Moderni

Kokeneet kirjoittajat eivät ole vielä tarkistaneet sivun nykyistä versiota, ja se voi poiketa merkittävästi 21. kesäkuuta 2022 tarkistetusta versiosta . tarkastukset vaativat 10 muokkausta .
Art nouveau -tyyli
Vasemmalta oikealle, ylhäältä alas: Pariisin metroasema "Abbes" , Hector Guimard , ( 1900 ); Litografia, Alphonse Mucha , ( 1898 ); Lamppu, Louis Comfort Tiffany , ( 1900-1910 ) ; Seinäkaappi, Louis Majorelle ; Portaikko Tasselin kartanossa , Victor Horta , ( 1893 ). Sisältyy Unescon maailmanperintökohteiden luetteloon .
Konsepti symmetrian hylkääminen; luonnollisten muotojen stilisointi, kukkakoristeet, kansanaiheiden käyttö, symbolistien , prerafaeliitien , impressionistien työ
Perustamispäivämäärä 1880-luku
Hajoamispäivämäärä 1914
 Mediatiedostot Wikimedia Commonsissa

Moderni ( fr.  moderne  - new, modern) on 1800-1900-luvun vaihteen kansainvälinen taideliike, jonka tavoitteena oli kehittää uusi taiteellinen taiteen kieli ja sitä kautta uuden taiteellisen tyylin luominen [1] . Englannin- ja ranskankielisessä kirjallisuudessa ilmiöön liitettiin termi "art nouveau" ( fr.  art nouveau ), joka tarkoittaa "uutta taidetta" . Eri maissa jugend on saanut muita nimiä.

Näkemystä jugendista yhtenä vakiintuneena taiteellisena tyylinä pidetään jossain määrin vanhentuneena, analogisesti akateemisessa tieteessä hyväksyttyjen taidetyylien luokituksen kanssa - gootti , barokki , klassismi ja niin edelleen. Vanhentuneena pidetään myös modernin määritelmää "sillana" historismin ja modernismin välillä - erittäin suosittu aikaisempi käsite, jonka Nicolus Pevsner ilmaisi 1970-luvulla [2] .

Art Nouveau oli monimutkainen ilmiö, joka sisälsi laajan valikoiman taiteellisia suuntauksia ja koulukuntia, joita yhdisti antieklektinen ajatus edellisen aikakauden taiteen voittamisesta. Art Nouveaun pääpiirteet ovat koristeellisuus ja koristeellisuus.

Termin historia ja sen tulkinnat

Art Nouveau sai huomattavan kansainvälisen suosion jo 1890-luvun lopulla, mutta sillä ei ollut yhtä nimeä: eri maat kehittivät omat termit viittaamaan ilmiöön. Suurin ongelma nimen valinnassa oli se, että aikalaisilla ei ollut aavistustakaan tyylin alkuperästä. Britit, jotka eivät ymmärtäneet omaa tärkeää panostaan ​​tyylin kehitykseen, kutsuivat sitä ranskalaiseksi termiksi "art nouveau" ( fr.  art nouveau  - "uusi taide"). Lekseemin uskotaan lainatun pariisilaisen gallerian "House of New Art" ( fr.  Maison L'Art Nouveau ) nimestä, jonka ranskalais-saksalainen liikemies Siegfried Bing avasi 26. joulukuuta 1895 [3] .

Ranskassa tyyliä kutsuttiin alun perin useilla nimillä: joskus sitä kutsuttiin englanninkieliseksi termiksi "modern style" ( englanniksi  moderni tyyli ) [K 1] ; graafisessa taiteessa sitä kutsuttiin vitsillä "nuudelityyliksi" ( ranskalainen  tyyli nouille ); joskus - yksinkertaisemmalla termillä "metrossa olevien sisäänkäyntipaviljonkien tyyli" ( ranskalainen  tyyli de bouche de métro ). Arkkitehti Hector Guimard , joka suunnitteli Pariisin metron paviljongit, uskoi, että ilmiö tulisi nimetä hänen mukaansa - "Guimard-tyyli" ( ranskalainen  tyyli Guimard ). Kirjoittaja Edmond de Goncourt , joka oli varovainen modernin virtaviivaisten linjojen suhteen, loi halventavan termin "purjehdustyyli" osoittamaan sitä . Tämän seurauksena ilmiölle annettiin Ranskassa termi "art nouveau" ( fr.  art nouveau ) [5] .

Saksassa tyyliä kutsuttiin alun perin "Belgishe" ja "Veldeshe" belgialaisen Henri Van de Velden mukaan, joka muutti Saksaan vuonna 1897 ja nousi maan jugendtyylien johtajaksi. Joskus art nouveau nimettiin termillä "Studio-Stil" yhden englanninkielisen julkaisun mukaan, joka kuvasi Arts and Crafts -liikkeen työtä. Joskus tyyliä kutsuttiin mielikuvituksellisemmin: "squiggle style" ( saksalainen  schnürkelstil ) tai "tapeworm style" ( saksalainen  bandwurmtil ). Siitä huolimatta termi "Jugendstil" ( saksalainen  jugendstil ) - "nuori tyyli", vuonna 1896 perustetun kuvitetun Jugend -lehden nimellä , oli yleisimmin käytetty ja vakiintunut saksankielisissä sanakirjoissa [5] .

Itävallassa tyyliä kutsuttiin " Secession " ( saksa:  Secessionstil ) näyttelyorganisaation " Viennese Secession " -nimen mukaan. Skotlantilaiset taiteilijat keksivät äänekkään itsenimen " School of Glasgow " ( eng.  Glasgow school ). Espanjassa termi "Modernismo" ( espanjalainen  modernismo ) on vallannut. Italiassa jugendta kutsuttiin alun perin "kukkatyyliksi" ( italialainen  stile floreale ), mutta myöhemmin sille annettiin termi "Liberty style" ( italialainen  stile liberty ) Lontoon myymälän ja tekstiilien nimen mukaan, pääasiassa itämaisessa. tyyliin, joita myytiin tässä kaupassa. Belgiassa jugendtyyliä kutsuttiin "ankeriastyyliksi" ( hollantilainen.  paling stil ) tai " Society XX -tyyliksi " ( hollanti.  Le Style des Vinght ) tai "vapaaksi estetiikaksi" ( hollantilainen.  La Libre Esthétique ). Kahta viimeistä termiä käytettiin tunnistamaan jugend samannimiseen taiteilijayhdistykseen, mikä nosti Brysselin uuden taideliikkeen eturintamaan [3] .

Venäläinen 1900-luvun taidekritiikki käytti termiä "uusi tyyli" suhteessa symbolismiin ja modernismiin , ja molemmista kielteisesti puhunut taidekriitikko Vladimir Stasov yhdisti ne yhteisen nimen "dekadenssi" alle [6] . Venäläisessä taidekirjallisuudessa termi "moderni" ilmestyi 1920-luvulla Eduard Starkin ("Vanha teatteri", 1922) ja Aleksei Fedorov-Davydovin ("Teollisen kapitalismin venäläinen taide", 1929) teoksiin [7] .

Joskus termiä "kansallisromantiikka" käytetään nimityksenä modernin kansallisromanttiselle haaralle , jolla useimmiten ymmärretään Suomen ja Skandinavian maiden 1800-luvun lopun ja 1900-luvun alun arkkitehtuurityyli, mutta jota käytetään myös Laajemmassa merkityksessä, joka tarkoittaa kaikkia 1800-luvun lopun historismin ja modernin aikakauden kansallisia tyylivirtoja [8] . Esimerkiksi Ruotsissa kansallisromantiikalla tarkoitetaan 1870–1920-lukujen taidetta ja käsityötä, kun taas Saksan mallin mukaan ajanjaksoa 1895–1905, jolloin maan taiteellinen kulttuuri painottui eniten kohti länsieurooppalaista modernia. tunnetaan nimellä "jugend nouveau" [9] . Puhtaasti venäläisen termin "pohjoinen moderni" [K 2] syntyminen yhdistettiin termiin "kansallinen romantiikka" . Se ilmestyi ensimmäisen kerran Vladimir Lisovskin opinnäytetyössä vuonna 1966; Andrei Punin ehdotti Lisovskin käyttämään termiä . "Pohjoisen modernin" alla tarkoitettiin modernin kansallisromanttista haaraa Skandinaviassa ja Suomessa sekä sen alueellista haaraa Pietarissa [10] .

Art Nouveaun teoreettiset käsitteet

Kysymys "modernin" käsitteen aiheesta on kiistanalainen. taidehistorioitsija Martin Eidelberg

Jugendtyylin täsmällisen määrittelyn ongelma on ollut pitkään keskusteluna. Onko jugend oma erillinen tyyli vai edustaako se yleistä suuntausta kohti taiteen uudistumista vuosisadan vaihteessa? Tämä kiista juontaa juurensa Bingin omaan aikaan. Bing uskoi, että termi "jugend" tarkoitti vain uuden tyylin etsimistä. Hänen galleriansa historia osoittaa kuitenkin, että vaikka alunperin ei ollut selvää käsitystä [uudesta tyylistä], kun hän aloitti vuonna 1895, tilanne oli jo muuttunut vuoteen 1900 mennessä ja Byng asettui erittäin yhtenäiseen suunnitteluun, jonka pääelementtejä olivat mm. lainattu Van de Velden abstraktin, lineaarisen tyylin ilmaisusta. Kriitikot todellakin mainitsevat poikkeuksetta whiplash-tyylin yrittäessään määritellä "korkeajugend" ja vasta sitten, ikään kuin loukkaamatta, mainitsevat muut taidemuodot. Tämän seurauksena kysymys tarkasta määritelmästä on edelleen hämmentävä. Guimardin ja Gallen estetiikkaa voidaan kuvata yhdellä termillä vain, jos tämä termi merkitsee kronologista ajanjaksoa yksittäisen tyylin sijaan. Jos kuitenkin päätämme, että jugend-termi merkitsee vain kronologista ajanjaksoa, toinen ongelma jää ratkaisematta - kuinka nimetä ja ymmärtää tällä ajanjaksolla syntyneitä tyylejä.

- Martin Eidelberg, 1989 [11]

Eidelbergin tunnistamia ongelmia voidaan havainnollistaa yrittämällä määritellä nykyaikaisuutta Henri van de Velden teoreettisten esseiden avulla: taiteilijan näkemykset modernista taiteesta auttavat ymmärtämään "geometristä" tyylikäsitystä saksankielisissä maissa, mutta jos tämä käsite on tiukasti noudatettu, Gaudí putoaa nykytaiteilijoiden piiristä. Tältä osin norjalainen taidehistorioitsija Stefan Tschudi-Madsen totesi vuonna 1967 ensimmäisten joukossa, että jugend oli itse asiassa koko joukko tyylejä, jotka erosivat omaperäisyydestään eri puolilla Eurooppaa, mutta olivat samat perusperiaatteet [12] .

Venäläisessä historiografiassa on kehittynyt useita "modernin taiteen" tulkintoja ja teoreettisia käsitteitä. Ensimmäinen, akateeminen ja yleisin, väittää termin "moderni" tietyn taiteellisen tyylin nimeksi, joka on yleistynyt tietyllä kronologisella ajanjaksolla. Tällaista lähestymistapaa ehdotti erityisesti D.V. Sarabyanov kirjassa "Modern Style" (1989), antamatta vakuuttavaa teoreettista argumenttia. Vaikeus piilee siinä, että tänä lyhyenä, mutta intensiivisenä taiteellisen elämän aikana esiintyi rinnakkain erilaisia ​​tyylisuuntauksia, taidekouluja ja luovia yhdistyksiä. Sisällöltään ja muodoltaan ne erosivat merkittävästi toisistaan, mikä on ristiriidassa taiteen yleisen tyylimääritelmän kanssa.

G. Yu. Sternin puolusti erilaista käsitystä , joka perustui siihen tosiasiaan, että nykyajan kulttuurin pääsisältö oli "halu syntetisoida erilaisia ​​lähteitä, usein ristiriitaisia ​​menetelmiä ja tyylejä, erilaisia, muotoja ja tekniikoita" [13] . ] . G. Yu. Sternin teki loogisen johtopäätöksen, että "modernia taidetta ei voi ymmärtää kuvailemalla vain sen yleisiä, tyylillisiä piirteitä... Tietystä plastisesta kielestä huolimatta... se ei ole vain taiteen tyyli, vaan ennen kaikkea elämäntapa." "Moderni" tieteellisenä terminä "on tarkoituksenmukaisempi luokitella ei puhtaasti tyyliluokilla, vaan sellaisella historiallisella ja kulttuurisella käsitteellä kuin biedermeier ... Voimme sanoa, että biedermeier ja jugend ovat koko historiallisen vaiheen alkua ja loppua romantismista" [14] .

Arkkitehtuurin tutkijat V. S. Goryunov ja M. P. Toubli lähestyivät tätä ongelmaa vielä radikaalimmin : "Taide, jota verraten hiljattain kutsuttiin dekadentiksi, on tulossa yhä selvemmin sen vaiheen merkitykseksi, joka päättää eurooppalaisen kulttuurin suurenmoisen kehityskierron, joka alkoi. takaisin antiikin aikaan. Ei ole epäilystäkään siitä, että vuosisadan vaihteessa tehty yritys yleistää ihmiskunnan esteettistä kokemusta, syntetisoida lännen ja idän, antiikin ja keskiajan, klassismin ja romantiikan taiteellisia perinteitä seurasi ja tiettyyn määrin, johtui taantuman ilmiöistä, tieteellisten, esteettisten ja eettisten arvojen järjestelmän kriisistä” [15] . Nämä sanat heijastavat tuon ajan innostusta ja idealistista tunnelmaa. Monista tuntui, että heidän silmiensä edessä syntyi aivan uutta taidetta, mistä johtuu termi "moderni". "Olemme nousevan aallon harja", kirjoitti V. Ya. Bryusov, "hopeakauden" venäläisen runouden symbolismin alullepanija [16] .

Art Nouveaun esteettiset ja taiteelliset ideat

Pääasiallinen taiteellinen ajatus, joka hallitsi tätä ajanjaksoa, oli antieklektinen suuntautuminen, halu voittaa eklektiikan kaaos edellisen ajan taiteessa, harmonian etsiminen taiteen ja elämän välillä teollisella aikakaudella. Art Nouveaun mestarit pyrkivät yhdistämään luotujen teosten taiteelliset ja utilitaristiset toiminnot, ottamaan kaikki ihmisen toiminnan osa-alueet mukaan kauneuden piiriin, toteuttamaan ajatuksia "elämän muuttamisesta taiteen keinoin". Tässä he seurasivat romantiikan ja symbolismin perinteitä . Art nouveau -ajan piirteitä olivat taiteen ja käsityön kukoistaminen ja kasvava kiinnostus uutta teknologiaa kohtaan. Symbolismi oli yksi nykyajan taiteen virroista ja suurelta osin sen ideologinen perusta, joskaan ei ainoa. Myös tähän venäläisen kulttuurin ajanjaksoon liitetty nimi "hopeaaika" tai ranskalainen ilmaisu "belle époque" ("kaunis aikakausi") on suuntaa antava.

Nykyaikana tapahtui nopeaa, radikaalia vanhan uudelleen ajattelua ja uusien taiteellisten muotojen ja tekniikoiden löytämistä, erilaisten taiteen lajien ja genrejen lähentymistä ja yhdistämistä . Art nouveau -taiteilijat, jotka pyrkivät "suureen synteesiin" ja "suureen tyyliin", rikkoivat rohkeasti tavanomaisia ​​normeja ja rajoja. Saksalainen ilmaisu "Jahrhundertwende" ("vuosisadan vaihteessa") tässä suhteessa, kuten A. A. Rusakova totesi , määrittelee paremmin ajanjakson sisällön kuin yleisemmin käytetty ranskalainen "fin de siècle" ("vuosisadan loppu"). [17] .

Rehellisyyden halu on jugendajan taiteen päätavoite. Samaan aikaan taiteellisten muotojen monimuotoisuus ja siirtymäkauden monimutkaisuus, sen lyhyt kesto ei mahdollistanut eheyden periaatteen toteutumista kaikissa teoksissa. Kuvaa taiteen kehityksestä tuolloin monimutkaistaa se, että nykyaikana ei ollut teoksia vain "moderniin tyyliin". Arkkitehtuurissa sävellyksiä tehtiin edelleen historismin ja kansallisromanttisen liikkeen mukaisten tyylitelmien hengessä [18] .


Modernin esihistoria

Uuden estetiikan muodostumiseen vaikuttivat Länsi-Euroopan taiteen edellisen kehitysvaiheen ideat: William Morris ja Arts and Crafts -liike, sekä käsite " taiteen yhtenäisyydestä " ( saksa:  Gesamtkunstwerk ). Se ei tarkoita erilaisten taiteiden synteesiä, vaan orgaanista ja kokonaisvaltaista vuorovaikutusta yhdessä arkkitehtuurin, valon, värin ja musiikin elementtien koostumuksissa [19] .

Taiteilija ja teoreetikko Henri Van de Velde toteutti "uuden taiteen" (jugendtyyli) perusperiaatteet menestyksekkäästi niin sanotussa "kukkatyylissä" (perustuu kasvimuotojen ja kaarevien linjojen stilisointiin) ja symbolinen luovuuden käsite", jonka hän on kehittänyt. Art nouveau -tyyliä seurasivat Henri Obrist, Hector Guimard , joka tuli tunnetuksi Pariisin metron yläpuolisten sisäänkäyntien ritiloista, Victor Horta , Louis Majorelle , Victor-Emile Prouvé .

Toinen, "geometrinen suuntaus" muodostui Itävallassa, niin sanotussa wieniläisessä modernissa Otto Wagnerin koulukunnassa , hänen oppilaidensa ja seuraajiensa: Josef Hoffmannin , Josef Olbrichin , Jan Koteran ja muiden sekä Adolf Loosin , joka esitti kuuluisan iskulause "Muoto ilman koristetta". Wienin työpajojen (Wiener Werkstätte) osallistujat antoivat merkittävän panoksen uuden estetiikan muodostumiseen .

Erillinen paikka on ranskalaisella Nancyn koululla : kuuluisan Emile Gallen ja Dom-veljesten teokset sekä Charles Rennie Mackintoshin ja hänen johtamansa Glasgow Schoolin teokset .

Pohjoismaissa: Ruotsissa, Suomessa, Baltian maissa Virossa, Latviassa, Pohjois-Saksassa on kehittynyt ns. pohjoismoderni , jonka asiantuntijat pitävät kansallisromanttisen liikkeen ansioksi, koska tässä taiteessa rakentavat innovaatiot yhdistyvät kansalliseen ja kansanmusiikkiin. teemoja ja motiiveja [20] [21 ] .

Samanlainen tyylisuuntaus kehittyi samalla ajanjaksolla Pietarin arkkitehtuurissa , mutta asiantuntijat eivät liitä sitä kansallisromantiikkaan, koska se oli ulkopuolisten lähteiden ruokinta, ja "uusvenäläinen tyyli" syrjäytti kansallisromantiikan. liike [22] [23] .

Kansallisromanttiset virtaukset eri maiden modernissa taiteessa ruokkivat kansanmusiikkia, mukaan lukien kirjallisia kansanperinteen lähteitä. Tästä johtuu nimi "kansankielinen tyyli" ( lat.  vernaculus  - syntyperäinen). Huomattava vaikutus eurooppalaisen modernismin kulttuurin muodostumiseen oli itämaisella taiteella, ensisijaisesti Japanilla , joka tuli saataville lännessä Meijin aikakauden alkaessa  - värilliset puupiirrokset, jotka löysivät impressionistit ja sitten W. Van Gogh. , niin sanottua japanilaisuutta , sekä maalauksia kiinalaisista posliini- ja silkkikankaista . Itämaisen taiteen vaikutuksesta alkuperäisen taiteilijan James Whistlerin teos muotoutui .

Itämaista taidetta käytti kauppaa Pariisissa yksi uuden taideliikkeen alullepanijoista Siegfried Bing , joka avasi China Gate (La Porte Chinoise) -myymälän, jossa hän alkoi myydä Kiinasta ja Japanista peräisin olevia taideteoksia. Joulukuussa 1895 Bing loi kuuluisan galleriansa "House of New Art" (Maison de l'Art Nouveau) Pariisiin, jossa hän esitteli idän maiden tuotteiden lisäksi myös nuorten ranskalaisten taiteilijoiden teoksia " uusi tyyli". Liikkeen nimi liitettiin uuden ranskalaisen taiteen tyyliin: "Art Nouveau" [24] . Galleriassa oli esillä keramiikkaa ja lasitavaroita, huonekaluja, kankaita William Morrisin työpajasta, Nancy Emile Gallen koulun johtajan koruja sekä Louis Comfort Tiffany , Henri Van de Velde Eugène Grasse , Edvard Colonna, René Lalique , taiteilijoita. Nabis - ryhmästä Pierre Bonnard , Jean-Edouard Vuillard , Henri de Toulouse-Lautrec , norjalainen Edvard Munch , englantilainen taiteilija Frank Brengvin . Auguste Rodin ja Constantin Meunier esittelivät töitään galleriassa . Mainosesitteissä väitettiin, että "House of New Art" oli suunniteltu voittamaan pariisilaisten kodeissa vallitseva eklektisyys ja huono maku ja juurruttamaan todellista kauneutta jokapäiväiseen elämään. Elämän muuttaminen taiteen avulla on modernin kulttuurin pääidea.

Englannissa ja sitten Ranskassa ja Italiassa saman myymälän avasi Arthur Lasenby Liberty , jonka sukunimestä tulee yksi länsieurooppalaisen jugendtyylin nimistä: "liberty style".

Modernin taiteen kehityksen päävaiheet

Perinteisesti modernin taiteen kehityksessä on kolme päävaihetta:

"Uuden tyylin" taiteen kehityksen ensimmäisessä vaiheessa A. Van de Velden esittämän sloganin "Takaisin luontoon" mukaan taiteilijat pyrkivät vapauttamaan itsensä koristeellisuuden liiallisuudesta . " viktoriaanisen tyylin ", toisen imperiumin , uusbarokin ja " uusrenessanssin " eklektiikkaa . Toisessa vaiheessa modernistiset arkkitehdit siirtyivät rakennuksen kokonaisvaltaiseen suunnitteluun "sisältä ulos" (aiemmin päinvastainen julkisivun erillissuunnittelumenetelmä hallitsi eri tyylien elementtien lisäämistä "kerroskakku" -periaatteen mukaisesti) . Samalla elvytettiin vanha perinne, kun arkkitehti piirsi kaiken "viimeiseen naulaan asti": rakennuksen yleisluonnoksesta ovenkahvojen, ikkunoiden koteloiden, valaisimien ja takkojen piirustuksiin. Lisäksi mikä tahansa kihara tai muu pieni elementti voidaan valita pääasialliseksi muotomotiiviksi. Joten esimerkiksi tuuletusritilän kuviosta voisi tulla hallitseva motiivi-symboli, joka toistaa itseään kaiun tavoin muissa muodoissa ja kokonaisuuden koostumuksessa. Tämä antoi mystiikkaa, mysteeriä ja pelasti "modernin tyylin" liialliselta rationaalisuudesta. Sen vuoksi edes abstrakti koristesommitelma, joka esittää silmukan kaarevaa syklaamivartta Henri Obristin (1895) kuvakudoksessa - kriitikkojen "vitsauslakoksi" kutsuma linja - ei vaikuta rennolta, vaan täynnä rakentavaa jännitystä. Hector-Germain Guimardin teoksissa - Pariisin metron sisäänkäyntien suunnittelussa (1898-1904) - on ominaista "organogeeninen" alku, joka muuttaa metallirakenteet monimutkaisiksi kaareviksi varreksi ja näkymättömien kasvien kukiksi. Guimardin luomien Pariisin metron kaiteiden biologisesti samankaltaiset, kukkaiset muodot vastasivat uuden tyylin makua siinä määrin, että Pariisin jugendtaidetta kutsuttiin aikoinaan "metrotyyliksi" tai "Guimard-tyyliksi". ”. Vuosina 1892-1899 belgialainen arkkitehti Victor Horta rakensi Brysseliin useita arkkitehtuurin historiassa kuuluisia rakennuksia: Solvay-, Tassel-, Van Evelde-kartanot, "Old England" ja oman talonsa (Atelier Horta). Rakennuselementit Hortan rakennuksissa sulautuvat taidokkaasti kaareviin sisustuslinjoihin: rakenne muuttuu sujuvasti muotoon ja muoto sisustukseksi tasoilla tai kaarevilla pinnoilla.

"Uusi tyyli" kehittyi niin intensiivisesti, että Victor Hortan suhteellisen myöhäisessä teoksessa - "Kansantalossa" Brysselissä (1896-1899) - konstruktivismin elementit tulevat näkyvämmiksi. Arkkitehti määritteli uskontunnustuksensa seuraavasti: "Haluan ilmaista rakennuksen suunnitelmaa ja rakennetta julkisivussa sellaisena kuin se tehtiin goottilaisena, ja gootiikan tavoin paljastaa materiaalin ja tuoda esiin luontoa tyyliteltynä sisustuksena" [ 26] .

Modernin kulttuurin kehityksen loppuvaiheessa arkkitehtuurissa uusklassismi , uusklassinen suuntaus, niin sanottu "moderni klassismi", rationalismi , jonka pohjalta funktionalismi ja konstruktivismi syntyivät, sekä symbolinen suuntaus, jota edustavat Erich Mendelssohn , hänen seuraajansa ja Antonio Sant'Elia , futurismin esikuva .

Art nouveaun kehitys eri maissa

Useissa Euroopan maissa sekä yksittäiset mestarit että taiteilijayhdistykset työskentelivät modernin estetiikan rajojen sisällä: Exhibition Society of Arts and Crafts ( 1888 ) Isossa-Britanniassa, World of Art ( 1890 ) Venäjällä [27] , Dresden ja München "Yhdistetty taidekäsityöpajat" ( 1897 ), " School of Nancy " ( 1901 ) Ranskassa , " Wienin työpajat " ( 1903 ) Itävallassa , " Saksalaiset työpajat " ( 1907 ) Saksassa.

Art nouveaun kehitys Isossa-Britanniassa

Art nouveau -kulttuuri syntyi varhain Isossa-Britanniassa 1860 -luvulla luodun ja 1880-luvulla kansainvälisen tunnustuksen saavuttaneen Arts and Crafts -liikkeen ideoissa . Liike vaati taiteen ja käsityön elvyttämistä ja sai inspiraatiota keskiaikaisista käsitöistä ja luonnosta. [28]

McMurdon teos, kuuluisa mahonkituoli ja vuosina 1881 ja 1883 luodun kirjan "City Churches of Rennes" kansi ovat ensimmäisiä "uuden englantilaisen tyylin" teoksia [29] .

Toinen tärkeä uudistaja Isossa-Britanniassa oli Aubrey Beardsley, jonka piirustukset ja graafiset työt sisälsivät kaarevia viivoja, joista tuli tyylin tunnistetuin piirre.

Myös brittigraafikkojen Walter Cranen ja Charles Ashbyn työllä oli merkitystä tyylin kehityksessä. [kolmekymmentä]

Libertyn tavaratalolla Lontoossa oli tärkeä rooli taiteen ja käsityön kehityksessä, kiitos taiteilija Archibald Knoxin myymälään eri tarkoituksiin luomien esineiden ansiosta : tekstiilejä värikkäillä tyylitellyillä kukkakuvioilla, hopeaa, tinaa ja koruja, jossa käytetyt muodot ja materiaalit "irtautuvat" kokonaan korusuunnittelun historiallisista perinteistä.

Art nouveau -arkkitehtuurin ja huonekalusuunnittelun kannalta Britannian tärkein kehityskeskus oli Glasgow, jota johti Charles Rennie Mackintosh ja hänen luomaansa Glasgow School , jonka työhön vaikuttivat Skotlannin paronien tyyli , japanilainen taide ja Wienin Secession . [31] McIntosh esitteli mallejaan kansainvälisissä näyttelyissä Lontoossa, Wienissä ja Torinossa. Hänen arkkitehtonisia luomuksiaan olivat Glasgow Herald -rakennus (  1894 ) ja Glasgow School of Artin kirjasto (1897). Hän vakiinnutti itsensä myös huonekalusuunnittelijana ja -sisustajana työskennellen tiiviissä vaimonsa Margaret MacDonald Mackintoshin kanssa . Yhdessä he loivat eloisia malleja, joissa geometriset suorat linjat yhdistettiin pehmeästi kaareviin kukkakoristeisiin.

Leon-Victor Solon vaikutti merkittävästi keramiikan kehittämiseen jugendissa. Hän on erikoistunut plaketteihin ja putkimaisiin maljakoihin sekä tekstiilisuunnittelun kehittämiseen. [32]

Art Nouveaun kehitys Belgiassa

Belgia oli varhainen jugendkehityksen keskus, suurelta osin arkkitehti Victor Hortan ansiosta, joka suunnitteli yhden ensimmäisistä jugendtaloista, Tassel-kartanon, joka on yksi tyylin tunnetuimmista maamerkeistä [33] [34] , sekä kolme muuta kartanoa uudella tyylillä. Kaikki ne ovat nyt YK:n maailmanperintökohteita. Horta vaikutti vahvasti nuoren Hector Guimardin työhön. Hän tuli katsomaan rakenteilla olevaa kartanoa ja väitti myöhemmin, että Horta oli jugendtyylin "keksijä". Julkisivujen ja sisätilojen suunnittelussa Horta käytti runsaasti lasia laajentamaan avointa tilaa ja valaisemaan huoneita valolla ja rautaa koristellakseen pylväitä ja kaiteita kaarevilla kasvullisilla muodoilla. Orta suunnitteli myös huonekaluja ja mattomalleja.

Paul Ankar oli toinen Brysselin jugendtien edelläkävijä. Hänen oman talonsa , joka rakennettiin vuonna 1903, samana vuonna kuin Tasselin kartano, oli julkisivussa sgraffito -fresko . Ankaran työhön vaikuttivat voimakkaasti Viollet-le-Ducin ideat ja englantilainen "taide- ja käsityöliike". Hänen ajatuksensa oli yhdistää taide, käsityö ja kuvataide yhdeksi kokonaisuudeksi. Hän tilasi kuvanveistäjä Alfred Crickin ja taidemaalari Adolf Crespinin koristelemaan töillään talojen julkisivut. Merkittävin esimerkki oli taidemaalari Albert Ciamberlanille Brysselissä rakennettu talo ja ateljee, jolle hän loi värikkään julkisivun, joka oli peitetty sgraffitolla maalatuilla hahmoilla ja koristeilla, luoden uudelleen 1400-luvun Italian koristearkkitehtuurin . Ankaran työ sai tunnustusta hänen kuolemansa jälkeen vuonna 1901. [35]

Toinen tunnettu Brysselin arkkitehti oli Gustave Stroven , joka ennen oman ammatin aloittamista 21-vuotiaana oli Hortan assistentti.Hänen tunnetuin työ on Maison Saint-Cyr Brysselissä. Se on vain neljä metriä leveä, ja se on kokonaan koristeltu ylhäältä alas kaarevalla ornamentilla, jugend-barokkityyliin.

Muita merkittäviä belgialaisia ​​jugendmestareita olivat arkkitehdit Henry van de Velde, sisustaja Gustave Serruzier-Bovy ja graafikko Fernand Khnopf . [36] [37] .

Art Nouveaun kehitys Ranskassa

Vuoden 1900 maailmannäyttelyn jälkeen Pariisista tuli jugend "pääkaupunki". Ylivoimaisimmat rakennukset on suunnitellut arkkitehti Jules Lavirot , jonka julkisivut peitettiin kokonaan keraamisilla veistoksellisilla koristeilla. Merkittävin esimerkki hänen työstään on Lavirottin talo . Toimistorakennuksissa ja tavarataloissa oli korkeat lasimaalauksilla ja keraamisilla koristeilla peitetyt ovet. Tyyli oli erityisen suosittu ravintoloiden ja kahviloiden sisustuksen suunnittelussa.

Pariisin asema houkutteli ulkomaisia ​​taiteilijoita kaupunkiin. Sveitsiläissyntyinen taiteilija Eugène Grasse oli yksi ensimmäisistä ranskalaisten jugendjulisteiden tekijöistä. Hän osallistui kabareen "Black Cat" ( fr.  Le Chat Noir ) sisustussuunnitteluun vuonna 1885, hän teki myös julisteita Pariisin näyttelyyn ja julisteen Sarah Bernhardtille . Vuonna 1896 Theophile-Alexandre Steinlen loi kuuluisan julisteen Black Cat -kabareelle. Tšekkiläinen taiteilija Alphonse Mucha saapui Pariisiin vuonna 1888 , ja vuonna 1895 hän maalasi julisteen Victor Sardoun näytelmään Gismonda Renaissance Théâtressa .  Tämän julisteen menestys johti sopimukseen julisteiden tuottamisesta kuuteen muuhun Sarah Bernhardtin näytelmään.

Nancyn kaupungista Lorrainessa tuli Ranskan toinen jugend pääkaupunki. Vuonna 1901 perustettiin taideteollisuuden maakunnallinen liittoutuma, joka tunnetaan myös nimellä " Nancyn koulu ", joka oli omistautunut murtamaan hierarkiaa - maalaus ja kuvanveisto on asetettava korkeammalle kuin taide ja käsityö. Koulun pääedustajia olivat Emile Galle , Louis Majorelle , Henri Sauvage ja muut.

Ranskalaista tyyliä levitettiin laajalti aikakauslehdissä, mukaan lukien Studio, Art and Ideas ( ranska:  Arts et Id'es ) ja Art and Decoration ( ranska:  Art et D'coration ), joiden valokuvat ja värilitografiat tekivät tyylistä kuuluisan kaikkialla. maailma.

Ranskassa tyyli saavutti huippunsa vuonna 1900 ja putosi sitten nopeasti muodista ja katosi käytännössä Ranskasta vuonna 1905. Art nouveau oli ylellinen tyyli, jonka tekemiseen vaadittiin korkeasti palkattuja käsityöläisiä, ja tällä tyylillä valmistettujen esineiden valmistaminen ei voinut olla yhtä helppoa ja halpaa kuin massatuotantona. Yksi harvoista tuolloin massatuotetuista jugendtuotteista olivat René Laliquen hajuvesipullot, joita on valmistettu massatuotannossa tähän päivään asti.

Jugendtyylin kehitys Saksassa

Saksan jugend on saanut alkunsa erilaisista avantgarde-taiteilijoiden, arkkitehtien ja käsityöläisten yhdistyksistä, kuten Darmstadtin taiteilijasiirtokunnasta , Münchenin Secessionista , Berliinin Secessionista , Werkbundista ym. Saksan tyylikehityksen keskuksia olivat kaupungit: München , Darmstadt , Karlsruhe , Nürnberg , Leipzig , Berliini , Hagen jne.

Saksalainen jugendtyyli tunnetaan nimellä Jugendstil ( saksaksi  Jugendstil  - "Young Style"). Nimi tulee Münchenissä ilmestyneen taidelehden Jugend nimestä . Julkaisun perusti vuonna 1896 Georg Hirt , joka toimi lehden toimittajana kuolemaansa asti vuonna 1916 . Julkaisu ilmestyi vuoteen 1940 asti . 1900-luvun alussa lehti oli kokonaan omistettu taiteelle. [38] Myöhemmin muut Baltian ja Pohjois-Euroopan maat lainasivat termin Jugendstil nimeämään näiden maiden tyyliä. [39]

Vuonna 1892 Georg Hirt valitsi Münchenin taiteilijoiden yhdistykselle nimen München Secession. Wienin Secession ja Berliinin Secession lainasivat nimensä Münchenin ryhmän nimestä. Tärkeitä osallistujia nykyaikaisuuden kehityksessä Saksassa olivat: Münchenissä ilmestyvät aikakauslehdet "Jugend" ja " Simplicissimus " ( saksa:  Simplicissimus ) sekä Berliinissä ilmestyvä aikakauslehti " Pan " ( saksa:  Pan ).

Otto Eckmann oli yksi tunnetuimmista saksalaisista Jugend- ja Pan-lehtiin liittyvistä taiteilijoista. Edeltäjänsä Britanniassa hän oli kiinnostunut japanilaisesta taiteesta, mutta erityisesti luonnonaiheiden litteästä esittämisestä. Hänen suosikkieläimestään, joutsenesta, on tullut yksi jugendtyylien leitmotiiveista.

Jugendstil yhdisti mutkaisia ​​käyriä geometrisiin linjoihin, joita käytettiin kirjankansien, mainosten ja näyttelyjulisteiden suunnittelussa. Suunnittelijat loivat usein alkuperäisiä kirjasintyylejä, jotka sekoittuivat harmonisesti kuviin, kuten Arnold Böcklinin vuoden 1904 kirjasintyylejä .

Vuonna 1899 Darmstadtin taiteilijasiirtokunnan perusti Ernest Ludwig , joka rakensi suurherttuan talon sekä siirtokunnan suurimman rakennuksen, häätornin. Siirtokunnan kuuluisia jäseniä olivat Joseph Maria Olbrich  - yksi Wienin Secessionin perustajista, Peter Behrens ja Hans Christiansen .

Toinen merkittävä Saksan liitto oli " Deutsche Werkbund " ( saksaksi  Deutscher Werkbund ) , joka perustettiin vuonna 1907 Münchenissä Hermann Muthesiuksen aloitteesta . Vuodesta 1896 vuoteen 1903 Muthesius työskenteli Englannissa, jossa hän opiskeli perinteisen englantilaisen talon arkkitehtuuria ja oli lähellä Arts and Crafts -liikkeen ideoita. Uuden englantilaisen taiteen, rationalistisen arkkitehtuurin ja Charles Macintoshin Glasgow Schoolin teosten vaikutuksen alaisena Muthesiuksella oli ajatus uudesta liitosta. Werkbundin perustajat olivat: Peter Behrens  - yksi teollisen muotoilun perustajista, Theodor Fischer , Joseph Hoffmann , Wilhelm Kreis , Max Lauger , Adelbert Niemeyer , Joseph Maria Olbrich , Bruno Paul , Richard Riemerschmid , Jacob Julius Scharvogel , Paul Schulze- Naumburg , Fritz Schumacher .

Jugendtyylin kehitys Itävalta-Unkarissa

Itävalta

Katso myös Wienin Secession

Wienistä tuli jugendtyylin erillisen muunnelman keskus, joka tunnetaan nimellä " Wienin Secession ". Liike sai nimensä vuonna 1892 perustetun Münchenin Secessionin nimestä . Wienin Secessionin perusti huhtikuussa 1897 taiteilijaryhmä, johon kuuluivat Gustav Klimt , Koloman Moser , Josef Hoffmann , Joseph Maria Olbrich , Max Kurzweil , Ernst Störi jne. [40] Gustav Klimtistä tuli liikkeen johtaja. Uusi liike vastusti Wienin Künstlerhausin ,  taiteilijoiden virallisen liiton, konservatiivista historistista suuntausta. Secession perusti aikakauslehden " Pyhä lähde " ​​( latinaksi  Ver Sacrum ) edistääkseen hänen työtään. [41] Joseph Maria Olbrich suunnitteli " Secessionin " kupolirakennuksen uuteen tyyliin, josta tuli Gustav Klimtin ja muiden liikkeen taiteilijoiden töiden näyteikkuna.

Klimt oli tunnetuin liikkeessä mukana olevista taiteilijoista. Hänen teoksissaan raja hienon ja koristemaalauksen välillä poistettiin. Toinen tärkeä jäsen liikkeessä oli Koloman Moser. Hän oli erittäin monipuolinen jugend-mestari – hänen työhönsä kuului aikakauslehtikuvituksia, arkkitehtonisia rakennussuunnitelmia, hopeaesineitä, keramiikkaa, posliinia, tekstiilejä, lasimaalauksia ja huonekaluja.

Wienin Secessionin tunnetuin arkkitehti oli Otto Wagner [42] , joka liittyi liikkeeseen pian sen perustamisen jälkeen seuratakseen oppilaitaan Hoffmannia ja Olbrichia. Hänen pääprojekteihinsa kuuluivat useat kaupunkien rautatieverkoston asemat, Karlsplatzin asema - tällä hetkellä Wienin museon näyttelyhalli jne.

Vuonna 1899 Joseph Maria Olbrich muutti Darmstadtin taiteilijasiirtokuntaan, ja vuonna 1903 Koloman Moser ja Joseph Hoffmann perustivat Wienin työpajat  , koulutuskoulun ja työpajan huonekalujen, mattojen, tekstiilien ja koriste-esineiden suunnittelijoille ja käsityöläisille. [43] Vuonna 1905 Koloman Moser ja Gustav Klimt erosivat Wienin Secessionista, myöhemmin vuonna 1907 Koloman Moser myös jätti Wiener Werkstütten ja sen toinen perustaja Joseph Hoffmann liittyi saksalaiseen Werkbundiin. Gustav Klimt ja Joseph Hoffmann jatkoivat yhteistyötä ja järjestivät näyttelyn Wienissä vuonna 1908 ja rakensivat Brysseliin Stocklet-palatsin (1905-1911), joka ennakoi modernistisen arkkitehtuurin alkua . [44] [45] Vuonna 2009 se merkittiin YK:n maailmanperintöluetteloon.

Unkari

Unkarin Secessionin edelläkävijä oli arkkitehti Ödön Lechner , jonka projektit merkitsivät siirtymistä historismista jugendtyylin unkarilaiseen versioon. [46] Sen arkkitehtuurin piirteitä olivat keramiikan ja unkarilaisten aiheiden käyttö. Teoksissaan hän käytti pygorgraniittia, jota valmistettiin Zsolnayn posliinitehtaan ja jota käytettiin Unkarin parlamenttitalon rakentamisessa ja Matyas-kirkon rakenneuudistuksessa. Lechnerin töihin kuuluvat myös Taideteollisuusmuseo , Geologian instituutti ja museo sekä Postin säästöpankkirakennus. [47] Unkarin arkkitehtonisen laitoksen vastustamisen vuoksi Lechner ei kuitenkaan alkuvaiheessa onnistunut saamaan alkuperäisiin rakennuksiin verrattavia rakennustilauksia. Lechnerin työ inspiroi kuitenkin seuraavaa arkkitehtien sukupolvea ja sillä oli tärkeä rooli uuden tyylin popularisoinnissa.

Toinen tärkeä arkkitehti oli Kara Kosh , joka oli John Ruskinin ja William Morrisin seuraaja. Kosh käytti suunnitelmissaan mallina suomalaista kansallisromanttista liikettä. [48] ​​Jotkut hänen rakennuksistaan: Zebegenin kirkko, Budapestin eläintarhan paviljongit ja National Székely Museum Shepshisentdördessä.

Unkarin taiteen irtautumista edistävä liike oli Gödöllön taidesiirtokunta, jonka perusti vuonna 1901 Taideteollisuuskoulun professori Aladar Körösföy-Krish , joka on myös Ruskinin ja Morrisin seuraaja. [48]

Gödöllen taidesiirtokunnan [49] jäsen Mikga Roth oli mukana useissa liikkeen projekteissa, mukaan lukien Gresham Palace (lasimaalaukset, 1906) ja Török Bank (mosaiikki, 1906), ja loi myös mosaiikkeja ja lasimaalauksia Kulttuuripalatsi (1911–1913) Marosvasarheissa .

Kuuluisa huonekalusuunnittelija Eden Farago yhdisti työssään perinteisen ja itämaisen arkkitehtuurin sekä modernin maalauksellisen suunnan. Toinen unkarilainen huonekalusuunnittelija Pal Horthy esitti työssään paljon hillitymmän ja toimivamman tyylin. Hänen työnsä tehtiin tammesta, jossa oli hienoja kuvioita eebenpuusta ja messingistä.

Tšekki, Slovakia, Slovenia, Galicia

Tuottelias slovenialainen arkkitehti oli Cyril Metod Koch . [50] Hän opiskeli Otto Wagnerin johdolla Wienissä ja toimi Laibachin (nykyinen Ljubljana , Slovenia ) kaupunginvaltuustossa vuosina 1894–1923. Laibachin maanjäristyksen jälkeen vuonna 1895, vuosina 1900-1910 [50] , hän suunnitteli monia maallisia rakennuksia Secession-tyyliin: Pogačnikin talo (1901), Chudenin rakennus (1901), Farmer's Loan Bank Building (1906-07), kunnostettu rakennus Hauptmann (1904). Hänen uransa huipentui lainapankkirakennuksen suunnitteluun Radmannsdorfissa (nykyinen Radovljica ) vuonna 1906. [50]

Prahan tunnetuimmat jugendrakennukset ovat esimerkkejä "kokonaistaiteesta", jossa on alkuperäistä arkkitehtuuria, veistoksia ja maalauksia. [51] Päärautatieaseman (1901-1909) suunnitteli Josef Fanta , koristeltu Vaclav Jansan maalauksilla , Ladislav Szalounin ja Stanislav Suchardan veistoksilla . Julkinen talo (1905–1912), jossa on Josef Maratkan ja Ladislav Shalounin veistoksia, suunnitteli Oswald Polivka ja Antonin Balshanek , koristelun teki kuuluisa tšekkiläinen taiteilija Alfons Mucha, ja myöhemmin Mucha maalasi lasimaalaukset Pietarissa . Vituksen katedraali alkuperäisessä tyylissään. Polivka, Maratka ja Shaloun osallistuivat samanaikaisesti uuden kaupungintalon rakentamiseen (1908-1911) yhdessä Stanislav Suchardan kanssa ,

Tyyli, joka yhdisti unkarilaisen secessionin ja kansalliset arkkitehtoniset elementit, oli tyypillistä slovakialaiselle arkkitehdille Dušan Jurkovićille . Hänen omaperäisimpiä teoksiaan ovat kulttuuritalo Šakolcessa (nykyisin Skalica Slovakiassa , 1905), kylpylän rakennukset Luhacovicessa ( nykyinen Tšekki , 1901-1903). Sekä 35 sotilashautausmaata lähellä New Zmigrudia Galiciassa (nykyinen Puola ), joista suurin osa on tehty paikallisen lemkon (rusinalaisen) kansantaiteen vaikutuksesta (1915-1917).

Jugendtyylin kehitys Puolassa

"Secessionin" puolalainen versio oli yksi jugendn kansainvälisistä suuntauksista. Tyyli kehittyi eniten Puolassa vuosina 1890-1910.

Puolan modernismin pääkeskukset olivat Krakova , Lodz , Wroclaw , Poznań ja Bydgoszcz . Varsova ennen toisen maailmansodan alkua oli myös kaupunki, jossa oli paljon jugendtyylisiä arkkitehtonisia rakennuksia, mutta vain pieni osa niistä on säilynyt tähän päivään asti, koska sodan aikana kaupunki tuhoutui lähes kokonaan ja suurin osa rakennuksista katosi.

Kuuluisia puolalaisia ​​arkkitehteja olivat: Franciszek Monczynski , Tadeusz Stryienski , Ludwik Wojtychko , Slawomir Odzhivolsky , Benjamin Torbe , Romuald Miller , Viktor Myarchinsky ja muut.

Myös puolalaista modernismin suuntaa arkkitehtuurissa täydensi Zakopanen arkkitehtoninen tyyli, joka oli osa puolalaista nykyaikaa. Lisäksi Wienin Secessionin tyyliin tehtyjä rakennuksia löytyy myös Puolan eri kaupungeista.

Puolalaiset taiteilijat omaksuivat monia jugendn kukka- ja orgaanisia aiheita. Puolalainen jugendmaalaus keskittyi pääasiassa Krakovan kaupunkiin. Stanisław Wyspianski oli Puolan "pää" art nouveau -taiteilija. Hänen maalauksensa, teatteriprojektinsa, lasimaalauksensa ja rakennusten sisätilat ovat nyt laajalti esillä Krakovan kansallismuseossa .

Jugendtyylin kehitys Alankomaissa

Alankomaissa, toisin kuin belgialainen kaareva ja kukkainen jugendtrendi, kehittyi toinen suunta - rakentavampi ja toimivampi. Hän sai vaikutteita saksalaisen jugenttilin ja Wienin secessionin geometrisistä ja tyylitellyistä muodoista.

Tärkein hollantilainen arkkitehti ja huonekalusuunnittelija oli Hendrik Petrus Berlage , joka tuomitsi historialliset tyylit ja puolusti toimivaa arkkitehtuuria. Hän kirjoitti:

"On taisteltava illuusion taidetta vastaan, tunnistettava valhe, jotta voidaan löytää olemus, ei illuusio."

[52]

Hän oli myös Viollet-le-Ducin [52] arkkitehtonisten teorioiden fani. Hän pyrki saavuttamaan tiukkaa toimivuutta ja kunnioittamaan puun luonnollisia muotoja ilman metallin vääntymistä ja vääntämistä. Kalusteita tehdessään hän käytti esimerkkinä egyptiläisiä suorakulmaisia ​​huonekaluja. Hänen ensimmäinen ja tunnetuin arkkitehtoninen työnsä oli Bers van Berlage Commodity Exchange -rakennus Amsterdamin keskustassa ( 1896-1903 ), jonka hän rakensi konstruktivismin periaatteiden mukaisesti. Kaikki oli toimivaa, mukaan lukien seiniä koristavat niitit. Hän sisällytti usein korkeita torneja rakennussuunnitelmiinsa tehdäkseen niistä näkyvämpiä. Tätä käytäntöä käyttivät myös muut tuon ajan jugend-arkkitehdit, kuten Joseph Maria Olbrich Wienissä ja Eliel Saarinen Suomessa. [53] Toinen hänen kuuluisa teoksensa oli American Hotel ( 1898-1900 ).

Muita merkittäviä alankomaalaisia ​​arkkitehteja olivat Hermann Hendrik Baanders ja Gerrit van Arkel . He valmistuivat Astoria -rakennusten suunnittelusta (1904-1905) Amsterdamissa; rautatieasema Haarlemissa ( 1906-1908 ) ja Holland America Linesin entinen toimistorakennus ( 1917 ) Rotterdamissa .

Merkittävä jugendgraafikko ja kuvittaja oli Jan Thorop , jonka työt suuntautuivat mystiikkaan ja symboliikkaan. Hänen suunnittelu- ja väritöissään voidaan jäljittää Jaavan saaren taiteen vaikutus . [53]

Tärkeitä mestareita keramiikan ja posliinin valmistuksessa olivat Jurrian Kok ja Theo Colenbrander . He käyttivät töissään värikästä kukkakuviota. Perinteisten jugend-aiheiden ohella he käyttivät epätavallisia keramiikan muotoja, vastakkaisia ​​tummia ja vaaleita värejä, jotka on lainattu Java-batikkoruista. [54]

Jugendtyylin kehitys Espanjassa

Katso myös katalaani moderni

Erittäin omaperäinen jugendversio ilmestyi Espanjassa Barcelonassa, suunnilleen samaan aikaan kuin Belgiassa ja Ranskassa. Sitä kutsuttiin katalaanimodernismiksi. Yli 100 arkkitehtia suunnitteli rakennuksia uuteen tyyliin, mutta tärkeimmät ovat kolme arkkitehtia: Antonio Gaudi , Lluis Domènech i Montaner ja Josep Puig i Cadafalch .

Katalonian jugendista kuuluisin edustaja oli Antoni Gaudí. Gaudi käytti laajasti kukka- ja orgaanisia muotoja työssään, erityisesti Parc Güellin suunnittelussa . Puiston arkkitehtuuri yhdisti Arts and Crafts -liikkeen, symbolismin, ekspressionismin ja rationalismin elementtejä ja vaikutti moniin 1900-luvun arkkitehtuurin muotoihin ja tekniikoihin. [55] [56] [57]

Teoksissaan: Pavilion Güell (1884-1887) ja Park Güell (1900-1914) hän sovelsi uutta tekniikkaa nimeltä Trencadis . Hänen hankkeillaan Casa Batlo (1904–1906) ja Casa Mila (1906–1912) liittyivät läheisesti jugendtyyliin, mutta arkkitehdin pääteos Sagrada de Familia -katedraali yhdisti elementtejä jugendista uusgootiikan kanssa .

Gaudín hallitsevan aseman Kataloniassa lisäksi Lluís Domènech y Montaner oli myös merkittävä arkkitehti. Hän rakensi myös rakennuksensa Barcelonaan: Kolmen lohikäärmeen linnan (1888), Lleo y Moreran talon (1902-1906), Katalonian musiikin palatsin (1905) ja Sant Paun sairaalan (1901-1930). Kaikki rakennukset ovat YK:n maailman kulttuuriperintöluettelossa.

Toinen suuri katalonialaisen jugendtyylin hahmo oli Josep Puig y Cadafalch, joka suunnitteli Martín talon , Macayan talon , Amatlerin talon , Palau del Bare de Quadrasin ja muut.

Espanjan Katalonian lisäksi Art Nouveau kehittyi Valenciassa. Joitakin merkittäviä arkkitehteja ovat: Demetrio Ribes Marco , Vicente Pascual Pastor , Timoteo Briet Monto ja José María Manuel Cortina Pérez . Valencialaiselle jugendille erottui keramiikan käyttö sisustuksessa sekä julkisivuissa että koristeissa sekä alueellisten aiheiden käyttö.

Toinen jugendversio Espanjassa oli jugend Madridin variantti ( espanjaksi:  Modernismo madrileño ), jossa on merkittäviä arkkitehtonisia rakennuksia, kuten Longorian palatsi , Madridin kasino tai Cementerio de la Almudena . Tunnetuimmat Madridin arkkitehdit olivat: José López Sallaberry , Fernando Arbos y Tremanti ja Francisco Andrés Octavio .

Art nouveaun kehitys Italiassa

Art nouveau Italiassa tunnettiin nimellä "Liberty style". Tyyli on saanut nimensä liikkeen nimestä - Liberty & Co, jonka perusti vuonna 1874 Lontoossa brittiläinen yrittäjä ja jugendista tunnettu Arthur Lasenby Liberty , joka on erikoistunut tekstiilien ja taideesineiden maahantuontiin Japanista ja Kaukoidästä. olivat erityisen suosittuja Italiassa.

Liberty-tyyli oli hyvin erilainen kuin jugendtyyli ja seurasi usein historiallisia tyylejä, erityisesti barokkia. Talojen julkisivut olivat usein täynnä koristeita ja veistoksia. Värikkäät maalatut tai keraamiset freskot ja veistos sekä sisällä että ulkona olivat suosittuja italialaisen jugendtyylin piirteitä. He luottivat sekä klassisiin että kukkaisiin teemoihin.

Tärkein italialainen jugendsuunnittelija oli Carlo Bugatti . Hänen työnsä olivat eksoottisia, mukaan lukien hopeaesineet, tekstiilit ja keramiikka, mutta hänet muistetaan parhaiten innovatiivisista huonekalumalleistaan, jotka esiteltiin ensimmäisen kerran vuoden 1888 Milanon taidemessuilla . Hänen huonekalunsa erosivat usein rakenteeltaan, ja niissä oli epätavallisia viimeistelyjä, mukaan lukien pergamentti ja silkki sekä norsunluun upotukset.

Samoin tunnettu italialainen jugendsuunnittelija oli Galileo Cini , joka tunnettiin maalarina ja teatterisuunnittelijana; hän suunnitteli lavasteet Puccinin kahdelle kuuluisalle oopperalle Gianni Sicchi ja Turandot . [58] [59] .

Jugendtyylin kehitys Venäjällä

Venäläinen jugendvariaatio on hyvin värikäs muunnelma jugendista, joka ilmestyi Moskovassa ja Pietarissa vuonna 1898 alkaen venäläisten taiteilijoiden Alexander Benois'n ja Léon Bakstin julkaisusta Mir Iskusstva -taidelehdessä . Myöhemmin julkaisu järjesti johtavien venäläisten taiteilijoiden, kuten Mihail Vrubelin , Konstantin Somovin , Isaac Levitanin , kirjankuvittaja Ivan Bilibinin ja muiden näyttelyitä venäläisen kansanperinteen ja satujen ideoista. Suurin "World of Art" panos jugendtyylin kehitykseen oli Sergei Diaghilevin johtaman uuden balettiryhmän "Russian Ballet" luominen Bakstin ja Benoisin suunnittelemilla puvuilla ja maisemilla. Uuden balettiryhmän ensi-ilta pidettiin Pariisissa vuonna 1909. Jatkossa hänen esityksiään pidettiin joka vuosi vuoteen 1913 asti. Benoistin ja Bakstin suunnittelemilla eksoottisilla ja värikkäillä lavasteilla oli suuri vaikutus ranskalaiseen taiteeseen ja muotoiluun. Pukuja ja maisemia toistettiin Pariisin johtavissa aikakauslehdissä: " Illustration " ( fr.  L'Illustration ), " Paris Life " ( fr.  La Vie parisienne ), minkä ansiosta venäläinen tyyli tuli tunnetuksi Pariisissa tyylinä a la Bakst. Balettiryhmä jäi Pariisiin ensin ensimmäisen maailmansodan puhkeamisen ja sitten Venäjän vallankumouksen seurauksena vuonna 1917, eikä ironista kyllä ​​koskaan esiintynyt Venäjällä [60] .

Venäläisistä arkkitehdeista merkittävin arkkitehti oli Fedor Shekhtel. Tunnetuin esimerkki hänen työstään on Ryabushinsky-kartano Moskovassa. Se rakennettiin venäläisen liikemiehen ja sanomalehden omistajan rahoilla, ja sitten Venäjän vallankumouksen jälkeen siitä tuli kirjailija Maxim Gorkin asuinpaikka, jossa hänen museonsa tällä hetkellä sijaitsee.

Muut sen ajan venäläiset arkkitehdit loivat suunnitelmia, jotka pohjautuivat historialliseen venäläiseen arkkitehtuuriin. Nämä rakennukset luotiin pääasiassa puusta ja ne viittasivat Kiovan Venäjän arkkitehtuuriin. Joitakin esimerkkejä ovat Sergei Maljutinin Teremok-talo Talashkinossa (1901-1902) ja Moskovan Pertsov-talo (1905-1907).

Pietarilainen arkkitehti Nikolai Vasiliev rakensi ennen muuttoaan vuonna 1923 useita eri tyylisiä rakennuksia. Nämä rakennukset ovat merkittävimpiä kivikaiverruksista, joita on tehnyt Sergei Vashkov . Hän sai inspiraationsa 1100-1300  - luvulla Vladimirin Pyhän Demetriuksen katedraalin ja Urjevo -Polskyn Pyhän Yrjön katedraalin kaiverruksista .

Tänä aikana Venäjällä rakennettiin useita taidesiirtokuntia Venäjän herätyksen tyyliin. Kaksi tunnetuinta heistä sijaitsi Abramtsevossa (rahoittaja Savva Mamontov ) ja Talashkinossa (rahoittaja prinsessa Maria Tenisheva ). Yksi esimerkki venäläisestä renessanssiarkkitehtuurista on Aleksei Štšusevin Marfo-Mariinsky-luostari (1908-1912), joka oli päivitetty versio klassisesta venäläisestä ortodoksisesta kirkosta. Myöhemmin, ironista kyllä, tämä arkkitehti suunnitteli Leninin mausoleumin Moskovaan.

Art nouveau ilmeni elävästi Pietarissa, jonne Nevski Prospektille rakennettiin Singerin talo ja Eliseevsky-myymälä . Venäjän jugend-arkkitehtuurille oli ominaista valtavat panoraamaikkunat ja omituiset metallikoristeet toiminnallisista yksityiskohdista (lamput ja kaiteet).

Art nouveaun kehitys Latviassa

Latvian nykyinen pääkaupunki Riika oli jugendkaudella yksi Venäjän valtakunnan suurimmista kaupungeista, jossa jugend-arkkitehtuuri kehittyi oman dynamiikkansa mukaan. Tyylistä tuli erittäin suosittu ja se hallitsi kaupunkia Latvian etnografisen näyttelyn vuonna 1896 ja teollisuus- ja käsityönäyttelyn vuonna 1901 jälkeen. Art nouveau -rakennukset muodostavat kolmanneksen Riian keskustan rakennuksista, mikä tekee siitä kaupungin, jossa on eniten jugend-arkkitehtuuria maailmassa. [61] . Art nouveau -arkkitehtuurin määrä ja laatu oli yksi kriteereistä Riian historiallisen keskustan sisällyttämiselle Unescon maailman kulttuuriperintöluetteloon [62] .

Riiassa oli erilaisia ​​muunnelmia jugend-arkkitehtuurista:

  • eklektisessä (koristeellisessa) jugendissa suosituimpia olivat kukkakoristeet ja luonnon inspiroimat koriste-elementit. Esimerkkejä tästä muunnelmasta ovat Mikhail Eisensteinin teokset .
  • kohtisuorassa jugendversiossa geometriset ornamentit integroitiin julkisivujen pystysuoraan kompositsiooniin. Useat Riian tavaratalot rakennettiin tähän tyyliin.
  • National Romantic Art Nouveau sai inspiraationsa paikallisesta kansantaiteesta, jossa käytettiin luonnollisia rakennusmateriaaleja.

Joissakin myöhemmissä uusklassisissa rakennuksissa oli myös jugendtyylisiä yksityiskohtia.

Art Nouveaun kehitys Skandinavian maissa

Moderni oli suosittu Skandinavian maissa, missä sitä kutsuttiin " pohjoismoderniksi ", ja se sisälsi jokaisessa maassa sen ominaisen romanttisen nationalismin .

Suomi

Suomi oli maa, jossa oli runsaasti jugendtyylisiä arkkitehtonisia rakennuksia, joiden kehitysaika osui suomalaisen taiteen kulta-aikaan ja maan kansalliseen heräämiseen. Vuoden 1900 Pariisin näyttelyn jälkeen Akseli Gallen-Kallelasta tuli johtava suomalainen taiteilija [63]

Pariisin näyttelyssä Suomen paviljongin kirjoittajat olivat Hermann Gesellius , Armas Lindgren ja Eliel Saarinen. He työskentelivät yhdessä vuosina 1896–1905 ja loivat useita kuuluisia rakennuksia Helsinkiin , mukaan lukien vakuutustalo Pohjola ( 1899–1901), Suomen Kansallismuseo (1905–1910) [64] ja yhteinen asuinpaikkansa Wittresque . Kirkkonummella ( 1902). Arkkitehdit ovat saaneet inspiraationsa skandinaavisista legendoista ja luonnosta. Karkeasta graniittijulkisivusta on muodostunut Suomen kansalle kuuluvan tyylin symboli [65] .

Toinen merkittävä suomalainen arkkitehti, joka loi useita merkittäviä teoksia Suomessa, oli Lars Sonk . Hänen pääteoksiaan olivat Tampereen Tuomiokirkko (1902-1907), Jean Sibeliuksen talo (1903), Helsingin Puhelinyhdistyksen päämaja (1903-1907) ja muut.

Norja

Norja , samoin kuin Suomi Venäjän valtakunnasta , tavoitteli itsenäisyyttä Ruotsista , ja jugendtyylin paikallinen versio yhdistettiin viikinkien kansantaiteen ja käsityön inspiroimaan elpymiseen.

Kuuluisa norjalainen taiteilija Lars Kinsarvik suunnitteli tuolit perinteisillä kelttiläisillä ja viikinkitaideaiheilla.

Toinen norjalainen taiteilija Gerhard Munte suunnitteli tuolin, jossa oli tyylitelty lohikäärmepää, muinaisten viikinkilaivojen tunnus, ja teki myös laajan valikoiman julisteita, maalauksia ja grafiikkaa. [66]

Norjalaista Ålesundin kaupunkia pidetään Skandinavian jugendtyylin pääkeskuksena, koska se rakennettiin kokonaan uudelleen 23. tammikuuta 1904 tapahtuneen tulipalon jälkeen [67] . Rakennukset rakennettiin uudelleen vuosina 1904-1907 insinööri Frederic Nesserin kaupunkisuunnitteluprojektin mukaan . Yhtenäisyyden ja monimuotoisuuden fuusio on synnyttänyt tyylin, joka tunnetaan nimellä "Ol Steel". Rakennuksissa on jugendtyylistä lineaarinen koristelu, joka sisältää kansanperinteisiin perustuvia elementtejä, kuten puisia kirkkotorneja tai tuftattuja kattoja [67] .

Ruotsi ja Tanska

Ruotsissa ja Tanskassa merkittäviä art nouveau -rakennuksia olivat Tukholman kuninkaallinen draamateatteri (1901–1908) [68] ja entinen kaupunginkirjasto (nykyinen Tanskan kansallinen liikearkisto) Århusissa , Tanskassa (1898–1901) [69] . Hack Kampmann , tuolloin kansallisromanttisen tyylin kannattaja, loi Århusin tullirakennuksen, Århusin teatterin ja Villa Kampenin Århusiin. Tunnetuin tanskalainen jugendsuunnittelija oli Georg Jensen . Baltian näyttely Malmössä vuonna 1914 oli viimeinen suuri Jugentstil-näyttely Ruotsissa [70] .

Jugendtyylin kehitys Romaniassa

Romanialaiselle jugendille oli ominaista se, että arkkitehtuurissa oli Nancyn koulukunnalle ominaisia ​​naturalistisia kukkakuvioita sisältäviä reliefejä sekä rakennusten julkisivuja koristavat meren eläimistöaiheet, kuten simpukat ja delfiinit. Romanian Revival-tyyli, joka oli läsnä arkkitehtuurissa, huonekaluissa ja graafisessa suunnittelussa, sisälsi elementtejä art nouveau -lajikkeesta.

Esimerkkinä on yksi Bukarestin taloista - Petre Antonescun Dinu Lipatti -talo , jonka keskeisenä aiheena on sisäänkäynnin kaari, jonka yläpuolella on korkealla kohokuviolla tehty naismascaron. Muita esimerkkejä Bukarestin jugend-arkkitehtuurista ovat kaupunkitalot, joissa on hevosenkengän tai muun muotoisia ikkunoita tai jugendkoristeita, ja Romulus Porescun talo , jonka kulma-ikkunoissa on Egyptin Revival -lasimaalaukset. Jotkut Bukarestin uusbarokkityylisistä rakennuksista on valmistettu jugend- tai uusroccoco-elementeistä, mukaan lukien Bukarestin observatorio , talo nro . [71] Constantan kasino on luultavasti tunnetuin esimerkki jugendista Romaniassa.

Yksi tunnetuimmista romanialaisista taiteilijoista oli Stefan Lucian , joka omaksui innovatiiviset ja koristeelliset jugendtrendit. Tämä hetki osui yhteen Ilean Societyn perustamisen kanssa vuonna 1897, jonka perustaja hän oli yksi. Vuonna 1898 yhdistys järjesti Union-hotellissa näyttelyn " Independent Artists Exhibition " ja julkaisi Ileana - lehden. [72]

Myös esimerkkejä jugend- ja romanialaisen herätyksen arkkitehtuurista löytyy Transilvaniasta, joista ensimmäiset ovat peräisin Itävalta-Unkarin aikakaudelta. Suurin osa niistä sijaitsee Oradean kaupungissa , jota kutsutaan "Romanian jugendpääkaupungiksi", sekä Timisoarassa , Târgu Mureșissa ja Sibiussa . [73] [74] [75]

Art Nouveaun kehitys Sveitsissä

Muunnos jugendista nimeltä "Spruce Style" ilmestyi La Chaux-de-Fondsissa Neuchâtelin kantonissa Sveitsissä . Tyylin perustaja oli taiteilija Charles L'Eplatenier , joka sai inspiraationsa luonnollisista aiheista, kuten mäntyistä, muista kasveista sekä Jura-vuorilta löytyvistä villieläimistä. Yksi hänen päätöistään oli Krematorium, jossa käytettiin kolmion muotoisia puumuotoja, käpyjä ja muita alueen luonnonaiheita. Tyyliä yhdistettiin myös geometrisempiin jugend- ja wieniläisen secessionin tyylielementteihin [77] . Toinen merkittävä tämän tyylinen rakennus on Villa Falle La Chaux-de-Fonds  , mökki, jonka suunnitteli ja rakensi vuonna 1905 L'Eplatenierin opiskelija, 18-vuotias Le Corbusier . Talon muoto muistutti perinteistä sveitsiläistä chalet-mökkiä, mutta julkisivun suunnittelussa käytettiin kolmion muotoisia puita ja muita luonnonelementtejä. Le Corbusier rakensi alueelle vielä kaksi mökkiä, perinteisemmällä tyylillä [77] [78] [79] .

Jugendtyylin kehitys Portugalissa

Aveiron jugendvarianttia kutsuttiin Arte Novaksi , ja sen tärkein erottuva piirre oli näyttävä esillepano: tätä tyyliä käytti porvaristo, joka halusi ilmaista vaurautta julkisivuissa pitäen samalla sisätilat konservatiivisena. [80] Toinen Arte Novan erottuva piirre oli paikallisesti tuotettujen jugend-aiheisten laattojen käyttö. [80] Vaikuttavin Arte Nova -taiteilija oli Francisco Augusto da Silva Rocha [80] . Vaikka hän ei ollut arkkitehti, hän suunnitteli monia rakennuksia Aveiroon ja muihin Portugalin kaupunkeihin [81] . Yksi niistä on Major Pessoan residenssi , jossa Arte Nova -museo tällä hetkellä sijaitsee. [80] Arte Novasta on muita esimerkkejä muissa Portugalin kaupungeissa [82] [83] . Jotkut niistä: Anastasio Goncalves Manuel Joaquim Norte Juniorin kotimuseo , tohtori Anastasio Goncalvesin (1904-1905) kotimuseo Lissabonissa , kahvila Majestic Juan Queiroz (1921) ja muut.

Art Nouveaun kehitys Yhdysvalloissa

Yhdysvalloissa Louis Comfort Tiffanyn yrityksellä oli keskeinen rooli amerikkalaisen tyylitrendin kehityksessä. Vuonna 1885 Tiffany perusti oman yrityksen, joka harjoitti ohuiden lasituotteiden tuotantoa ja sen värjäysmenetelmien kehittämistä. Vuonna 1893 Tiffany aloitti maljakoiden ja kulhojen valmistuksen, kehitti uusia tekniikoita, jotka mahdollistivat alkuperäiset muodot ja värit, ja kokeili koristeellista ikkunalasia. Vuonna 1895 hänen uusi työnsä esiteltiin Siegfried Bing Galleryssä , minkä ansiosta hän sai uusia eurooppalaisia ​​asiakkaita.

Isänsä kuoleman jälkeen vuonna 1902 hän otti yrityksen koko johtamisen, mutta omisti silti suurimman osan ajastaan ​​lasitaideesineiden suunnitteluun ja valmistukseen.

Thomas Edisonin vaatimuksesta hän alkoi valmistaa sähkölamppuja, joissa oli pronssista ja raudasta valmistettuja monivärisiä lasivarjostimia, jotka oli koristeltu mosaiikeilla ja joita valmistettiin lukuisissa sarjoissa. Jokaisen tuotteen parissa työskenteli suunnittelijoiden ja käsityöläisten tiimi. Tiffany-valaisimesta on tullut yksi nykyaikaisuuden "ikoneista", mutta yrityksen käsityöläiset suunnittelivat lamppujen lisäksi myös epätavallisia lasista valmistettuja ikkunoita, maljakoita ja muita taideteoksia.

Columbian Exposition oli tärkeä paikka Tiffanylle; hänen suunnittelemansa kappeli oli esillä Taide- ja teollisuuspaviljongissa. Tiffany-kappeli ja yksi New Yorkin Tiffany-talon ikkunoista ovat tällä hetkellä esillä Charles Hosmer Morse Museum of American Artissa Winter Parkissa, Floridassa.

Tiffanyn lasitavarat olivat myös suuri menestys vuoden 1900 maailmannäyttelyssä Pariisissa. Hänen lasimaalauksensa nimeltä Flight of Souls voitti näyttelyn kultamitalin [84] .

Toinen tärkeä hahmo amerikkalaisessa jugendissa oli arkkitehti Louis Sullivan . Sullivan oli amerikkalaisen modernin arkkitehtuurin edelläkävijä, Chicago Schoolin perustaja , ensimmäisten pilvenpiirtäjien arkkitehti ja Frank Lloyd Wrightin opettaja . Hänen tunnetuin sanansa oli:

"Muoto seuraa toimintoa."

Hänen rakennusten muodon muokkasi niiden käyttötarkoitus, mutta hänen rakennusten koristelu oli esimerkki amerikkalaisesta jugendliikkeestä.

Vuonna 1893 World's Columbian Exposition Chicagossa, joka tunnetaan parhaiten kuuluisan Valkoisen kaupungin uusklassisesta arkkitehtuurista, hän suunnitteli jugendtyylisen sisäänkäynnin yhteen esillä olevista rakennuksista.

Art Nouveaun kehitys Argentiinassa

Eurooppalaisten maahanmuuttajien tulvima Argentiina omaksui kaikki Euroopan taiteelliset ja arkkitehtoniset tyylit, mukaan lukien jugend. Argentiinan merkittävimpiä jugend-perintöjä ovat Buenos Aires , Rosario ja Mar del Plata [85] [86] .

Pariisi oli Buenos Airesin arkkitehtoninen prototyyppi, jossa rakennettiin suuria bulevardeja ja katuja [85] . Paikalliseen tyyliin ja ranskalaiseen vaikutteeseen vaikutti myös italialainen modernismin suuntaus, koska monet arkkitehdit - Virginio Colombo , Francisco Gianotti , Mario Palanti  - olivat italialaisia.

Julián García Núñezin teoksissa voidaan havaita katalonialainen vaikutus [85] .

Wienin Secessionin vaikutus löytyy Paso y Viamonte - rakennuksesta .

Jugendtyylin kehitys Rosariossa yhdistetään Barcelonassa opiskelevan Francisco Roca Simon nimeen [87] . Hänen rakennuksessaan "Spanish Club" ( espanjaksi:  Club Español ) ( 1912 ) on yksi Latinalaisen Amerikan suurimmista lasimaalauksista . Rakennuksen veistokset on tehnyt barcelonalainen kuvanveistäjä Diego Masana [88] .

Belgialaista tyylisuuntaa Argentiinan jugendissa edustaa Villa Ortiz Basualdo , jossa tällä hetkellä toimii Juan Carlos Castagninon kaupungintaidemuseo Mar del Platassa , jossa huonekalut, sisätilat ja valaistus ovat Gustave Serrurier-Bovi .

Art nouveaun kehitys muissa maissa

Kuten Argentiinassa, jugendtyylinen muualla maailmassa, jota ei ole esitetty edellä, vaikuttivat pääasiassa ulkomaiset taiteilijat:

Art nouveau arkkitehtuurissa, taiteessa ja käsityössä sekä kuvataiteessa

Art nouveau arkkitehtuurissa

Art nouveau -arkkitehtuuri erottuu suorien linjojen ja kulmien hylkäämisestä luonnollisempien, "luonnollisempien" linjojen ja uusien materiaalien ( metalli , betoni , lasi ) käytöllä.

Kuten monet muutkin tyylit, myös jugend-arkkitehtuuri erottuu halusta luoda sekä esteettisiä että toimivia rakennuksia. Paljon huomiota kiinnitettiin rakennusten ulkonäön lisäksi myös sisätiloihin , jotka oli huolellisesti suunniteltu. Kaikki rakenneosat - portaat, ovet, pilarit, parvekkeet - käsiteltiin taiteellisesti.

Yksi ensimmäisistä jugendtyyliin työskennellyistä arkkitehdeista oli belgialainen Victor Horta . Hän käytti projekteissaan aktiivisesti uusia materiaaleja, pääasiassa metallia ja lasia . Hän antoi epätavallisia muotoja raudasta tehdyille tukirakenteille , jotka muistuttavat upeita kasveja. Portaiden kaiteet, kattoon roikkuvat lamput ja jopa ovenkahvat suunniteltiin kaikki samalla tyylillä. Ranskassa jugend-ideat kehitti Hector Guimard , joka loi muun muassa Pariisin metron sisäänkäyntipaviljongit .

Espanjalainen arkkitehti Antonio Gaudi meni vielä pidemmälle klassisista arkkitehtuurikäsityksistä . Hänen rakentamat rakennukset sopivat niin orgaanisesti ympäröivään maisemaan, että ne näyttävät olevan luonnon, ei ihmisen, töitä.

Art nouveau maalauksessa

Art nouveau sai vahvan vaikutteen symbolismista , joka pyrki siirtymään 1800-luvun perinteisistä muodoista uusimpiin eurooppalaisiin trendeihin, jotka toisinaan olivat ehdollisia tiettyyn maahan.

Art Nouveaulle on ominaista halu luoda itsenäinen taiteellinen järjestelmä. Yksi näiden ideoiden perustajista oli Pont-Aven School Paul Gauguinin kanssa . Toisin kuin muut tyylit, jugendmaalauksia ja -paneeleja pidettiin sisustuksen elementteinä, mikä antoi sille uuden tunnevärin. Siksi koristeellisuudesta on tullut yksi art nouveau -maalauksen pääominaisuuksista.

Maalaukselle on ominaista paradoksaalinen yhdistelmä koristeellista konventionaalisuutta, koristeellisia "mattotaustaita" ja "veistoksisia" hahmoja ja etualan kasvoja veistoksellisella selkeydellä ( Gustav Klimt , Fernand Khnopf , Mikhail Vrubel ) sekä suuria väritasoja ( Leon Bakst , Edvard Munch ) ja ohuita korostettuja vivahteita (Mihail Vrubel, Alexander Benois ). Kaikki tämä antoi kuville suurta ilmettä. Symbolismi toi myös viivan ja värin symbolismin moderniin maalaukseen; Maailman surun, kuoleman ja eroottiikan teemat olivat laajasti edustettuina; taiteilijoiden vetovoima mysteerien, unien, legendojen, satujen jne. maailmaan levisi laajasti.Klimtin kankaat ovat oiva esimerkki jugendmaalauksesta. Art nouveau -taiteilijat työskentelivät kaikissa Euroopan ja Amerikan maissa: Itävallassa, Isossa-Britanniassa, Saksassa, Italiassa, Hollannissa, Venäjällä, USA:ssa jne. (Katso myös lista jugendajan taiteilijoista .)

Art Nouveau -grafiikka

Osana tyyliä kirja- ja aikakauslehtigrafiikka , julisteet ja julisteet yleistyivät . Taiteen alalla jugendtyyliä edistäviä lehtiä ja arvosteluja oli ennennäkemättömän paljon: Münchenissä "Jugend" (1896), Berliinissä "Pan" (1895), Darmstadtissa "German Art and Decoration" ( saksa:  Deutsche Kunst und Dekoration ) (1897), Lontoossa "Studio" (1893), Flanderissa "Tästä lähtien ja myöhemmin" ( hollanti.  Van Nu an Straks ) (1893), Pariisissa "Taide ja koristelu" ( fr.  Art . et d 'coration ) (1897) ja "White Journal" ( fr.  La Revue Blanche ) (1889), Wienissä "The Rite of Spring" (1898), Prahassa "Free Directions" ( fr.  Volne Smery ) (1897) ), Pietarissa "The World of Art" (1898) jne.

Grafiikasta tuli alue, josta tyyliaiheet kasvoivat ja kehittyivät, ja sen kehitykseen vaikutti suuresti englantilaisen taiteilijan ja arkkitehdin McMurdon "City Churches of Wren" -kirjaan luoma kansi. Tässä vuonna 1883 ilmestyneessä mallissa on värit ja voimakkaasti kaareutuvat varret ja lehdet yksivärisinä. Koska tämä kansi kuului arkkitehtuurikirjaan ja luultavasti monet brittiarkkitehdit ostivat sen, se vaikutti voimakkaasti jugend-arkkitehtuurin käyrien ja muotojen luomiseen [98] .

1800-luvun lopulla syntyi sellainen grafiikka, jota kutsutaan yleisesti julisteeksi. Julisteen syntyä ohjasivat painoalan innovaatiot. Litografiatekniikka avasi tien julisteen todelliseen taiteeseen. Julkaisun levikki voisi olla useita tuhansia painoksia [99] .

Litografia, kirjan taide (kirjasuunnittelu), grafiikka saavutti korkean nousun jugendkaudella englantilaisen Aubrey Beardsleyn , saksalaisten Thomas Heinen , G. Folegerin ja venäläisten mestareiden Alexander Benoisin ja Konstantin Somovin työn ansiosta . Art Nouveau saavutti suuria taiteellisia saavutuksia julisteiden ja julisteiden luomisessa ( Emile Grassetin teoksia Ranskassa, Alphonse Muchan töitä Tšekin tasavallassa).

Ensimmäiset modernistit Ranskassa olivat Gauguinin opetuslapset ja Englannissa - "prerafaeliitien" seuraajat.

Englannin jugendista merkittävimmät hahmot olivat William Blake ja Aubrey Beardsley , Oscar Wilden Salomeen kuvien ja Yellow Book -lehden piirustuksen kirjoittaja . Beardsleyn grafiikat ovat moderneja klassikoita. Venäläinen graafikko Nikolai Kuzmin sanoi, että Beardsley erotti valon pimeydestä. Vaalealle - valkoinen paperi, pimeydelle - musta muste. Eikä puolisävyjä. Linja on saanut hämmästyttävän voiman. Grafiikan uusi aikakausi on alkanut. Keinojen äärimmäinen yksinkertaisuus: vain mustavalkoinen, paperiarkki, kynä, mustepullo. Mutta missä hän halusi näyttää hämmästyttävän "taitonsa kokeilla", hänen tekniikastaan ​​tulee kuin hienointa pitsiä: "Salomeen", "Venukseen ja Tannhäuseriin", " Volponeen ", sarjaan "The Rape of the Lock" [ 100] .

Art nouveau -grafiikalla oli omat ilmaisukeinonsa: energinen yleinen piirustus, terävät kontrastivärisuhteet ja litografian suurten teknisten ominaisuuksien käyttö auttoivat kehittämään niin monenlaista grafiikkaa kuin juliste. Niille on ominaista huolellisesti suunnitellut sommittelut, koristeelliset ja tyypit [99] .

Venäjällä " World of Art " -yhdistyksen mestareilla oli suuri rooli julisteen kehittämisessä . Juliste tarjosi heille massiivisen alustan, josta he saattoivat osallistua esteettiseen valaistukseen.

Vuonna 1896 Jugend-lehti alkoi ilmestyä Münchenissä . Tähän mennessä Saksaan oli kehittynyt kehittynyt painoteollisuus. Pitkät perinteet kirja- ja aikakauslehtiala kukoisti. Monivärinen painatus, suurikokoiset litografoidut julisteet ja samalla pienoismainostarrat ovat yleistyneet. Muita kehitettyjä pieniä genrejä: kirjakilpi , lehtinen. Münchenin ja Berliinin museot tilasivat kirjapainoilta alkuperäisiä kutsukortteja. Kustannusyhtiöiden ja kirjakauppojen luettelot olivat usein todellisia graafisia mestariteoksia, jotka edustivat taiteilijoiden maalauksia [101] .

Saksalaisen grafiikan mestarit etsivät uusia tekniikoita. Tällaisia ​​innovaatioita olivat piirtäminen karkealle rakeiselle paperille ja sen esipinnoitus valkoisella. Pehmeän epäselvän viivan saavuttamiseksi esimerkiksi Münchenin grafiikassa alettiin hyödyntää laajasti japanilaista sivellintä. Toinen innovatiivinen tekniikka on saada valkoiselle paperille jälki karkean materiaalin tekstuurista, joka on hieman kyllästetty tummalla maalilla. Tausta oli kuin kankaan rakeinen pinta; siihen kohdistettu veto sai erityisiä ominaisuuksia. Graafikot oppivat käsittelemään paperia erilaisilla hapoilla muuttaakseen siitä eräänlaisen pergamentin. Tällaisen paperin viivat näyttivät uudella tavalla [101] .

Art nouveau -veistos

Art nouveau -veistos ja maalaus saivat voimakkaita vaikutteita symbolismista . Art nouveau -veistoksen pääpiirteet ovat paluu "luonnollisiin" linjoihin. Muodojen juoksevuus ja dynaamisuus, "sisäinen energia" ovat ominaisia. Art nouveau -veistos on koristeellista, sen tarkoitus on sisustaa tilaa, alistaa se yhdelle rytmille. Nykyaikaisista kuvanveistäjistä erottuu kaksi ranskalaista mestaria: Auguste Rodin ja Aristide Maillol .

Tusinasta Rodinin teoksesta tunnetuin on The Thinker . Teoksissaan hän ylistää rakkauden suurta voimaa, sen kauneutta ja kuolemattomuutta. Hänen muut kuuluisat teoksensa: "Ensimmäinen suudelma", "Ikuinen kevät", "Runoilija ja muusa".

Katalonialainen Aristide Maillol otti kuvanveiston käyttöön ollessaan jo tunnettu maalauksen mestari. Kokeillessaan alaston naisluonnon kanssa hän yritti luoda kuvia luonnollisesta kauneudesta, korosti naisen kehon luonnollista harmoniaa, aistillisuutta ja emotionaalisuutta. Hänen teoksensa - "Pomona", "Yö, joki", "Kolme nymfiä" - ovat maailman parhaissa museoissa, ja kaikki hänen työnsä kuuluvat oikeutetusti eurooppalaisen plastiikkataiteen mestariteoksiin.

Epätavallinen näkemys maailmasta ja ihmisen tulkinta ovat ominaisia ​​tšekkiläisen modernistin Frantisik Bilekin teokselle . Hänen työlleen on ominaista täydellinen realismi ja kuvan aitous. Hänen teostensa hahmot - Mooses, Gus - eroavat uutuudesta ja epätyypillisestä tulkinnasta.

Muita loistavia esimerkkejä kuvanveiston jugendista ovat Naum Aronsonin teokset  - muotokuvia Komissarzhevskajasta , Tolstoista, Pasteurista . Hän oli ainoa taiteilija, joka loi veistoksisen muotokuvan, jota säilytetään nykyään yhdessä Israelin museoista. Hänen teoksensa koristavat monia museoita ja gallerioita ympäri maailmaa [102] .

Yksi tämän tyylin näkyvimmistä edustajista Italiassa oli Adolfo Wildt , jonka työskentely eteni symbolismista Wienin ja Berliinin irtautumisen kautta ekspressionismin alkuun .

Art Nouveau -lasiesineet

Art Nouveau -lasitaide oli väline, jossa tyyli löysi uusia ja monipuolisia ilmaisutapoja. Varsinkin Ranskassa tehtiin intensiivistä lasinvalmistustekniikoiden kokeilua, jossa etsittiin uusia läpinäkyvyyden ja opasiteetin vaikutuksia: cameo-kaiverruksessa, kaksikerroksisessa kaiverruksessa ja happokaiverruksessa, mikä mahdollistaa tuotteiden sarjatuotannon.

Nancyn kaupungista tuli tärkeä keskus Ranskan lasiteollisuudelle Émile Gallén työpajoilla ja Auguste ja Antonin Daumin johtaman Daum-työpajan kanssa . He työskentelivät monien kuuluisien suunnittelijoiden kanssa, mukaan lukien Ernest Bussière , Henri Bergé (kuvittaja) ja Amalric Walter . Yhdessä he kehittivät uuden menetelmän lasin upottamiseksi puristamalla erivärisiä paloja keskeneräiseksi tuotteeksi. He tekivät myös usein yhteistyötä huonekalusuunnittelijan Louis Majorellen kanssa, jonka koti ja työpajat olivat myös Nancyssa. Toinen jugendtyylin piirre oli kukka-aiheisten lasimaalausten käyttö asuinsaleissa, erityisesti taloissa Nancyssa. Monet niistä on valmistanut Jacques Gruber , joka teki ikkunat Majorellen huvilaan sekä muihin taloihin. [103]

Belgiassa johtava yritys oli "Val Saint-Lambert" ( fr.  du Val-Saint-Lambert ) lasitehdas , joka loi maljakoita muotteihin, joissa oli orgaanisia ja kukkakuvioita, joista monet oli Philippe Wolfersin suunnittelema . Wolfers tunnettiin erityisesti lasikappaleiden luomisesta metallikoristeilla.

Böömissä , silloin Itävalta- Unkarin valtakunnan alueella, tunnettu kristallin valmistaja oli J. & L. Lobmeyr- yhtiö .  Hän kokeili uusia väritysmenetelmiä luoden kirkkaampia ja kylläisempiä värejä Loetz Witwe .

Saksassa lasikokeita suoritti Karl Koepping , joka teki puhalletusta lasista erittäin ohuita kukkamuotoisia laseja, jotka ovat niin herkkiä, että harvat ovat säilyneet tähän päivään asti. [104]

Wienissä Secession-liikkeen lasirakenteet olivat paljon geometrisempiä kuin Ranskassa tai Belgiassa; Otto Prutscher oli "tiukin" lasisuunnittelija tähän suuntaan. [104]

Yhdistyneessä kuningaskunnassa Margaret Macdonald Mackintosh loi valikoiman kukkaisia ​​lasimaalauksia arkkitehtuurinäyttelyyn nimeltä "The Art Lover's Home".

Yhdysvalloissa Louis Comfort Tiffany ja hänen suunnittelijansa tulivat tunnetuiksi lampuistaan, joissa käytettiin yleisiä kukkateemoja lasisissa lampunvarjostimissa, jotka yhdistettiin monimutkaisesti toisiinsa. Tiffany-lamput saivat suosiota Chicagossa vuonna 1893 järjestetyn World's Columbian Exposition jälkeen, jossa Tiffany esitteli lamppujaan bysanttilaisessa kappelissa. Tiffany kokeili laajasti lasin värjäysprosesseja patentoimalla Favrile Glass -prosessin vuonna 1894, jossa  käytettiin metallioksideja värjäämään sulan lasin sisäpuoli, mikä antoi sille irisoivan vaikutuksen. Tiffany-valaisimia valmistettiin useita eri sarjoja, erilaisilla kukkakuvioilla, sekä lasimaalauksilla, näytöillä, maljakoilla ja useilla muilla koriste-esineillä. Siegfried Bing toi hänen teoksensa ensin Saksaan, sitten Ranskaan, ja sitten siitä tuli yksi 1900-luvun näyttelyn koristeellisista tunneista. Tiffanyn amerikkalaisen kilpailijan, Steuben Glassworksin ( saksa:  Steuben Glass ), perusti vuonna 1903 Corningiin, New Yorkiin Frederick Carter , joka, kuten Tiffany, käytti "Favril"-prosessia luodakseen värikkäitä pintoja. Toinen merkittävä amerikkalainen lasitaiteilija oli John La Farge , joka loi monimutkaisia ​​ja värikkäitä lasimaalauksia sekä uskonnollisilla että puhtaasti koristeellisilla teemoilla. [104]

Art Nouveau metalli

1800-luvun arkkitehtuurin teoreetikko Viollet-le-Duc kannatti nykyaikaisten rakennusten rautarungon näyttämistä sen sijaan, että se piilottaisi, mutta muut jugend-arkkitehdit, kuten Victor Horta ja Hector Guimard, menivät vielä pidemmälle: he lisäsivät kaarevia rautakoristeita. kukka- ja kasviaiheet sekä niiden tekemien rakennusten sisä- että ulkotiloissa.

Metallia käytettiin portaiden kaiteiden, valaisimien ja muiden sisustusyksityiskohtien sekä parvekkeiden ja muiden ulkoilukoristeiden suunnittelussa. Niistä on tullut yksi art nouveau -arkkitehtuurin tunnusomaisimmista piirteistä. Kasvimuotoisten metallikoristeiden käyttö alkoi pian myös hopeaesineissä, valaisimissa ja muissa koriste-esineissä. [105]

Yhdysvalloissa suunnittelija George Grant Elmsley suunnitteli Chicagon arkkitehti Louis Sullivanin erittäin monimutkaisia ​​valurautarakenteita kaiteisiin ja muihin rakennusten sisätiloihin .

Ranskalaiset ja amerikkalaiset suunnittelijat käyttivät kukka- ja kasvimuotoja, kun taas Joseph Maria Olbrich ja muut Secession-taiteilijat loivat teekannuja ja muita metalliesineitä geometrisemmalla ja hillitymmällä tyylillä. [106]

Art Nouveau -korut

Art nouveau -koruille on ominaista sellaiset yleiset tyyliominaisuudet kuin: sileiden, luonnollisten linjojen käyttö, jotka jäljittelevät lehden tai aallon muotoa, suorien geometristen muotojen välttäminen, vaimeiden pastelli- ja mattavärien ja -materiaalien käyttö. Kultaa luopumatta jugendkorutyyli erotti suosikkimateriaaleistaan ​​läpinäkymättömät puolijalokivet, kuten opaali , kuukivi , turkoosi , sekä helmet, emali, norsunluu. Timantteja ja muita jalokiviä käytetään art nouveau -tuotteissa pääasiassa koriste-elementteinä. Kasviperäiset, zoomorfiset (sudenkorennot, liskot, lepakot, perhoset) ja upeat (nymfit, keijut) aiheet vallitsevat.

Art nouveau -ajan merkittävimpiä jalokivivalmistajia ovat René Lalique , Alexis Falise , Louis Tiffany ja Georges Fouquet .

jugend sisustus

Modernin aikakauden sisustus alkoi olla tärkeämpää - tämän saneli arkkitehtuuri, joka loi uusia tapoja järjestää sisätila ja tasoitti tietä ulkotilan täydelliselle vastaavuudelle sisäiseen. Ensimmäisenä jugendtyylisenä sisustuksena voidaan pitää kuuluisaa Peacock-huonetta , jonka James Whistler suunnitteli Lontoossa [107] . Sisustus rakennettiin aiempien sisustussuunnittelun arkkitehtonisten periaatteiden täydelliseen hylkäämiseen. Tilojen seiniä peittivät omituiset, epäsymmetriset muodot, jotka eivät näyttäneet muodostavan mitään säännöllisyyttä, omituisesti mutkittelevia linjoja. Katot koristeltiin pääsääntöisesti litteällä kohokuvioisella kipsimuovilla, seinät koristeltiin värikkäämmin, verhot tehtiin vaaleiksi [108] .

jugendhuonekalut

Tutkijat huomauttavat perinteisesti, että modernien huonekalujen luojat noudattivat yhtä kahdesta linjasta: modernin tyylin ranskalaisten, tšekkiläisten ja unkarilaisten lajikkeiden edustajat - koristeelliset (oikeat muodot ja ääriviivat), saksalaiset ja englantilaiset mestarit - rakentavat (suoraisuus, selkeä rakenne). Lisäksi jälkimmäinen on tyypillisempi saksalaisille ja englantilaisille tuotteille. Viivojen ja muotojen rakentavaan selkeyteen vetoavat esineet ovat yksinkertaisempia, niissä sisustuselementti on minimoitu. Tämä suuntaus näkyy parhaiten huonekaluvalmistajien Richard Riemerschmidtin ja Otto Pankokin työssä . Itävallassa ja sitten Saksassa hallittiin tällaisten huonekalumuotojen (erityisesti kaappien) valmistus, joka poikkesi jo kaikilta osin aikaisemmista tyypeistä [108] . Geometriseen "puritaaniseen" tyyliin luodut saksalaisten, wieniläisten ja englantilaisten huonekaluvalmistajien tuotteet ovat muotoilultaan ja muodoltaan selkeämpiä, yksinkertaisempia, niiden sisustus on minimoitu. Tämä moderni linja johtaa aidoihin nykyaikaisiin huonekaluihin.

Sileät, jakamattomat jugendhuonekalujen pinnat saadaan siirtymällä koneelliseen viilutukseen ja kokoonpanoon. Jugendhuonekalujen kaarevat muodot uskotaan omaksuvan syntymästä jo 1800-luvun puolivälissä, jolloin kuuluisa Michael Thonetin wieniläinen tehdas käynnisti höyrytaivutetusta puusta valmistetun tuolin, " wieniläisen tuolin " . .

Yksi Art Nouveaun saavutuksista on se, että huonekaluja suunnitelleet taiteilijat seurasivat ideoidensa toteutumista suoraan työpajoissa. Suunnittelijoiden palveluita käytettiin myös vuokratalojen asuntojen sisustamiseen. Tämä avasi mahdollisuuden toteuttaa idea kuulokkeista, huonekalusarjasta. Taiteilijoiden-suunnittelijoiden läheisyys tuotantoon vaikutti suotuisasti työpajojen työhön.

Huonekaluissa on Art Nouveaun rinnalla kehittynyt joukko siihen liittyviä tyylisuuntauksia. Esimerkiksi yksi heistä otti lähteeksi japanilaisia ​​huonekaluja. Myös Art Nouveaun "goottilainen" haara kehittyi.

Ranskalaisia, belgialaisia ​​ja espanjalaisia ​​huonekaluja edustavat Louis Majorellen , Emile Gallé ja Hector Guimardin hienot vitriinit ja kirjahyllyt , Carlo Bugattin "kobratuoli" ja "etanatuoli" , Antonio Gaudin fantastisen orgaaniset huonekalumuodot, sujuvasti virtaavat kaappilinjat kalusteet ja istuimet Henri Van de Velde . "Rakentavia" huonekaluja ovat luoneet Charles Mackintosh ja Margaret Mackintosh, kuuluisien "vienniläisten" työpajojen mestarit Colomon Moser , Adolf Loos ja muut, ja jatkavat sitten F. L. Wrightin huonekaluprojekteissa [109] .

Ajatus tilan tyylillisestä eheydestä edesauttoi samaan tyyliin valmistettujen ja huoneen yleiseen tilaan merkittyjen huonekalusarjojen laajaa käyttöä. Poikkeuksellisen tärkeällä paikalla olivat ruokailuryhmät, mukaan lukien sen pääosa - senkki tai senkki, joka varsin hyödyllisestä tarkoituksestaan ​​​​huolimatta sijoitettiin yleensä olohuoneeseen, mikä vahvisti sen omistajan aseman (senkki klassisessa merkityksessä). sanalla tarkoitetaan korkeaa, yleensä yli kaksi metriä korkeaa, kaksi-, kolmi- tai nelilehtistä rakennetta, jonka yläosa on varustettu lasiovilla ja alaosa on kaappi, jossa on sokeat ovet tai laatikot) . Klassinen senkki eroaa yleensä buffetista ylä- ja alaosan alemmalla korkeudella. Näiden yksityiskohtien tunnistaminen on tärkeää, koska senkki huonekaluna erottuu kaikkien aikojen perinteisimmästä muodosta - edes sellainen "jugendmainen tyyli" kuin jugend ei voinut muuttaa sitä. Juuri muotoilun konservatiivisuuden vuoksi senkki oli kuitenkin erinomainen pohja aikakauden taiteilijoiden luovien ideoiden ilmentämiselle [110] .

Art Nouveau pottery

Keramiikkataide, mukaan lukien fajanssi, oli toinen kukoistava jugendalue englanninkielisissä maissa, ja se kuului yleisemmän taiteen keramiikkaliikkeen alle. 1800-luvun viimeisellä puoliskolla keramiikan valmistuksessa tapahtui monia teknologisia innovaatioita, erityisesti korkean lämpötilan keramiikan, ns. "Great Fire" ( ranskalainen  grand feu ) kiteisellä ja mattapintaisella lasiteella. Samaan aikaan löydettiin uudelleen useita kadonneita tekniikoita, kuten "häränverinen" lasite ( ranska:  sang de boeuf ). Jugend-keramiikka sai vaikutteita myös perinteisestä ja nykyaikaisesta japanilaisesta ja kiinalaisesta keramiikasta, jonka kasvi- ja kukka-aiheet sekoittuivat hyvin jugendtyyliin. [111]

Ranskassa taiteilijat "löysivät uudelleen" perinteisen keramiikan - "hiekkakiven" ( fr.  grés ) ja alkoivat soveltaa niitä uusilla aiheilla. Émile Gallé Nancysta loi keramiikkaa luonnollisissa maanvärisissä väreissä luonnonmukaisilla kasveilla ja hyönteisillä. Keramiikka löysi myös uusia käyttötarkoituksia arkkitehtuurissa: jugend-arkkitehdit, muun muassa Jules Lavirotte ja Hector Guimard , alkoivat koristella rakennusten julkisivuja arkkitehtuurikeramiikalla, josta suurimman osan oli valmistanut Alexandre Bigot , mikä antoi niille veistoksellisen ulkonäön. [111] Yksi ranskalaisen jugend-keramiikan pioneereista oli Ernest Chaplet, jonka ura keramiikassa kesti kolmekymmentä vuotta. Hän alkoi valmistaa keramiikkaa, joissa oli vaikutteita japanilaisista ja kiinalaisista prototyypeistä. Vuodesta 1886 lähtien hän työskenteli taidemaalari Paul Gauguinin kanssa keraamisten kappaleiden suunnittelussa, joissa oli sovellettuja hahmoja, useita kahvoja, maalattu ja osittain lasitettu, ja hän teki yhteistyötä kuvanveistäjien Félix Bracquemontin , Jules Daloun ja Auguste Rodinin kanssa . Hänen töitään oli esillä vuoden 1900 näyttelyssä.

Suurilla kansallisilla keramiikkayrityksillä oli tärkeä paikka vuoden 1900 Pariisin näyttelyssä: Sèvresin kansallinen manufaktuuri Pariisin ulkopuolella; Nymphenburg , Meissen , Villeroy ja Boch Saksassa ja Doulton Isossa-Britanniassa. Muita johtavia ranskalaisia ​​keraamikoita olivat Taxil Doat , Pierre-Adrien Dalpayrat , Edmond Lachenal , Albert Dammouse ja Auguste Delaherche . [112]

Ranskassa jugend-keramiikka siirtyi toisinaan veistokseksi. Esimerkkinä on Agathon Léonardin posliinihahmo " Tanssija huivilla " , joka valmistettiin Sevresin kansalliselle manufaktuurille, joka voitti molemmissa luokissa tunnustusta vuoden 1900 Pariisin näyttelyssä.

Miklós Zsolnay perusti Unkarissa vuonna 1853 Zsolnayn tehtaan , jota johti hänen poikansa Vilmos Zsolnay yhdessä pääsuunnittelijan Tade Sikorskin kanssa valmistamaan keraamisia tuotteita. Vuonna 1893 Zsolnay esitteli eosiiniposliiniastiat . Hän johti tehtaan maailmanlaajuiseen tunnustukseen esittelemällä innovatiivisia tuotteitaan maailmanmessuilla ja kansainvälisillä messuilla, mukaan lukien vuoden 1873 maailmannäyttely Wienissä sekä vuoden 1878 maailmannäyttely Pariisissa, jossa Zsolnay sai Grand Prix -palkinnon. Pakkasenkestäviä Zsolnay-rakennuskoristeita käytettiin monissa rakennuksissa, erityisesti jugendtyyliä kehitettäessä. [113]

Keraamiset laatat olivat myös portugalilaisen jugendtyylin tunnusmerkki, joka jatkoi portugalilaisten perinteisten laattojen - azulejos - pitkää perinnettä .

Mosaic Art Nouveau

Mosaiikkia ovat käyttäneet monet art nouveau -virtojen, erityisesti katalaanimodernismin, taiteilijat ( Sant Paun sairaala , Palau de la Música Catalana , Casa Lleo Morera ja monet muut). Antonio Gaudí keksi uuden materiaalinkäsittelytekniikan nimeltä trencadís , jossa käytettiin keraamista jätettä. Värikkäät kukkakuvioidut majolikalaatat ovat tunnusomaisia ​​Otto Wagnerin Wienin Majolican talolle (1898) ja venäläisen Abramtsevon siirtokunnan sekä Mikhail Vrubelin rakennuksille.

Art Nouveau -tekstiilit ja -tapetit

Tekstiilit ja tapetit ovat olleet tärkeä ilmaisuväline jugend-ornamentissa jo tyylin alusta lähtien ja olennainen osa sisustusta. Britanniassa William Morrisin tekstiilisuunnittelu aloitti Arts and Crafts -liikkeen ja myöhemmin itse tyylin. Monet hänen teoksistaan ​​tehtiin Lontoon Liberty-tavaratalolle, mikä vaikutti tyylin popularisointiin kaikkialla Euroopassa. Myös yksi esimerkeistä voi toimia "Silver Studion" ( englanniksi  Silver Studio ) työnä, joka suoritti värikkäitä tyyliteltyjä kukkakuvioita. Margaret Mackintosh teki Glasgow Schoolissa muita ainutlaatuisia suunnitteluteoksia. Glasgow School esitteli useita erottuvia aiheita, mukaan lukien tyylitellyt munat, geometriset muodot ja " Glasgow'n ruusu ".

Ranskassa suunnittelija Eugene Grasset antoi suuren panoksen tekstiili- ja jugendsuunnittelun kehittämiseen, joka vuonna 1896 julkaisi teoksen "Kasvin vapaa estetiikka ja sen koristeellinen käyttö" ( fr.  La Plante et ses Applications Ornatales ), joka ehdottaa suunnittelua, joka perustuu eri värien ja kasvien yhdistelmään. Monet kuviot suunniteltiin ja valmistettiin suurille ranskalaisille tekstiilivalmistajille Mulhousessa , Lillessä ja Lyonissa saksalaisissa ja belgialaisissa työpajoissa.

Saksalainen suunnittelija Hermann Obrist erikoistui kukkakuvioihin, erityisesti syklameneihin ja kukkavarsiin perustuvaan "piiska"-tyyliin, josta tuli tämän tyylin päämotiivi. Belgialainen Henri van de Velde esitteli tekstiiliteoksen "Enkelien vigil" ( fr.  La Veillée d'Anges ) Free Aestheticsissa ( fr.  La Libre Esthéthique ) Brysselissä, joka on saanut inspiraationsa Paul Gauguinin ja Nabiksen symboliikasta ryhmä .

Alankomaissa tekstiileihin vaikutti usein Itä-Intian hollantilaisten siirtokuntien batiikki.

Kansantaide on inspiroinut myös kuvakudoksia, mattoja, kirjontaa ja tekstiilejä Keski-Euroopassa ja Skandinaviassa, kirjailijoiden Gerhard Münte ja Frida Hansen Norjassa . Otto Eckmannin Five Swans -design ilmestyi yli sadassa eri versiossa. Unkarilainen suunnittelija Janos Vasari yhdisti jugend-elementtejä kansanmusiikkiaiheisiin.

  • Sivu lumpeella Eugène Grassetin kirjasta kukkien koristeellisesta käytöstä, 1899

  • Tekstiilisuunnittelu, Koloman Moser , 1899

  • Painettu puuvilla Liberty-tavaratalolle, Silver Studio, Iso- Britannia , 1904

  • Kuvakudos "Paimen", Janos Vasari, 1906

  • Matto King Baudouin Foundationin kokoelmasta, Victor Horta .

Katso myös

  • Wikimedia Commons -logoMedia, joka liittyy jugendtyyliin kuvataiteessa Wikimedia Commonsissa

Muistiinpanot

Kommentit

  1. ↑ Ranskalaiset toimittajat käyttivät termiä "moderni tyyli" ensimmäisen kerran 1900-luvulla kuvaamaan Fin de siècle -ajan arkkitehtuuria ja koristetaidetta , joita suhtauduttiin negatiivisesti ja jotka koettiin ulkomaisina (englanninkielisinä) vaikutteina. Termiä ei käytetty Ranskan ulkopuolella, sillä englannin kielessä termi "art nouveau" yhdistettiin välittömästi art nouveau -sanaksi . Ranskan kielessä "moderni tyyli" korvattiin lopulta termillä "art nouveau" 1980-luvulla, jolloin kiinnostus 1900-luvun koristetaidetta kohtaan heräsi uudelleen [4] .
  2. ↑ Termi "pohjoinen moderni" löytyy yksinomaan venäjänkielisestä kirjallisuudesta.

Lähteet

  1. ↑ Howard, 1996 , s. 1-2.
  2. ↑ Howard, 1996 , s. 2.
  3. ↑ 1 2 Selz, Constantine, 1972 , s. 10-11.
  4. ↑ Moderni tyyli . universalis.fr . Encyclopedia Universalis . Haettu 16. kesäkuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 27. joulukuuta 2021.
  5. ↑ 1 2 Selz, Constantine, 1972 , s. kymmenen.
  6. ↑ Kiselev, 2002 , s. 220.
  7. ↑ Nechaeva, 2006 , s. 7.
  8. ↑ Antoshchuk, 2017 , s. neljä.
  9. ↑ Komarova, 2008 , s. 3.
  10. ↑ Gerasimov, 2017 , s. 1-2.
  11. ↑ Warren, 2018 , s. 5.
  12. ↑ Warren, 2018 , s. 4-6.
  13. ↑ Vlasov V. G. Moderni, "moderni tyyli" // Uusi Encyclopedic Dictionary of Fine Arts. 10 nidettä - Pietari: Azbuka-Klassika. - T. V, 2006. - S. 557
  14. ↑ Sternin G. Yu. Modernista // Museo, 1989. Nro 10. S. 7
  15. ↑ Goryunov V.S., Tubli M.P. Modernin aikakauden arkkitehtuuri: käsitteet. Ohjeet. Mestarit. Pietari: Stroyizdat, 1992, s. 9
  16. ↑ Vlasov V. G. Moderni, "moderni tyyli". — S. 557
  17. ↑ Rusakova A. A. Vuosisadan vaihteessa // Leningradin taide. 1991. Nro 3. S. 49
  18. ↑ V. G. Vlasov . Kolmikko "historismi, tyylitelmä, eklektismi" ja postmillennismi taiteen historiassa ja teoriassa] // Elektroninen tieteellinen aikakauslehti " Architecton: yliopistouutiset ". - Ural State Art Academy of Arts , 2018. - No. 3 (63) [1] Arkistokopio päivätty 8. marraskuuta 2019 Wayback Machinessa
  19. ↑ Fornoff R. Die Sehnsucht nach dem Gesamtkunstwerk. Studien zu einer ästhetischen Konzeption der Moderne. — Zürich: Hildesheim, New York: Olms 2004
  20. ↑ Frampton K. Moderni arkkitehtuuri: kriittinen katsaus kehityksen historiaan. - M.: Stroyizdat, 1990
  21. ↑ Linnik Yu. V. Suomalaisen modernin arkkityypit // Northern Modern. Kulttuurien vuoropuhelu. - Pietari: Eurooppa-talo, 2005. - S. 36
  22. ↑ Kirikov B. M. Pietarin moderni arkkitehtuuri. Kartanoita ja vuokrataloja. - Pietari: Kolo, 2008. - 576 s. — ISBN 5-901841-41-1
  23. ↑ Lisovsky V. G. Northern Modern: Kansallisromanttinen suuntaus Itämeren maiden arkkitehtuurissa 1800- ja 1900-luvun vaihteessa. - Pietari: Kolo Publishing House, 2016. - 520 s.
  24. ↑ Rosenthal R., Ratzka H. Uuden ajan soveltavan taiteen historia. - M .: Taide, 1971. - S. 42-53
  25. ↑ Alaviitevirhe ? : Virheellinen tunniste <ref>; автоссылка2ei tekstiä alaviitteisiin
  26. ↑ Rosenthal R., Ratzka H. Uuden ajan soveltavan taiteen historia. - S. 99
  27. ↑ Moderni. tyypillisiä piirteitä . StudFiles. Käyttöpäivä: 9. joulukuuta 2016. Arkistoitu alkuperäisestä 15. joulukuuta 2016.
  28. ↑ V&A Arts and Crafts: Johdanto . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 15. helmikuuta 2020.
  29. ↑ Rosalind Ormistonin ja Michael Robinsonin jugend, 58
  30. ↑ Art Nouveau – Art Nouveau Art (22. helmikuuta 2013). Arkistoitu alkuperäisestä 22. helmikuuta 2013.
  31. ↑ Ormistonin ja Robinsonin Art Nouveau, 61
  32. ↑ Hänet tilasi Wardlen värjääjien ja tulostimien perhe, joka toimi nimillä "Thomas Wardle & Co" ja "Bernard Wardle and Co". Arkistoitu alkuperäisestä The Wardel Pattern Books Revealed -julkaisusta 3. joulukuuta 2013.
  33. ↑ Oudin, Bernard, Dictionnaiare des Architectes (1994), s. 237
  34. ↑ Sembach, L'Art Nouveau s. 47
  35. ↑ Fahr-Becker, 2015 , s. 140.
  36. ↑ Lahor, 2007 , s. 91.
  37. ↑ Sterner (1982), s. 38-42
  38. ↑ A. Philip McMahon, "katsaus F. Schmalenbachista, Jugendstil ", Parnassus , voi. 7 (lokakuu 1935), 27.
  39. ↑ Reinhold Heller, "Viimeaikainen stipendi Wienin kultakaudelle", Gustav Klimt ja Egon Schiele, The Art Bulletin , voi. 59 (maaliskuu 1977), ss. 111-118.
  40. ↑ Visual Artists Wienin Secession - virallinen verkkosivusto . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 25. huhtikuuta 2019.
  41. ↑ Lahor, 2007 , s. 63.
  42. ↑ "Coup de Fouet" -lehti, vol. 27 (2016), s. 14-25 . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 28. heinäkuuta 2019.
  43. ↑ Lahor, 2007 , s. 120.
  44. ↑ Oudin, Bernard, Dictionnaire des Architectes (1994), s. 33-34
  45. ↑ Sembach, L'Art Nouveau (2013), s. 203-213
  46. ↑ "Coup de Fouet" -lehti, vol. 23 (2014), s. 2-35 . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 14. heinäkuuta 2020.
  47. ↑ Ödön Lechner Arkistoitu 11. huhtikuuta 2021 Wayback Machinessa  - Art Nouveau World
  48. ↑ 1 2 "Coup de Fouet" -lehti, voi. 14 (2009), s. 16 . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 16. heinäkuuta 2020.
  49. ↑ [2] Arkistoitu 10. heinäkuuta 2019 Wayback Machinessa The Gödöllő Artists' Colony - artikkeli David A. Hill
  50. ↑ 1 2 3 "Coup de Fouet" -lehti, vol. 13 (2009), s. 36-41 . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 16. heinäkuuta 2020.
  51. ↑ Praha arkistoitu 11. huhtikuuta 2021 Wayback Machinessa  - Art Nouveau World
  52. ↑ 1 2 Fahr-Becker, 2015 , s. 171.
  53. ↑ 1 2 Fahr-Becker, 2015 , s. 170-171.
  54. ↑ Fahr-Becker, 2015 , s. 166-167.
  55. ↑ Parc Guell -lainaus Unescon luokituksessa
  56. ↑ James Grady, Special Bibliographical Supplement: A Bibliography of the Art Nouveau , "The Journal of the Society of Architectural Historians", voi. 14 (toukokuu 1955), s. 18-27.
  57. ↑ Cronologia arkistoitu 19. syyskuuta 2020 Wayback Machinessa  - Palau Güellin virallinen verkkosivusto
  58. ↑ Sicilian Liberty - Italianate Art Nouveau - Sicily-lehden paras . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 29. tammikuuta 2020.
  59. ↑ Henry R. Hope, arvostelu H. Lenningistä, The Art Nouveau , The Art Bulletin , voi. 34 (kesäkuu 1952), 168-171 (erityisesti 168-169): Vuonna 1952 jugendista käsiteltäessä kirjoittaja totesi, että jugend ei ollut vielä hyväksyttävä tutkimus vakavaan taidehistoriaan tai aihe, joka soveltuu suuriin museoihin. näyttelyitä ja niiden luetteloita. Hän ennusti tulevaa muutosta
  60. ↑ Duncan, Alistair, Art deco , Thames ja Hudson (1988), s. 147-48
  61. ↑ Riian historiallinen keskusta . UNESCO . Haettu 11. maaliskuuta 2016. Arkistoitu alkuperäisestä 11. heinäkuuta 2017.
  62. ↑ Riian historiallinen keskusta . UNESCO . Haettu 11. maaliskuuta 2016. Arkistoitu alkuperäisestä 22. kesäkuuta 2020.
  63. ↑ Martin, T. & Pusa, E. 1985, s. 12.
  64. ↑ Suomen kansallismuseo Arkistoitu 26. heinäkuuta 2019 Wayback Machinessa  - EU-museot
  65. ↑ Art Nouveau European Route: Helsinki . www.artnouveau.eu _ Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 26. huhtikuuta 2016.
  66. ↑ Riley, 2004 , s. 312.
  67. ↑ 1 2 Art Nouveau European Route: Ålesund . www.artnouveau.eu _ Käyttöpäivä: 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 4. kesäkuuta 2016.
  68. ↑ Tukholma Arkistoitu 11. huhtikuuta 2021 Wayback Machinessa  - Art Nouveau World
  69. ↑ Aarhus Arkistoitu 11. huhtikuuta 2021 Wayback Machinessa  - Art Nouveau World
  70. ↑ Baltiska utställningen 1914 - Malmö stad . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 24. lokakuuta 2020.
  71. ↑ Constantine, Paul. Arta 1900 Româniassa: [ rommi. ] . - Editura Meridiane, 1972. - s. 83, 84, 86, 87 ja 90.
  72. ↑ Elena Olariu…s. 16
  73. ↑ Timisoara–Cladiri perintö . heritageoftimisoara.ro . Haettu 23. toukokuuta 2021. Arkistoitu alkuperäisestä 16. toukokuuta 2021.
  74. ↑ Ungvári, Zrínyi Imre Tîrgu Mureșin jugendtyyliset julkiset rakennukset . wondersoftransylvania.com . Haettu 23. toukokuuta 2021. Arkistoitu alkuperäisestä 23. toukokuuta 2021.
  75. ↑ Str. Metropoliei nro 20 . Haettu 23. toukokuuta 2020. Arkistoitu alkuperäisestä 23. toukokuuta 2021.
  76. ↑ Mariana Celac, Octavian Carabela ja Marius Marcu-Lapadat. Bukarestin arkkitehtuuri - selostettu opas ] . - Ordinul Arhitecților din România, 2017. - S. 85. - ISBN 978-973-0-23884-6 .
  77. ↑ 1 2 "Coup de Fouet" -lehti, voi. 16 (2010), s. 2-10 . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 25. heinäkuuta 2019.
  78. ↑ Ecole d'art et Style sapin Arkistoitu 26. heinäkuuta 2019 Wayback Machinessa  - La Chaux-de-Fonds
  79. ↑ Fondation Le Corbusier . Haettu 28. heinäkuuta 2019. Arkistoitu alkuperäisestä 14. maaliskuuta 2014.
  80. ↑ 1 2 3 4 "Coup de Fouet" -lehti, vol. 11 (2008), s. 2-7 . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 18. heinäkuuta 2020.
  81. ↑ Francisco Augusto da Silva Rocha Arkistoitu 31. lokakuuta 2020 Wayback Machinessa  - Art Nouveau World
  82. ↑ Lissabon Arkistoitu 17. maaliskuuta 2021 Wayback Machinessa  - Art Nouveau World
  83. ↑ Porto arkistoitu 5. maaliskuuta 2021 Wayback Machinessa  - Art Nouveau World
  84. ↑ Lahor, 2007 , s. 167.
  85. ↑ 1 2 3 Art Nouveau European Route: Buenos Aires . www.artnouveau.eu _ Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 23. heinäkuuta 2020.
  86. ↑ Euroopan jugend-reitti: kartta . www.artnouveau.eu _ Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 17. huhtikuuta 2019.
  87. ↑ Euroopan jugendreitti: Rosario . www.artnouveau.eu _ Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 23. heinäkuuta 2020.
  88. ↑ "Coup de Fouet" -lehti, vol. 10 (2012), s. 44-47 . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 16. heinäkuuta 2020.
  89. ↑ "Coup de Fouet" -lehti, vol. 12 (2008), s. 28-29 . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 15. heinäkuuta 2019.
  90. ↑ Euroopan jugend-reitti: Lüderitz . www.artnouveau.eu _ Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 23. heinäkuuta 2020.
  91. ↑ Euroopan jugend-reitti: Valparaiso . www.artnouveau.eu _ Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 23. heinäkuuta 2020.
  92. ↑ Villino Silveira Arkistoitu 11. huhtikuuta 2021 Wayback Machinessa  - Art Nouveau World
  93. ↑ Harbin arkistoitu 11. huhtikuuta 2021 Wayback Machinessa  - Art Nouveau World
  94. ↑ "Coup de Fouet" -lehti, vol. 30 (2018), s. 77-83 . Käyttöpäivä: 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 15. helmikuuta 2022.
  95. ↑ Palacio de Bellas Artes Arkistoitu 11. huhtikuuta 2021 Wayback Machinessa  - Art Nouveau World
  96. ↑ AATC Artists - Ze'ev Raban . Haettu 4. tammikuuta 2022. Arkistoitu alkuperäisestä 10. toukokuuta 2004.
  97. ↑ Mishofy, Alec. Pyhän maallistuminen. Loistava, 2019.
  98. ↑ Art Nouveau (pääsemätön linkki) . TARTLE.NET. Haettu 18. marraskuuta 2016. Arkistoitu alkuperäisestä 19. marraskuuta 2016. 
  99. ↑ 1 2 Moderni. tyypillisiä piirteitä . StudFiles. Haettu 18. marraskuuta 2016. Arkistoitu alkuperäisestä 19. marraskuuta 2016.
  100. ↑ Järjestelmänvalvoja. Taideteollisuus, Taidekoriste, Grafiikka ja kirjasuunnittelu, Maalaus ja kuvanveisto - 1900-luvun taiteellinen kulttuuri - Opiskelijoiden opetusmateriaalit . studme.org. Haettu 18. marraskuuta 2016. Arkistoitu alkuperäisestä 18. marraskuuta 2016.
  101. ↑ 1 2 Art Nouveau. Saksalainen grafiikka XIX - XX vuosisadalta. Taiteilijoiden maalauksia - Design & Culture Magazine . www.5arts.info Haettu 18. marraskuuta 2016. Arkistoitu alkuperäisestä 19. marraskuuta 2016.
  102. ↑ Art nouveau -veistos , maailman museot ja kuuluisien taiteilijoiden maalauksia . Arkistoitu alkuperäisestä 19. marraskuuta 2016. Haettu 18.11.2016.
  103. ↑ Riley, 2004 , s. 318.
  104. ↑ 1 2 3 Riley, 2004 , s. 320.
  105. ↑ Riley, 2004 , s. 322.
  106. ↑ Riley, 2004 , s. 324.
  107. ↑ Moderni. Ominaispiirteet - Sivu 3 . StudFiles. Haettu 9. joulukuuta 2016. Arkistoitu alkuperäisestä 14. joulukuuta 2016.
  108. ↑ 1 2 D. Kes. Huonekalutyylejä. – Budapest, 1981.
  109. ↑ Jugendhuonekalut - Sisustushistoriaa . dominterior.org. Haettu 9. joulukuuta 2016. Arkistoitu alkuperäisestä 20. joulukuuta 2016.
  110. ↑ La_belle_epoque. Buffet moderniin tyyliin. Keskustelu LiveInternetistä - Venäjän online-päiväkirjapalvelu . www.liveinternet.ru Haettu 18. marraskuuta 2016. Arkistoitu alkuperäisestä 19. marraskuuta 2016.
  111. ↑ 12 Riley , 2004 , s. 314–15.
  112. ↑ Edmond Lachenal and His Legacy , Martin Eidelberg, Claire Cass, Hudson Hills Press; kuvitettu painos (25. helmikuuta 2007)
  113. ↑ Aikajana arkistoitu 19. elokuuta 2013. , käytetty 23.1.2008

Kirjallisuus

  • Antoshchuk T.I. Kansallisen romantiikan perinteet 1800-1900-luvun pyhässä arkkitehtuurissa  // Colloquium-Journal. - 2017. - Nro 8 (8) . - s. 4-6 .
  • Berseneva A. Moderni arkkitehtuuri. - Jekaterinburg, 1992.
  • Berseneva A. European Art Nouveau: Wienin arkkitehtuurikoulu. - Jekaterinburg, 1991.
  • Borisova E. A., Sternin G. Yu. Venäjän moderni. - M . : Neuvostoliiton taiteilija, 1990. - 360 s. — ISBN 5-269-00028-8 .
  • Volodina T. Modern: Synteesin ongelmat // Taidehistorian kysymyksiä. - 1994. - S. 2-3 .
  • Gerasimov A.P. "Pohjoinen moderni" Tomskin kaupungin puutalojen tulkinnassa  // Architecton: yliopistojen uutiset. - 2017. - Nro 3 (59) . - S. 1-10 .
  • Goryunov V.S., Tubli M.P. Modernistinen arkkitehtuuri. Käsitteet. Ohjeet. Mestarit. - Pietari. : Stroyizdat, 1992.
  • Dyachenko A. Saksalainen grafiikka myöhään XIX - XX vuosisadan alussa. - M. , 1989.
  • Kirichenko E.I. 1800-luvun arkkitehtuuriteoriat Venäjällä. - M. , 1993. - T. 1.
  • Kirichenko E. I. Venäjän arkkitehtuurin kehityksen ongelmat 1800-luvun puolivälissä - 1900-luvun alussa. - M. , 1989.
  • Kirichenko E. I. Venäjän arkkitehtuuri 1830-1910-luvuilla. - M . : Taide, 1978.
  • Kiseljov M.F. Symbolismi ja jugend 1800-luvun lopun ja 1900-luvun taiteellisen kulttuurin yhteydessä. Tyyliongelma // Kostinskyn lukemat. Yksin omantunnon kanssa. Artikkeleita taiteesta: Nykytaiteen kriitikoiden artikkelikokoelma: Omistettu erinomaisen taidekriitikon V. I. Kostinin muistolle. - M .: Musaget, 2002. - S. 219-238. — 395 s.
  • Kolotilo M.N. Venäjän nykyajan naisten puku. - Pietari. , 1999.
  • Komarova M. M. Ruotsalainen asuinrakennus kansallisromantiikan aikakaudelta XIX lopulla - XX vuosisadan alkupuolella: perinteet ja innovaatiot: dis. ... Taidehistorian kandidaatti: 17.00.04 . - M .: MGU, 2008. - 17 s.
  • Krastinsh Ya. A. Art Nouveau -tyyli Riian arkkitehtuurissa. - M. , 1988.
  • Lisovsky V. G. Moderni tyyli arkkitehtuurissa. - M .: Bely Gorod, 2016.
  • Lisovsky V.G. Northern Modern: Kansallisromanttinen suuntaus Itämeren maiden arkkitehtuurissa 1800-1900-luvun vaihteessa. - Pietari. : Kolo, 2016.
  • Miller Judith. Keräilijän opas. Moderni. - AST, 2005. - ISBN 5-17-028689-9 .
  • Nashchokina M.V. Moskovan jugend-arkkitehdit. – 1998.
  • Nashchokina M. V. Moskovan moderni. - M . : Zhiraf, 2005. - ISBN 5-89832-042-3 .
  • Nashchokina M. V. Moskovan moderni. Länsieurooppalaisten vaikutteiden ongelma. - M. , 1999.
  • Nashchokina M. V. Sata Moskovan jugend-arkkitehtia. - M. , 2000.
  • Nechaeva N. A. Esteettinen modernismin teoria Venäjällä: Tiivistelmä opinnäytetyöstä. ... filosofisten tieteiden kandidaatti: 09.00.04. - Pietari: Venäjän valtio. Pedagoginen yliopisto. A. I. Herzen, 2006. - 28 s.
  • Nikolaeva S. I. Symbolin estetiikka venäläisen modernin arkkitehtuurissa. — M .: Directmedia Publishing, KnoRus, 2003.
  • Rosenthal R., Ratzka H. Nykyajan soveltavan taiteen historia. - M . : Taide, 1971.
  • Sarabyanov D.V. Moderni tyyli. Alkuperät. Tarina. Ongelmia. 2 osassa. - M . : Taide, 1989.
  • Sarabyanov D. V. Moderni. Tyylihistoria. - Galart, 2001.
  • Sarabyanov D.V. Venäläinen maalaus 1800-luvulta eurooppalaisten koulujen keskuudessa. - M. , 1980.
  • Sternin G. Yu. Venäjän taiteellinen kulttuuri 1800-luvun jälkipuoliskolla - 1900-luvun alkupuolella. - M. , 1984.
  • Sternin G. Yu. Modernista // Museo. - 1989. - Nro 10 .
  • Toubli M. P. Moderniuden aikakausi on esimerkki synergistisesta kulttuuritilasta // Venäjän esteettisen yhteiskunnan teoreettinen lehti: lehti. - Pietari. : Terra Aestheticae, 2018. - Nro 1(1) . - S. 145-169 .
  • Tubli M.P. Joten kaikki sama - "tyyli" vai "aikakausi"? // Arkkitehtuurialmanakka: päiväkirja. - Pietari. : SPbGASU, 2018. - Nro 3 . - S. 19-27 .
  • Far-Becker G. Art Nouveau. - Konemann, 2004. - ISBN 3-8331-1250-6 .
  • Hardy W. Art Nouveau -opas. - Rainbow, 2008. - ISBN 978-5-05-006996-2 , 1-85627-832-8.
  • Tuntematon Faberge. - 2003. - ISBN 5-901772-08-3 .
  • toim. Shestakov V.P. Morris Estetiikka ja nykyaika. - M. , 1987.
  • Art Nouveau = Art Nouveau  (englanniksi) / Peter Selz, Mildred Constantine. — New York: The Museum of Modern Art, Arno Press, 1972. — 238 s. — ISBN 0-405-01573-9 .
  • Fahr-Becker, Gabriele. L'Art Nouveau: [ fr. ] . - HF Ullmann, 2015. - ISBN 978-3-8480-0857-5 .
  • Howard, Jeremy. Art Nouveau: International and National Styles in Europe = Art Nouveau: International and National Styles in Europe  (englanti) . - Manchester, New York: Manchester University Press, 1996. - 240 s.
  • Lahor, Jean. L'Art nouveau: [ fr. ] . – Baseline Co. Ltd, 2007. - ISBN 978-1-85995-667-0 .
  • Riley, Noel. Grammaire des Arts Décoratifs: [ fr. ] . – Flammarion, 2004.
  • Warren, Richard. Art Nouveau and the Classical Tradition = Art Nouveau and the Classical Tradition  (englanniksi) . — Lontoo, New York: Bloomsbury, 2018. — 232 s.

Linkit

  Siirry Wikidata-kohteeseen  Sanakirjat ja tietosanakirjat
Bibliografisissa luetteloissa