on nykyaikaisin näyttöihme... Tämä trilleri sisältää kaikki ainekset, jotka voittivat fanien sydämet - se on myös filosofinen dilemma, jonka esittelee mielenhallinnan teema, avaruusaluksen ongelmat ja luotettava, ymmärtävä Kirk ja aina looginen Spock ja jännittynyt episodi juonenkäänteellä kuvan lopussa. Mutta elokuvan pääsalaisuus olivat Douglas Turnbullin kalliit tehosteet, "jonka hämmästyttävä taika oikeuttaa sen valtavan budjetin" [156] . Tämän seurauksena elokuva oli ehdolla kolmelle Oscarille - parhaasta taideohjauksesta, parhaasta musiikista ja parhaista visuaalisista tehosteista [154] . Kuvan kaupallinen menestys johti siihen, että vuosina 1982-1991 julkaistiin viisi muuta elokuvaa, ja vuosina 1987-1994 Star Trek: The Next Generation -sarja lähetettiin televisiossa . Vuonna 2001 Paramountin suostumuksella Wise editoi uudelleen joitain kuvan kohtauksia ja erikoistehosteita, ja myös korvasi osan materiaalista julkaisi kuvan uuden version DVD :llä [154] .

1980–2000

Star Trek: The Movie -elokuvan jälkeen Wise päätti jättää ohjauksen ja keskittyä vain tuotantoon . Vuonna 1986 Wise mainittiin rikosmelodraaman Wisdom (1986) vastaavana tuottajana. Sen kirjoitti ja ohjasi suosittu 23-vuotias näyttelijä Emilio Estevez , joka näytteli elokuvassa Demi Mooren kanssa . Wise viittasi The New York Timesin haastattelussa asemaansa elokuvassa "pääjohtajana" ja totesi, että hän otti tehtävän tuotantoyhtiö Gladden Entertainment Corporationin pyynnöstä Estevezin suostumuksella. Wisen mukaan hänen roolinsa elokuvassa oli enemmän kuin mentorin rooli: ”Olin kuvauspaikalla auttamaan häntä, kun hän halusi keskustella jostain tai halusi varmistaa, että hän valitsi oikean kuvakulman tai että se näyttää hyvältä. editointi, ovatko valitut kulmat riittävän kattavat kohtauksen. En koskaan puuttunut asiaan, kun hän järjesti kohtauksen. Mutta kun jokin vaivasi minua, otin hänet syrjään ja sanoin: "Ole varovainen tämän kanssa tai katso tätä huolellisesti, ole varovainen, mielestäni hän näyttää väärältä tässä kehyksessä." Keskustelimme lähinnä teknisistä asioista. Wise uskoi, että hän oli ensimmäinen veteraaniohjaajista, joka toimi mentorina ja välitti kokemuksensa uudelle elokuvantekijäsukupolvelle. Hänen mukaansa "Ehkä tämä toimii esimerkkinä muille kokeneille ohjaajille samoin. Mutta nuorten ohjaajien itsensä pitäisi haluta tämä. Tämä on tärkeintä" [157] .

Wisen viimeinen pitkä elokuva, jossa hän Berganin mukaan "valitettavasti suostui toimimaan ohjaajana", oli B - luokan rikosmelodraama-musikaali Rooftop War (1989) [8] . Elokuva sijoittuu Manhattanille , ja se muistuttaa läheisesti West Side Storyssa esitettyä ympäristöä . Elokuvan päähenkilö, hiljainen ja lempeä valkoinen teini T lähtee kotoa ja löytää suojaa vanhasta vesitornista, joka sijaitsee hylätyn kerrostalon katolla. Hänen ympärilleen kerääntyy joukko samanlaisia tyyppejä, mukaan lukien katugraffititaiteilija lempinimellä Squeak, jonka kanssa he elävät pääasiassa metalliromun keräämisellä ja pikkuvarkauksilla. Iltaisin kaverit kokoontuvat katolle "taistelemaan", eräänlaiseen kontaktittoman karaten ja tanssin sekoitukseen, jonka tarkoituksena on pakottaa vastustaja pois kentältä. Jonkin ajan kuluttua pieni huumekauppias Lobo perustaa oman crack -myymälän taloon, jossa T asuu . Lobo joutuu työskentelemään kauniin serkkunsa Elanan hyväksi, jonka kanssa T kehittää keskinäisiä tunteita. Squeakin murhan jälkeen konflikti toisaalta T:n ja hänen poikiensa ja toisaalta Lobon huumekauppiaiden välillä kärjistyy, mikä johtaa ratkaisevaan yhteenottoon, jossa T joutuu käyttämään "taistelutaitojaan" [158] . Tunnettu Chicago Sun-Times -elokuvakriitikko Roger Ebert piti elokuvaa "epärealistisena", "ennustettavana" ja "toissijaisena", epäonnistuneena yrityksenä tehdä kliseisestä musiikillisesta fantasiasta merkityksellinen tarina . Kuten Goering totesi, elokuva "meni lähes huomaamatta" [155] .

Vuonna 2000, 86-vuotiaana, Wise palasi ohjaamiseen jälleen ohjaten melodraaman Summer Storm (2000) kaapelitelevisioyhtiö Showtimelle . Vuoteen 1969 sijoittuva päähenkilö, tyytymätön juutalainen kaupan omistaja pikkukaupungissa New Yorkin osavaltion osavaltiossa ( Peter Falk ), joutuu olosuhteiden vuoksi adoptoimaan kodittoman mustan pojan kotiinsa. Aluksi heidän välilleen kehittyy vihamielisiä suhteita, jotka kuitenkin kehittyvät vähitellen vahvaksi ystävyydeksi sen jälkeen, kun käy ilmi, että molemmat heidän lähimmät ihmiset kuolivat sankarillisesti sodassa [6] [7] [160] . Kuten elokuvakriitikko Craig Butler totesi, vaikka Rod Serlingin vuonna 1969 kirjoittama erittäin vahva käsikirjoitus on "hieman vanhentunut", tämä ei johdu sen aiheuttamista sosiaalisista ongelmista. Samaan aikaan Wise luo kuvan tavanomaisella ammattitaidolla ja herkkyydellä koonnutaan erinomaisen näyttelijäjoukon [161] . Elokuva voitti Daytime Emmy -palkinnon erinomaisesta lastenelokuvasta .

Kun Wisen elokuvia alettiin julkaista DVD :llä , hän nauhoitti ääniselostuksia elokuviinsa The Sound of Music, House on Ghost Hill ja The Set-Up sekä valvoi selostuksia elokuville The Gunboat ja Administrative Power. Hän toimitti myös selostuksen Star Trek: The Movie on DVD -elokuvan ohjaajan leikkaukselle , joka sisälsi uudelleen leikattuja kohtauksia, uusia optisia tehosteita ja uutta äänen miksausta. Tämä oli Wisen viimeinen projekti [163] .

Luovuuden arviointi

Robert Wise oli arvostettu ohjaaja, joka saavutti työstään laajaa tunnustusta sekä ammatillisessa ympäristössä että lukuisten ihailijoiden keskuudessa. Kuten The New York Timesissa todettiin, "Wise oli tunnollinen ja rehellinen monien elokuvatyyppien mestari, jota monet hänen kollegansa arvostivat hänen kyvystään löytää tasapaino kaupan ja taiteen välillä, ammattitaidosta ja rauhallisuudestaan sekä auttamisesta. pyrkivät elokuvantekijät » [5] . Goeringin mukaan Wise "oli maine vahvana tuotantoeettisenä sekä säästäväisenä ohjaajana, jolla oli budjetti" [164] . Kuten Adam Bernstein toteaa The Washington Postissa: ”Saadakseen paremman käsityksen näyttelijän ammatista, Wise otti näyttelijätunteja elokuvauransa varhaisessa vaiheessa, ja hänen työtään ohjasi usein usko näyttelijän intuitioon. Tämän vuoksi hän ohjaajana ympäröi itsensä huippunäyttelijöillä, mukaan lukien William Holden , Paul Newman , Robert Ryan , Burt Lancaster , Susan Hayward ja Julie Harris .

Kuten The New York Times totesi, Wise "piteli itseään "sisällön, ei viestin ohjaajana, eikä pelännyt kokeilla." [5] " [6] Berganin sanoin "taitavasti siirtymällä genrestä toiseen, tyyliin tyyliin hän oli yksi Hollywoodin johtavista ohjaajista", kun taas Wise "suoritti sen ilman suurta johdonmukaisuutta tai henkilökohtaisen kosketuksen näyttämistä." [ 8] [5] Bernsteinin mukaan "hän hylkäsi niiden, hänen sanoin, "esoteeristen" kriitikkojen näkemykset, jotka uskoivat siihen silloin hänellä ei ole yhtä tyyliä, ja häntä haluttiin kutsua joko jännityksen kuninkaaksi, kuten Alfred Hitchcock , tai westernien mestariksi, kuten John Ford " [6] . Wise sanoi: "Jotkut omistautuneemmat kriitikot väittävät, ettei Robert Wisen tyyliä tai käsialaa ole. Vastaukseni tähän on, että olen yrittänyt hallita jokaisen genren missä tahansa elokuvallisessa tyylissä, jonka uskon sopivan kyseiselle genrelle. En suinkaan ottaisi The Sound of Musicia samalla lähestymistavalla kuin tein I Want to Live! "ja tämä selittää tyylien sekaannusta" [7] . Michael Apted , Directors Guild of America -järjestön presidentti , sanoi Wisen kuoleman jälkeen antamassaan lausunnossa, että "hänen omistautumisensa elokuva-ammatille ja hänen tietonsa siitä, mitä teemme ja miten teemme, oli erityinen lahja hänen ohjaajilleen". [7] .

Wise saavutti ensimmäisen elokuvallisen tunnustuksensa 1940-luvun alussa elokuvatoimittajana Orson Wellesin "aikakauden luoville" elokuville , kuten Citizen Kane ja The Magnificent Ambersons . Elokuvan kultakaudella 1940-luvulla Wise aloitti B-elokuvien ohjaamisen itse menestyksekkäästi RKO Picturesissa , minkä jälkeen hän teki merkittäviä elokuvia 1950- ja 1970-luvuilla [5] . Hän loi mainetta järjestäytyneenä ja virheettömänä käsityöläisenä ja työskenteli käytännössä kaikissa genreissä korkeasta draamasta romanttiseen komediaan, film noirista yliluonnollisia elokuviin [7] . Wise ohjasi kaikkiaan 39 elokuvaa, jotka vaihtelivat tieteiskirjallisuudesta (" The Day the Earth Stood Still ") ja vaikeista draamista ("Haluan elää!") sotatarinoihin (" Go Quiet, Go Deep ") ja westerneihin (" Ylistä pahaa miestä ") [9] .

The New York Timesin mukaan "Wisen ura nousi pilviin" West Side Storyn kanssa , joka on vuoden 1961 elokuvasovitus Broadway - musikaalista, josta hän voitti parhaan ohjauksen Oscarin koreografi Jerome Robbinsin kanssa . Hän sai toisen Oscarin tuottajana, kun elokuva valittiin parhaaksi elokuvaksi. Wise voitti kolmannen ja neljännen Oscar-palkinnon elokuvasta The Sound of Music , "ylenpalttisen sovituksen hittimusikaalista", jossa hänet valittiin jälleen parhaaksi ohjaajaksi ja parhaaksi tuottajaksi [5] . Chicago Sun-Times -lehden mukaan West Side Story ja The Sound of Music ovat "kaksi kaikkien aikojen eniten kriitikoiden ylistämää ja suosituinta musikaalia" [9] . Wisen elokuviin kuuluivat myös bisnesdraama Hallintovalta , nyrkkeilyelokuva Somebody Up There Loves Me , rodullisesti kierretty rikostarina Betting on Tomorrow ja kummitteleva tarina The Haunting of Hill House . Berganin mukaan Wisen "suurin vahvuus oli synkät, edulliset, mustavalkoiset realistiset draamat" [8] . Wise itse kutsui The Haunting of Hill House -elokuvaa suosikkielokuvikseensa sekä kuolemanrangaistusdraamaa I Want to Live!. Muita Wise-elokuvia, joita The New York Times uskoo katsojien katsovan edelleen innostuneesti, ovat kauhuelokuva Body Snatcher , The Set Up ja The Day the Earth Stood Still [ 5] .

Yhteiskunnallinen toiminta

Vuonna 1966 Wise liittyi elokuvataiteen ja tiedeakatemian johtokunnan jäseneksi , hänet valittiin neljä kertaa Akatemian varapresidentiksi ja vuosina 1985–1989 sen presidentti [165] [5] [9] [ 6] .

Wise toimi Directors Guild of America : n puheenjohtajana vuosina 1971-1975 . Hän perusti Guild Special Projects Committeen, jonka puheenjohtajana hän toimi vuosina 1976-2000 [166] [9] [6]

Wise oli myös American Film Instituten hallituksen jäsen ja sen tieteellisen tutkimuksen keskuksen [7] puheenjohtaja .

Wise oli elinikäinen liberaali hyväntekijä, joka auttoi hyväntekeväisyysjärjestöjä, kuten American Civil Liberties Unionia , ja perusti Robert E. Wise -säätiön rahoittamaan hankkeita Los Angelesissa .

Henkilökohtainen elämä

Robert Wise on ollut naimisissa kahdesti. Vuonna 1942 hän meni naimisiin näyttelijä Patricia Doylen [168] kanssa, joka jäi eläkkeelle näyttelemisestä avioliiton jälkeen. Vuosi avioliiton jälkeen parille syntyi poika Robert Allen, josta tuli myöhemmin apulaisoperaattori [169] . Patricia kuoli syöpään vuonna 1975 [144] [6] [7] .

Vuonna 1977 Wise meni naimisiin Millicent Franklinin kanssa, jolla oli pieni rooli elokuvassaan Star Trek: The Movie [ 170] . Tämä avioliitto kesti ohjaajan kuolemaan asti vuonna 2005. Ensimmäisestä avioliitostaan vaimonsa ja poikansa lisäksi Wisellä oli myös adoptoitu tytär Pamela Rosenberg ja tyttärentytär [5] [8] [6] [7] .

Kuolema

Robert Wise kuoli 14. syyskuuta 2005 UCLA Medical Centerissä 91-vuotiaana sydämen vajaatoimintaan [5] [6] [9] .

Perheystävän Lawrence Mirischin mukaan Wise oli kolme päivää ennen kuolemaansa iloinen ja iloinen 91-vuotissyntymäpäivänsä aikana, johon osallistui kaksi tusinaa läheistä ystävää [7] [9] .

Palkinnot ja ehdokkaat

Yli 50 vuotta kestäneen uransa aikana Wise on ollut seitsemän kertaa ehdolla Oscar -palkinnon saajaksi [9] . Yhteensä hän voitti neljä Oscaria - kahdesti ohjaajana ja kahdesti tuottajana - elokuvista West Side Story (1961) ja The Sound of Music (1965) [162] . Hän sai myös Oscar-ehdokkuuden editoinnistaan Orson Wellesin klassikossa Citizen Kane , hänen tuotantostaan I Want to Live! "(1958) ja tuottajana elokuvalle " Gunboat " (1966), joka oli ehdolla parhaaksi kuvaksi [9] .

Yhdeksän näyttelijää ja näyttelijää, jotka on ehdolla näyttelemisestä Wisen ohjaamissa elokuvissa, ovat Nina Foch , Susan Hayward , Rita Moreno , George Chakiris , Julie Andrews , Peggy Wood , Steve McQueen , Mako ja Daniel Massey . Heistä kolme - Hayward, Moreno ja Chakiris - voittivat tämän palkinnon [171] .

Wise on saanut joitakin amerikkalaisen elokuvateollisuuden arvostetuimmista palkinnoista. Vuonna 1966 Academy of Motion Picture Arts and Sciences myönsi myönsi hänelle D.W.:nGuild of America Directors, vuonna 1988Irving G. Thalberg -palkinnonWiselle American Film Instituten Lifetime Achievement Award -palkinnon [162] [ 5] [7] .

Kolme Wisen elokuvaa on sisällytetty American Film Instituten kaikkien aikojen 100 suurimman amerikkalaisen elokuvan listalle, mukaan lukien Citizen Kane sijalla 1, The Sound of Music sijalla 40 ja West Side Story sijalla 51. ] [172] .

Palkinto	vuosi	Kategoria	Elokuva	Tulos
Oscar	1942	Paras editointi	Kansalainen Kane	Nimitys
	1959	Paras ohjaaja	Haluan elää!	Nimitys
	1962	Paras elokuva	länsipuolen tarina	Voitto
	1962	Paras ohjaaja (jaettu Jerome Robbinsin kanssa )	länsipuolen tarina	Voitto
	1966	Paras elokuva	Musiikin ääniä	Voitto
	1966	Paras ohjaaja	Musiikin ääniä	Voitto
	1967	Paras elokuva	Tykkivene	Nimitys
	1967	Irving Thalberg -palkinto		Palkinto
Kultainen maapallo	1959	Paras ohjaaja	Haluan elää!	Nimitys
	1962	Paras ohjaaja (jaettu Jerome Robbinsin kanssa)	länsipuolen tarina	Nimitys
	1964	Paras ohjaaja	Talon haamu kukkulalla	Nimitys
	1966	Paras ohjaaja	Musiikin ääniä	Nimitys
	1967	Paras ohjaaja	Tykkivene	Nimitys
Cannesin elokuvafestivaali	1949	FIPRESCI-palkinto	perustaa	Voitto
Cannesin elokuvafestivaali	1949	Grand Prix	perustaa	Nimitys
Venetsian elokuvafestivaali	1954	Kultainen leijona	Hallinnollinen valta	Nimitys
Amerikan elokuvaohjaajien kilta	1955	Paras ohjaaja	Hallinnollinen valta	Nimitys
	1957	Paras ohjaaja	Joku tuolla ylhäällä rakastaa minua	Nimitys
	1959	Paras ohjaaja	Haluan elää!	Nimitys
	1962	Paras ohjaaja	länsipuolen tarina	Voitto
	1966	Paras ohjaaja	Musiikin ääniä	Voitto
	1967	Paras ohjaaja	Tykkivene	Nimitys
	1983	Killan kunniajäsen		Palkinto
	1984	Robert Aldrich Achievement Award		Palkinto
	1988	Elämäntyöpalkinto		Palkinto
	2001	Presidentin palkinto		Palkinto
American Film Institute	1998	Elämäntyöpalkinto		Palkinto
Hollywood Walk of Fame	1960	Walk of Famen tähti panoksesta elokuvateollisuudelle		Palkinto

Filmografia

vuosi	venäläinen nimi	alkuperäinen nimi	Studio	Missä ominaisuudessa osallistuit	Huomautuksia
1934	iloista avioeroa	Homo eronnut	RKO Radio Kuvia	Äänitehosteiden editori	Luottamuston
1934	Ihmisten intohimon taakka	Ihmisen orjuudesta	RKO Radio Kuvia	Äänitehosteiden editori	Luottamuston
1935	Sylinteri	silinteri	RKO Radio Kuvia	Äänitehosteiden editori	Luottamuston
1935	Ilmiantaja	Ilmoittaja	RKO Radio Kuvia	Äänitehosteiden editori	Luottamuston
1939	Tarina Vernonista ja Irene Castlesta	Tarina Vernonista ja Irene Castlesta	RKO Radio Kuvia	Toimittajan apulainen	Luottamuston
	yksinhuoltajaäiti	Kandidaatin äiti	RKO Radio Kuvia	Toimittaja
	Fifth Avenuen tyttö	5th Ave Girl	RKO Radio Kuvia	Toimittaja
	Notre Damen kellonsoittaja	Notre Damen kellonsoittaja	RKO Radio Kuvia	Toimittaja
1940	Rakas vaimoni	Suosikkivaimoni	RKO Radio Kuvia	Toimittaja
1940	Tanssityttö tanssi	Tanssi, tyttö, tanssi	RKO Radio Kuvia	Toimittaja
1941	Kansalainen Kane	Kansalainen Kane	RKO Radio Kuvia	Toimittaja
1941	Paholainen ja Daniel Webster	Paholainen ja Daniel Webster	RKO Radio Kuvia	Toimittaja
1942	Upeat Ambersonit	Upeat Ambersonit	RKO Radio Kuvia	Toimittaja	Myös lisäkohtausten ohjaaja (rekisteröimätön)
1942	seitsemän päivän loma	Seitsemän päivän loma	RKO Radio Kuvia	Toimittaja
1943	Bombardier	pommittaja	RKO Radio Kuvia	Toimittaja
	kaatunut varpunen	Pudonnut Sparrow	RKO Radio Kuvia	Toimittaja
	Rautamajuri	Rautamajuri	RKO Radio Kuvia	Toimittaja
1944	Tapaus Arabiassa	Toimintaa Arabiassa	RKO Radio Kuvia	Toinen näyttelijäohjaaja	Luottamuston
	Kissaihmisten kirous	Kissaihmisten kirous	RKO Radio Kuvia	Tuottaja
	Mademoiselle Fifi	Mademoiselle Fifi	RKO Radio Kuvia	Tuottaja
1945	ruumiinryöstäjä	The Body Snatcher	RKO Radio Kuvia	Tuottaja
1945	kuoleman peli	Peli kuolemasta	RKO Radio Kuvia	Tuottaja
1946	rikosoikeus	rikosoikeus	RKO Radio Kuvia	Tuottaja
1947	Syntynyt tappamaan	Syntynyt tappamaan	RKO Radio Kuvia	Tuottaja
1948	Verta kuussa	Veri Kuussa	RKO Radio Kuvia	Tuottaja
1948	Mysteeri Meksikossa	Mysteeri Meksikossa	RKO Radio Kuvia	Tuottaja
1949	perustaa	Asennus	RKO Radio Kuvia	Tuottaja
1950	Kolme salaisuutta	Kolme salaisuutta	Warner Bros.	Tuottaja
1950	Kaksi lännen lippua	Kaksi lippua lännessä	20th Century Fox	Tuottaja
1951	Päivä, jolloin maa pysähtyi	Päivä, jolloin maa pysähtyi	20th Century Fox	Tuottaja
1951	Talo Telegraph Hillillä	Talo Telegraph Hillillä	20th Century Fox	Tuottaja
1952	Jotain linnuille	Jotain linnuille	20th Century Fox	Tuottaja
1952	Kaupunki vankeudessa	Vangittu kaupunki	United Artists	Tuottaja
1953	Paluu paratiisiin	Paluu paratiisiin	United Artists	Tuottaja
	Niin iso	niin iso	Warner Bros.	Tuottaja
	Kohde - Gobi	Kohde Gobi	20th Century Fox	Tuottaja
	aavikon rotat	Aavikon rotat	20th Century Fox	Tuottaja
1954	Hallinnollinen valta	Executive-sviitti	Metro-Goldwyn-Mayer	Tuottaja
1956	Joku tuolla ylhäällä rakastaa minua	Joku tuolla ylhäällä pitää minusta	Metro-Goldwyn-Mayer	Tuottaja
	Ylistys huonolle miehelle	Kunnianosoitus pahalle miehelle	Metro-Goldwyn-Mayer	Tuottaja
	Elena Troyanskaya	Helena Troijalainen	Warner Bros.	Tuottaja
1957	Kunnes kelluvat	kunnes ne purjehtivat	Metro-Goldwyn-Mayer	Tuottaja
1957	Kauan odotettu yö	Tämä voi olla yö	Metro-Goldwyn-Mayer	Tuottaja
1958	Ole hiljaa, mene syvälle	Run Silent, Run Deep	United Artists	Tuottaja
1958	Haluan elää!	Haluan elää!	United Artists	Tuottaja
1959	Vedot huomiselle	Kertoimet huomista vastaan	HarBel Productions , United Artists	Ohjaaja, tuottaja
1961	länsipuolen tarina	Länsipuolen tarina	Mirisch Pictures , Seven Arts Productions , United Artists	Ohjaaja, tuottaja	Ohjannut yhdessä Jerome Robbinsin kanssa
1962	kaksi keinussa	Kaksi keinulle	United Artists	Tuottaja
1963	Talon haamu kukkulalla	Kummittelu	Argyle Enterprises , Metro-Goldwyn-Mayer	Ohjaaja, tuottaja	Rekisteröimättömänä tuottajana
1965	Musiikin ääniä	Musiikin ääni	Robert Wise Productions , Argyle Enterprises , 20th Century Fox	Ohjaaja, tuottaja
1966	Tykkivene	Hiekkakivet	Argyle-Solar Productions , 20th Century Fox	Ohjaaja, tuottaja
1968	Tähti!	Tähti!	20th Century Fox	Tuottaja
1970	Lapsivalmistaja	Vauvantekijä	Robert Wise Productions , National General Pictures	Vastaava tuottaja
1971	Kanta "Andromeda"	Andromeda-kanta	Universaalit kuvat	Ohjaaja, tuottaja
1973	Kaksi	kaksi henkilöä	Universaalit kuvat	Ohjaaja, tuottaja
1975	Hindenburg	Hindenburg	The Filmmakers Group , Universal Pictures	Ohjaaja, tuottaja	Rekisteröimättömänä tuottajana
1977	jonkun toisen tytär	Audrey Rose	United Artists	Tuottaja
1979	Star Trek: Elokuva	Star Trek: The Motion Picture	Paramount Pictures	Tuottaja
1986	Viisaus	Viisaus	Gladden Entertainment , 20th Century Fox	Vastaava tuottaja
1989	Katon sota	Katot	Koch Company, Mark/Jett Productions , New Visions Pictures	Tuottaja
1996	Idioottien perhe	Tyhmät	Imagine Entertainment , Savoy Pictures , Rank Organization	Näyttelijä
2000	kesän myrsky	Myrsky kesällä	Hallmark Entertainment , Showtime Original Pictures	Tuottaja	TV-elokuva

Muistiinpanot

↑ 1 2 Internet Movie Database (englanniksi) - 1990.
↑ 1 2 3 4 Robert Wise // Encyclopædia Britannica
↑ 1 2 3 4 Robert Wise // Brockhaus Encyclopedia (saksa) / Hrsg.: Bibliographisches Institut & FA Brockhaus , Wissen Media Verlag
↑ 1 2 Robert Wise // filmportal.de - 2005.
↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 Robert Wise, elokuvaohjaaja, kuolee 91 -vuotiaana . New York Times (15. syyskuuta 2005). Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 18. marraskuuta 2020.
↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 33 Bern 3643 _ _ _ Sound of Music , West Side Story Ohjaaja Robert Wise kuolee . Washington Post (16. syyskuuta 2005). Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 28. joulukuuta 2020.
↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 Dennis McLellan. Robert Wise, 91; Ohjaaja voitti Oscarit elokuvista "The Sound of Music" ja "West Side Story" (englanniksi) . Los Angeles Times (16. syyskuuta 2005). Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 4. joulukuuta 2020.
↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 35 36 43 43 36 _ _ _ _ _ _ _ _ _ Robert Wise, ahkera ja monipuolinen elokuvaohjaaja, jonka työt vaihtelivat scifistä ja kauhusta The Sound of Musiciin . The Guardian (16. syyskuuta 2005). Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 1. maaliskuuta 2021.
↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 The Associated Press. Robert Wise . Chicago Sun-Times (15. syyskuuta 2005). Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 16. toukokuuta 2021.
↑ Gehring, 2012 , s. 3.
↑ Gehring, 2012 , s. 6, 17.
↑ Gehring, 2012 , s. 17, 19.
↑ Gehring, 2012 , s. kaksikymmentä.
↑ 1 2 3 4 Gehring, 2012 , s. 28.
↑ Gehring, 2012 , s. 25.
↑ Gehring, 2012 , s. 29.30.
↑ Gehring, 2012 , s. kolmekymmentä.
↑ Gehring, 2012 , s. 32.
↑ Gehring, 2012 , s. 44.
↑ Gehring, 2012 , s. 51.
↑ Gehring, 2012 , s. 63,65.
↑ Gehring, 2012 , s. 65,66.
↑ Kissaihmisten kirous (1944). Historia, Synopsis . American Film Institute. Haettu: 23.11.2020.
↑ Bosley Crowther. Näyttö: Kissaihmisten kirous (englanniksi) . New York Times (4. maaliskuuta 1944). Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 10. lokakuuta 2020.
↑ Hal Erickson. Kissaihmisten kirous (1944). Tiivistelmä (englanniksi) . AllMovie. Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 15. maaliskuuta 2016.
↑ Gehring, 2012 , s. 71.
↑ Gehring, 2012 , s. 65.
↑ Gehring, 2012 , s. 86,88.
↑ Mademoiselle Fifi (1944). Tiivistelmä (englanniksi) . American Film Institute. Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 28. lokakuuta 2021.
↑ Roger Fristoe. Mademoiselle Fifi . Turner Classic Movies (7. joulukuuta 2007). Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 23. lokakuuta 2020.
↑ The Body Snatcher (1945). Tiivistelmä (englanniksi) . American Film Institute. Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 30. marraskuuta 2020.
↑ Bosley Crowther. Kaksi kevyttä nähtävyyttä ja toinen jäähdytin saapuvat Strandille, Gothamiin ja Rialtoon . New York Times (26. toukokuuta 1945). Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 30. marraskuuta 2020.
↑ Dennis Schwartz. Liian jumissa lukutaitoonsa ollakseen loistava elokuva, mutta The Body Snatcher -elokuvassa on jännitystä, kammottavaa, sujuvuutta ja uskottavuutta, mikä lupaa hyvää sen tarinankerronnalle. (englanniksi) . dennisschwartzreviews.com (22. heinäkuuta 2008). Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 24. marraskuuta 2020.
↑ Gehring, 2012 , s. 78.
↑ Hal Erickson. A Game of Death (1945). Yleiskatsaus (englanniksi) . AllMovie. Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 12. toukokuuta 2021.
↑ Craig Butler. A Game of Death (1945). Arvostelu (englanniksi) . AllMovie. Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 17. toukokuuta 2021.
↑ Gehring, 2012 , s. 119.
↑ Born to Kill (1947 ) . Aikalisä. Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 30. marraskuuta 2020.
↑ Dennis Schwartz. Mysteeri Meksikossa . dennisschwartzreviews.com (3. helmikuuta 2003). Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 30. marraskuuta 2020.
↑ Hal Erickson. Blood on the Moon (1948). Arvostelu (englanniksi) . AllMovie. Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 1. marraskuuta 2020.
↑ Rob Nixon. Blood on the Moon (1948). Artikkeli (englanniksi) . Turner Classic Movies (28. heinäkuuta 2003). Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 30. marraskuuta 2020.
↑ Gehring, 2012 , s. 128.
↑ Kriteerissä . _ TMP (30. maaliskuuta 1949). Haettu 23. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 6. lokakuuta 2020.
↑ Gehring, 2012 , s. 130,133.
↑ Gehring, 2012 , s. 126.
↑ Kokoonpano (1949). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu: 21.11.2020.
↑ Sean Axmaker. Two Flags West (1950). Artikkeli (englanniksi) . Turner Classic Movies (16. toukokuuta 2011). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 30. marraskuuta 2020.
↑ Gehring, 2012 , s. 137.
↑ Hal Erickson. Kolme salaisuutta (1950). Tiivistelmä (englanniksi) . AllMovie. Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 12. kesäkuuta 2021.
↑ Craig Butler. Kolme salaisuutta (1950). Arvostelu (englanniksi) . AllMovie. Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 6. kesäkuuta 2019.
↑ The House on Telegraph Hill (1951). Tiivistelmä (englanniksi) . American Film Institute. Haettu: 27.11.2020.
↑ Monipuolinen henkilökunta. Talo Telegraph Hillillä . Variety (31. joulukuuta 1950). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 15. lokakuuta 2021.
↑ The House on Telegraph Hill (1951). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu: 27.11.2020.
↑ 12 Gehring , 2012 , s. 142,143.
↑ 1 2 Päivä, jolloin maa pysähtyi (1951 ) . Tv-opas. Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 11. lokakuuta 2015.
↑ John M. Miller. Päivä, jolloin maa pysähtyi (1951). Artikkeli (englanniksi) (2006-09-09 julkaisija= Turner Classic Movies). Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 27. marraskuuta 2020.
↑ Gehring, 2012 , s. 149.150.
↑ Päivä, jolloin maa pysähtyi (1951). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 22. maaliskuuta 2016.
↑ Vankeudessa oleva kaupunki (1952). Historia, Synopsis . American Film Institute. Haettu: 27.11.2020.
↑ Monipuolinen henkilökunta. Arvostelu: 'The Captive City ' . Variety (31. joulukuuta 1951). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 20. kesäkuuta 2016.
↑ Bosley Crowther. Captive City, jossa toimittaja järkyttää kaupungin vedonvälitystä . The New York Times (27. maaliskuuta 1952). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 9. lokakuuta 2020.
↑ Gehring, 2012 , s. 153.
↑ Gehring, 2012 , s. 179, 181.
↑ Gehring, 2012 , s. 157.
↑ Hal Erickson. Kohde Gobi (1953). Tiivistelmä (englanniksi) . AllMovie. Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 6. kesäkuuta 2019.
↑ Aavikon rotat (1953). Tiivistelmä (englanniksi) . American Film Institute. Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 1. joulukuuta 2020.
↑ HHT The Desert Rags, Richard Burtonin ja Robert Newtonin kanssa, esitelty Mayfairissa . The New York Times (9. toukokuuta 1953). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 6. lokakuuta 2020.
↑ Aavikon rotat (1953). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu: 27.11.2020.
↑ Executive Suite (1954). Tiivistelmä (englanniksi) . American Film Institute. Haettu: 27.11.2020.
↑ 12 Mark Frankel . Executive-sviitti. Artikkeli (englanniksi) . Turner Classic Movies (28. heinäkuuta 2003). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 31. lokakuuta 2020.
↑ Bruce Eder. Executive-sviitti (1954). Arvostelu (englanniksi) . AllMovie. Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 14. joulukuuta 2018.
↑ Gehring, 2012 , s. 187.
↑ Executive Suite (1954). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 21. toukokuuta 2022.
↑ Dennis Schwartz. Tylsä historiallinen pukudraama . Ozus' World Movie Reviews (19. maaliskuuta 2012). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 20. lokakuuta 2020.
↑ Michael T. Toole. Tribute to a Bad Man (englanniksi) . Turner Classic Movies (30. lokakuuta 2002). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 2. joulukuuta 2020.
↑ Dennis Schwartz. Ansaitsee kiitosta näyttämällä cowboyn rankkaa arkea . Ozus' World Movie Reviews (24. tammikuuta 2008). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 22. tammikuuta 2021.
↑ Somebody Up There Likes Me (1956). Tiivistelmä (englanniksi) . American Film Institute. Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 3. joulukuuta 2017.
↑ Georgelle Cole. Joku ylhäällä pitää minusta . Turner Classic Movies (28. heinäkuuta 2003). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 29. lokakuuta 2020.
↑ Bosley Crowther. Graziano Fight Story näytetään State Paul Newman tähtenä rengasmestarina . New York Times (6. heinäkuuta 1956). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 27. syyskuuta 2020.
↑ Somebody Up There Likes Me (1956). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu: 27.11.2020.
↑ Hal Erickson. Kunnes purjehtivat (1957). Tiivistelmä (englanniksi) . AllMovie. Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 19. huhtikuuta 2021.
↑ Craig Butler. Kunnes purjehtivat (1957). Arvostelu (englanniksi) . AllMovie. Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 23. maaliskuuta 2020.
↑ Until They Sail (1957). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Käyttöönottopäivä: 15.2.2016.
↑ Dennis Schwartz. Jopa strassit näyttävät vääriltä, kun ne kimaltelevat . Ozus' World Movie Reviews (28. tammikuuta 2004). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 30. syyskuuta 2020.
↑ This Could Be the Night (1957). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu: 27.11.2020.
↑ 12 Rob Nixon . Run Silent, Run Deep (1958). Artikkeli (englanniksi) . Turner Classic Movies (28. heinäkuuta 2003). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 23. lokakuuta 2020.
↑ Bosley Crowther. Sukellusvene seikkailu; "Run Silent, Run Deep" alkaa Run Here Gable ja Lancaster elokuvassa Victoriassa (englanniksi) . New York Times (28. maaliskuuta 1958). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 29. kesäkuuta 2020.
↑ 12 Dennis Schwartz . Haluan elää! (englanniksi) . https://dennisschwartzreviews.com/+ (3. heinäkuuta 2006). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 30. lokakuuta 2020.
↑ 1 2 Jeff Stafford. Haluan elää! (1958). Artikkeli (englanniksi) . Turner Classic Movies (28. kesäkuuta 2004). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 28. lokakuuta 2020.
↑ 12 Gehring , 2012 , s. 200.
↑ Bosley Crowther. Susan Haywardin elävä esitys; Näyttelijä näytteli elokuvassa "Haluan elää" (englanniksi) . New York Times (19. marraskuuta 1958). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 6. lokakuuta 2020.
↑ Gehring, 2012 , s. 204.
↑ Haluan elää (1958). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu: 27.11.2020.
↑ Odds Against Tomorrow (1959). Tiivistelmä (englanniksi) . American Film Institute. Haettu: 27.11.2020.
↑ Monipuolinen henkilökunta. Odds vastaan huominen . Variety (31. joulukuuta 1958). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 8. elokuuta 2021.
↑ Bosley Crowther. Odds Against Tomorrow'; Rotuennakkoluulot Mars Pankin pidättäminen . The New York Times (16. lokakuuta 1959). Haettu 27. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 31. tammikuuta 2022.
↑ Odds Against Tomorrow (1959). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu: 27.11.2020.
↑ West Side Story . Internet Broadway -tietokanta. Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 22. toukokuuta 2022.
↑ 1 2 3 4 5 West Side Story (1961). Historia (englanniksi) . American Film Institute. Haettu: 3.12.2020.
↑ Bosley Crowther. "West Side Story" saapuu . New York Times (19. lokakuuta 1961). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 17. toukokuuta 2018.
↑ Whitney Williams. West Side Story (englanniksi) . Variety (27. syyskuuta 1961). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 15. helmikuuta 2019.
↑ James Powers. West Side Story (englanniksi) . The Hollywood Reporter (22. syyskuuta 1961). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 29. huhtikuuta 2019.
↑ Hal Erickson. Two For The Seesaw (1962). Tiivistelmä (englanniksi) . AllMovie. Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 6. elokuuta 2020.
↑ Craig Butler. Two For The Seesaw (1962). Arvostelu (englanniksi) . AllMovie. Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 24. tammikuuta 2022.
↑ Eleanor Quin. Kaksi Keinulle. Artikkeli (englanniksi) . Turner Classic Movies (28. heinäkuuta 2003). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 1. marraskuuta 2020.
↑ Jeff Stafford. Kummitus (1963) (englanniksi) . Turner Classic Movies (25. syyskuuta 2003). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 21. lokakuuta 2020.
↑ Andrea Passafium. Kameran takana - Kummitus . Turner Classic Movies (3. maaliskuuta 2014). Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 21. lokakuuta 2020.
↑ Bosley Crowther. Vanhanaikainen jäähdytin: Julie Harris ja Claire Bloom elokuvassa "Haunting " . New York Times (19. syyskuuta 1963). Käyttöönottopäivä: 2020-12-031. Arkistoitu 17. marraskuuta 2020.
↑ Monipuolinen henkilökunta. Kummitus . _ Variety (31. joulukuuta 1962). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 11. huhtikuuta 2020.
↑ Dennis Schwartz. Hän osaa pelästyttää kummitustalostaan . dennisschwartzreviews.com (30. lokakuuta 2006). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 25. lokakuuta 2020.
↑ Kummitus (1963). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu: 3.12.2020.
↑ 1 2 3 4 5 6 Musiikin ääni. Historia (englanniksi) . American Film Institute. Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 2. huhtikuuta 2022.
↑ 12 Gehring , 2012 , s. 233.
↑ Gehring, 2012 , s. 234.
↑ Bosley Crowther. The Sound of Music avautuu Rivolissa . New York Times (3. maaliskuuta 1965). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 3. joulukuuta 2020.
↑ James Powers. Musiikin Ääni . The Hollywood Reporter (1. maaliskuuta 1965). Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 16. marraskuuta 2020.
↑ The Sound of Music (1965). Palkinnot (englanniksi) . Internet Movie Daabase. Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 17. helmikuuta 2021.
↑ 12 Gehring , 2012 , s. 246.
↑ Gehring, 2012 , s. 253.
↑ 1 2 3 4 David Sterritt. Hiekkakivet . _ Turner Classic Movies (6. tammikuuta 2015). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 28. lokakuuta 2020.
↑ Gehring, 2012 , s. 255.
↑ Bosley Crowther. Juoksu Rivolissa : Kuvatarjousten oppitunti ulkomaisista yrityksistä . The New York Times (21. joulukuuta 1966). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 18. huhtikuuta 2019.
↑ Monipuolinen henkilökunta. Hiekkakivet . _ Variety (31. joulukuuta 1965). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 24. lokakuuta 2021.
↑ Hiekkakivet (1966). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 5. maaliskuuta 2016.
↑ Gehring, 2012 , s. 253,255.
↑ Tähti! (1958). Tiivistelmä (englanniksi) . American Film Institute. Haettu: 3.12.2020.
↑ 1 2 3 4 5 Frank Miller. Tähti! (1968). Artikkeli (englanniksi) . Turner Classic Movies (1. joulukuuta 2010). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 25. marraskuuta 2020.
↑ Monipuolinen henkilökunta. Tähti! (englanniksi) . Variety (31. joulukuuta 1967). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 26. tammikuuta 2021.
↑ Renata Adler. Näyttö: "Tähti!" Saapuu: Julie Andrews esiintyy elokuvassa Rivolissa . New York Times (23. lokakuuta 1968). Haettu 3. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 24. joulukuuta 2019.
↑ 12 Hal Erickson. Tähti! (1968). Arvostelu (englanniksi) . AllMovie (21. joulukuuta 1966). Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 17. toukokuuta 2021.
↑ Gehring, 2012 , s. 258.
↑ 12 Gehring , 2012 , s. 260.
↑ 1 2 3 Andromeda-kanta. Historia (englanniksi) . American Film Institute. Haettu: 8.12.2020.
↑ Andromeda-kanta. Tiivistelmä (englanniksi) . American Film Institute. Haettu: 8.12.2020.
↑ Felicia Feaster. Andromeda - kanta . Turner Classic Movies (21. toukokuuta 2003). Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 5. joulukuuta 2020.
↑ Andromeda-kanta (1971 ) . Numerot. Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 7. tammikuuta 2021.
↑ Roger Greenspun. Näyttö: Wisen 'Andromeda Strain ' . New York Times (22. maaliskuuta 1971). Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 29. maaliskuuta 2020.
↑ Roger Ebert. arvostelut. Andromeda - kanta . RogerEbert.com (9. huhtikuuta 1971). Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 26. marraskuuta 2020.
↑ Lucia Bozzola. The Andromeda Strain (1971). Arvostelu (englanniksi) . AllMovie. Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 11. tammikuuta 2021.
↑ Roger Greenspun. Näyttö: "Kaksi ihmistä" tai 8 tuntia tappaa Pariisissa: Peter Fonda on palaava erämaalainen . New York Times (19. maaliskuuta 1973). Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 23. heinäkuuta 2020.
↑ Roger Ebert. arvostelut. Kaksi ihmistä (englanniksi) . RogerEbert.com (7. toukokuuta 1973). Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 2. joulukuuta 2020.
↑ Gehring, 2012 , s. 263.
↑ Bruce Eder. Hindenburg (1975). Tiivistelmä (englanniksi) . AllMovie. Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 5. joulukuuta 2020.
↑ 12 Gehring , 2012 , s. 264.
↑ Roger Ebert. arvostelut. Hindenburg . _ RogerEbert.com 1. tammikuuta 1975. Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 1. joulukuuta 2020.
↑ Näyttö : George Scott elokuvassa Hindenburg . The New York Times (26. joulukuuta 1975). Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 8. maaliskuuta 2021.
↑ Craig Butler. Hindenburg (1975). Arvostelu (englanniksi) . AllMovie. Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 2. syyskuuta 2021.
↑ Gehring, 2012 , s. 270.
↑ Hindenburg (1975). Palkinnot (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 21. huhtikuuta 2021.
↑ Gehring, 2012 , s. 271.
↑ Eleanor Quin. Audrey Rose. Artikkeli (englanniksi) . Turner Classic Movies (24. kesäkuuta 2003). Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 24. tammikuuta 2021.
↑ Vincent Canby. Elokuva: The Devil Fumbles a Passing Soul (englanniksi) . New York Times (7. huhtikuuta 1977). Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 7. lokakuuta 2020.
↑ Craig Butler. Audrey Rose (1977). Arvostelu (englanniksi) . AllMovie. Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 14. kesäkuuta 2021.
↑ 1 2 3 4 5 Star Trek: The Motion Picture (1979). Historia (englanniksi) . American Film Institute. Haettu: 8.12.2020.
↑ 12 Gehring , 2012 , s. 275.
↑ Monipuolinen henkilökunta. Star Trek - elokuva . Variety (31. joulukuuta 1978). Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 29. syyskuuta 2017.
↑ Lawrence Van Gelder. The Moviesissa . New York Times (31. joulukuuta 1978). Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 3. helmikuuta 2018.
↑ Craig Butler. Katot (1989). Tiivistelmä (englanniksi) . AllMovie. Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 11. maaliskuuta 2022.
↑ Roger Ebert. Katot (1989). Arvostelu (englanniksi) . RogerEbert.com (17. maaliskuuta 1989). Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 28. marraskuuta 2020.
↑ Jonathan Crow. Myrsky kesällä (2000). Tiivistelmä (englanniksi) . AllMovie. Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 28. kesäkuuta 2021.
↑ Craig Butler. Myrsky kesällä (2000). Arvostelu (englanniksi) . AllMovie. Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 26. syyskuuta 2019.
↑ 1 2 3 Gehring, 2012 , s. 276.
↑ Liam Hansen. Robert Wise Reprise . NPR (18. syyskuuta 2005). Haettu 8. joulukuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 29. lokakuuta 2020.
↑ Gehring, 2012 , s. 66.
↑ Robert Wise uusi akatemiapäällikkö . Los Angeles Times (2. elokuuta 1985). Haettu: 8.12.2020.
↑ Robert Wisen 90. syntymäpäiväjuhlat . Directors' Guild of America (10. syyskuuta 2004). Haettu: 8.12.2020.
↑ Gehring, 2012 , s. 266.
↑ Gehring, 2012 , s. 59.
↑ Gehring, 2012 , s. 60.
↑ Gehring, 2012 , s. 274.
↑ Robert Wise. Elämäkerta (englanniksi) . Internet-elokuvatietokanta. Haettu 21. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 6. helmikuuta 2022.
↑ Kaikkien aikojen 100 parasta amerikkalaista elokuvaa . American Film Institute. Haettu 14. marraskuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 9. tammikuuta 2014.

Kirjallisuus

Wes D. Gehring. Robert Wise: Shadowlands . - Indiana Historical Society, 2012. - ISBN 0871952963 , 9780871952967.

Temaattiset sivustot

Sanakirjat ja tietosanakirjat

Sukututkimus ja nekropolis

Etsi hauta

Bibliografisissa luetteloissa

Oscar-palkinto parhaasta ohjauksesta

Lewis Milestone (komedia) / Frank Borzage (draama) (1929)
Frank Lloyd (1930/I)
Lewis Milestone (1930/II)
Norman Taurog (1931)
Frank Borzage (1932)
Frank Lloyd (1934)
Frank Capra (1935)
John Ford (1936)
Frank Capra (1937)
Leo McCarey (1938)
Frank Capra (1939)
Victor Fleming (1940)
John Ford (1941)
John Ford (1942)
William Wyler (1943)
Michael Curtis (1944)
Leo McCarey (1945)
Billy Wilder (1946)
William Wyler (1947)
Elia Kazan (1948)
John Huston (1949)
Joseph Leo Mankiewicz (1950)
Joseph Leo Mankiewicz (1951)
George Stevens (1952)
John Ford (1953)
Fred Zinneman (1954)
Elia Kazan (1955)
Delbert Mann (1956)
George Stevens (1957)
David Lean (1958)
Vincent Minnelli (1959)
William Wyler (1960)
Billy Wilder (1961)
Jerome Robbins , Robert Wise (1962)
David Lean (1963)
Tony Richardson (1964)
George Cukor (1965)
Robert Wise (1966)
Fred Zinneman (1967)
Mike Nichols (1968)
Carol Reed (1969)
John Schlesinger (1970)
Franklin J. Sheffner (1971)
William Friedkin (1972)
Bob Foss (1973)
George Roy Hill (1974)
Francis Ford Coppola (1975)
Milos Forman (1976)
John Avildsen (1977)
Woody Allen (1978)
Michael Cimino (1979)
Robert Benton (1980)
Robert Redford (1981)
Warren Beatty (1982)
Richard Atterborough (1983)
James Brooks (1984)
Milos Forman (1985)
Sydney Pollack (1986)
Oliver Stone (1987)
Bernardo Bertolucci (1988)
Barry Levinson (1989)
Oliver Stone (1990)
Kevin Costner (1991)
Jonathan Demme (1992)
Clint Eastwood (1993)
Steven Spielberg (1994)
Robert Zemeckis (1995)
Mel Gibson (1996)
Anthony Minghella (1997)
James Cameron (1998)
Steven Spielberg (1999)
Sam Mendes (2000)
Steven Soderbergh (2001)
Ron Howard (2002)
Roman Polanski (2003)
Peter Jackson (2004)
Clint Eastwood (2005)
Ang Lee (2006)
Martin Scorsese (2007)
Coenin veljekset (2008)
Danny Boyle (2009)
Katherine Bigelow (2010)
Tom Hooper (2011)
Michel Hazanavicius (2012)
Ang Lee (2013)
Alfonso Cuarón (2014)
Alejandro G. Inarritu (2015)
Alejandro G. Inarritu (2016)
Damien Chazelle (2017)
Guillermo del Toro (2018)
Alfonso Cuarón (2019)
Bong Joon Ho (2020)
Chloe Zhao (2021)
Jane Campion (2022)

Irving Thalberg -palkinto

Darryl F. Zanuck (1938)
Hal B. Wallis (1939)
David O. Selznick (1940)
Walt Disney (1942)
Sidney Franklin (1943)
Hal B. Wallis (1944)
Darryl F. Zanuck (1945)
Samuel Goldwyn (1947)
Jerry Wald (1949)
Darryl F. Zanuck (1951)
Arthur Freed (1952)
Cecil B. DeMille (1953)
George Stevens (1954)
Buddy Adler (1957)
Jack Warner (1959)
Stanley Kramer (1962)
Sam Spiegel (1964)
William Wyler (1966)
Robert Wise (1967)
Alfred Hitchcock (1968)
Ingmar Bergman (1971)
Lawrence Weingarten (1974)
Mervyn Leroy (1976)
Pandro S. Berman (1977)
Walter Mirisch (1978)
Ray Stark (1980)
Albert R. Broccoli (1982)
Steven Spielberg (1987)
Billy Wilder (1988)
David Brown ja Richard D. Zanuck (1991)
George Lucas (1992)
Clint Eastwood (1995)
Saul Zanz (1997)
Norman Jewison (1999)
Warren Beatty (2000)
Dino De Laurentiis (2001)
John Calley (2009)
Francis Ford Coppola (2010)
Kathleen Kennedy ja Frank Marshall (2018)

Directors Guild of America -palkinto parhaasta elokuvaohjauksesta

Screen Directors Guildin ja Directors Guild of Americain presidentit

King Vidor (1936-1939)
Frank Capra (1939-1941; 1960-1961)
George Stevens (1941-1943)
Mark Sandrich (1943-1944)
John Cromwell (1944-1948)
George Marshall (1948-1950)
Joseph Leo Mankiewicz (1950-1951)
George Sidney (1951-1960; 1961-1967)
Delbert Mann (1967-1971)
Robert Wise (1971-1975)
Robert Aldrich (1975-1979)
George Schaefer (1979-1981)
Jud Taylor (1981-1983)
Gilbert Cates (1983-1987)
Franklin Sheffner (1987-1989)
Jean Reynolds (1993-1997)
Jack Shea (1997-2002)
Martha Coolidge (2002-2003)
Michael Apted (2003-2009)
Taylor Hackford (2009-2013)
Paris Barkley (2013-2017)
Thomas Schlamme (2017 - nykyinen )

Päivä, jolloin maa pysähtyi
Versiot	Jäähyväiset Overlordille (vuoden 1940 tarina) 1951 elokuva 2008 elokuva
Universumi	Klaatu Gort Klaatu barada nikto
Tekijät	Harry Bates Robert Wise Scott Derrickson