| Italian renessanssimaalaus | |
|---|---|
| Osavaltio | |
| Aikakausi | uudestisyntyminen |
| Mediatiedostot Wikimedia Commonsissa | |
Varhaisen italialaisen renessanssin maalaus on maailman taiteellisen perinnön huippu. Proto-renessanssi maalauksessa liittyy keskiaikaan, romaaniseen, goottilaiseen, bysanttilaiseen perinteeseen, tämä ajanjakso oli valmistautuminen renessanssiin. Se on jaettu kahteen osakauteen: ennen Giotto di Bondonen kuolemaa ja sen jälkeen (1337). Varhaisen renessanssin ajanjakso kattaa ajanjakson 1420-1500. Korkea renessanssikausi ulottuu noin 1500-1527 ja manierismi 1525-1600. Nämä päivämäärät ovat likimääräisiä, koska yksittäisten taiteilijoiden elämä ja työ menevät päällekkäin mainittujen eri ajanjaksojen kanssa.
Vaikka renessanssi-Italian taiteilijat olivat omistautuneet tietyille kaupungeille, he muuttivat kuitenkin ympäri Italiaa, usein diplomaattista asemaa ja taiteellisten ja filosofisten ideoiden levittäjinä [1] .
Firenzen kaupunki Toscanassa tunnetaan renessanssin ja erityisesti renessanssin maalauksen syntymäpaikkana .
Proto-renessanssi alkaa taidemaalari Giotton ammatillisesta toiminnasta ja sisältää maalareiden Taddeo Gaddin , Orcagnin ja Altichieron töitä . Varhaista renessanssia leimasivat maalarit Masaccion , Fra Angelicon , Paolo Uccellon , Piero della Francescan ja Verrocchion työt . Korkearenessanssin aikana Leonardo da Vinci , Michelangelo , Rafael ja Tizian työskentelivät . Manerismia leimaa Andrea del Sarton , Pontormon ja Tintoretton työ .
Tärkeä taloudellinen tekijä renessanssikulttuurin kehityksessä oli kaupunkien nousu Keski-Italian pohjoisosassa. Kaupungit saavuttivat itsehallinnon ja lähes täydellisen itsenäisyyden feodaaliherroista. Monissa kaupungeissa valta keskittyi yhteen käteen, signoria ilmestyi . Tasavaltalaisen järjestelmän linnoitukset Apenniineilla olivat Venetsia ja Firenze. Etelä-Italia ja osa Keski-Italiasta kuuluivat monarkioihin - Napolin kuningaskuntaan ja kirkkovaltioon. Firenzen voitto taistelussa itsenäisyydestä Milanosta 1300-luvun lopulla - 1400-luvun alussa vaikutti tasavaltalaisten ideoiden leviämiseen ja vaikutti siviilihumanismin periaatteiden kehitykseen. Vuonna 1462 Firenzessä perustettiin Cosimo de' Medici vanhemman tuella Careggin Platon-akatemia . Myös Italiaan syntyi 1460-luvulla akatemiat Roomassa ja Napolissa. Humanistiset akatemiat olivat oppineita yhteisöjä, joilla oli vapaus kehittää ajattelua ja vedota erilaisiin filosofisiin perinteisiin.
Renessanssin maalaustaiteen kehitykseen Italiassa vaikuttivat filosofian, kirjallisuuden, arkkitehtuurin, teologian, tieteen ja muiden yhteiskunnan näkökohtien suuntaukset.
Kyseisenä aikana italialaisessa yhteiskunnassa ilmaantui suuri kiinnostus filosofiaa, runoutta, draamaa ja tiedettä kohtaan. Kiinnostus humanistiseen filosofiaan merkitsi sitä, että ihmisen suhde ihmiskuntaan, maailmankaikkeuteen ja Jumalaan ei ollut enää kirkon yksinoikeus.
Italialainen filosofi ja humanisti Marsilio Ficino kirjoitti 1400-luvulla:
"Taivas ei tunnu liian korkealta ihmiselle, eikä maan keskipiste liian syvältä. Ja koska ihminen on tuntenut valojen rakenteen ja kuinka ne liikkuvat... niin kuka kieltää, että ihmisen nerokkuus on melkein sama kuin taivaankappaleiden luojalla itsellään ja että hän voisi jollain tavalla luoda nämä valot, jos hänellä olisi työkalu ja taivaallinen materiaali.
Korkean renessanssin aikakaudella oli ajatus, että ihminen voisi ylittää luonnon.
Elvytetty kiinnostus antiikin klassikoita kohtaan johti siihen , että arkkitehti Brunelleschi ja kuvanveistäjä Donatello tekivät arkeologisen tutkimuksen muinaisesta Roomasta . Klassisiin elementteihin perustuvan arkkitehtonisen tyylin elpyminen inspiroi maalauksessa klassismia, joka ilmeni jo 1420-luvulla Masaccion ja Paolo Uccellon maalauksissa .
Samanaikaisesti klassisten tekstien saatavuuden kanssa Eurooppa pääsi käsiksi moderniin matematiikkaan, jonka juuret olivat Bysantin ja islamilaisten tutkijoiden töissä.
Painamisen tulo 1400-luvulla tarkoitti, että tietoa voitiin levittää laajalti suuren väestön keskuudessa.
Italialaiset renessanssin taiteilijat siirtyivät teoksissaan märille ja kuivalle kipsille maalaamiseen, mosaiikeihin, lasimaalauksiin ja sgraffitoihin. Italialaiset mestarit käyttivät mosaiikkeja ja lasimaalauksia temppelien koristeluun. Yleensä renessanssin Italiassa vallitsi fresko - maalaus vesiohenteisilla maaleilla märkälle rappaukselle.
Öljymaalien käytöllä Venetsiassa 1400-1500-luvun jälkipuoliskolla oli suuri vaikutus maalaustaiteeseen. Öljymaalit on helppo sekoittaa, ne kestävät pitkään, maalien läpinäkyvyys mahdollisti laajemman sävyvalikoiman luomisen. Tämän ansiosta öljymaaleista on tullut johtava taiteellinen väline 1400-luvulta lähtien.
Siirtymistä munatemperasta öljymaaleihin Pohjois-Euroopassa ja sittemmin Italiassa leimasi monien teosten ilmestyminen, joissa pohjamaalaus tehtiin temperalla, ja myöhemmät vaiheet ohuella läpinäkyvällä lasiteella olivat öljymaaleja. Joissakin teoksissa tempera- ja öljymaaleja käytettiin samanaikaisesti.
Italiassa uudentyyppisten valtiomuotojen - tasavaltojen ja allekirjoittajien - luomisprosessi vaati valtaan tulleiden ihmisten sosiaalista aktiivisuutta. Humanistit esittivät teesin "vita activia civilis" - yhteiskunnan jäsenten aktiivisesta kansalaisasemasta. Näissä olosuhteissa kuvataiteet saivat tärkeitä yhteiskunnallisia tehtäviä. Yleisön kiinnostuksesta taiteeseen tuli italialaisen elämän piirre.
"Biografioissaan" Vasari kirjoitti firenzeläisjoukoista, jotka vierailivat Leonardo da Vincin työpajassa kahden päivän ajan haluten nähdä hänen uuden maalauksensa "St. Anna", joka kertoo valtavasta ihmisten kokoontumisesta, kun naurun rakeen alla Firenzessä avattiin epäonnistunut Baccio Bandinellin maniristinen veistos "Hercules ja Cacus" .
Medici -talon italialaisen pankkiperheen syntyminen, kaupan kehittyminen vaikutti pienen (40 tuhatta asukasta 1400-luvulla) italialaisen Firenzen kaupungin kehittymiseen . Cosimo de' Medici oli taiteen suojelija, joka ei liittynyt kirkkoon ja monarkiaan. Taiteellisten nerojen, kuten Giotto , Masaccio , Brunelleschi , Piero della Francesca , Leonardo da Vinci ja Michelangelo , onnekas ja onnellinen läsnäolo Firenzessä on luonut ilmapiirin, joka tukee ja rohkaisee monien muiden taiteilijoiden työtä luomaan korkealaatuisia teoksia [2] . Samanlainen havaittiin Venetsiassa , jossa työskentelivät Bellinin perheen lahjakkaat taiteilijat Andrea Mantegna , Giorgione , Titian ja Tintoretto [ 2] [3] [4] .
Renessanssin aikana taideteosten luomistilaukset alkoivat siirtyä valtiolta ja kirkosta yksityisille. Italian ruhtinaat, arvovaltaiset kansalaiset pyrkivät koristelemaan seinämaalauksilla hänen rakentamiaan katedraaleja, sairaaloita tai kaupunkitaloaan.
Monet renessanssimaalaukset ovat yksittäisten henkilöiden tai katolisen kirkon tilaamia . Nämä teokset olivat usein suuria, ja ne toteutettiin freskoina Kristuksen elämästä , Neitsyt Marian elämästä tai pyhien elämästä, mukaan lukien katolinen pyhimys, jonka mukaan fransiskaanien järjestys on nimetty - Pyhä Franciscus Assisilainen. . Taiteilijat loivat monia allegorisia maalauksia pelastuksen teemasta ja kirkon roolista sen saavuttamisessa. Kirkko tilasi myös alttarimaalauksia , jotka maalattiin temperalla seinälle ja myöhemmin öljyllä kankaalle . Suurten alttaritaulujen lisäksi taiteilijat tekivät erittäin suuria määriä pienimuotoisia maalauksia sekä kirkon että yksityishenkilöiden tilauksesta. Maalausten yleisin teema oli "Madonna ja lapsi" .
Myös maallisia rakennuksia koristeltiin. Paikallishallinnon rakennukset koristeltiin maallisilla freskoilla, kuten taidemaalari Ambrogio Lorenzettin Allegoria hyvästä ja pahasta hallinnosta , ja uskonnollisilla freskoilla, kuten taidemaalari Simone Martini Maestan freskoilla Palazzo Pubblicossa Sienassa .
1300- ja 1400-luvun alussa muotokuvat olivat harvinaisia. Taiteilijat rajoittuivat enimmäkseen luomaan siviilikäyttöön tarkoitettuja muistomaalauksia, kuten Simone Martinin Condottiere Guidoriccio da Foglianon ratsastusmuotokuvia . Ennen kuin muotokuva sai autonomisen maallisen genren luonteen, se pysyi pitkään kiinteänä osana monihahmoista uskonnollista sommitelmaa seinällä. Muotokuvan riippuvuus monumentaalimaalauksesta oli 1400-luvun maalaustelinemuotokuvan pääpiirre.
Muotokuvasta tuli korkean renessanssin kuvataiteen tärkein genre taiteilijoiden, kuten Raphaelin ja Tizianin , kanssa, ja se kehittyi edelleen manierismin aikana Bronzinon kaltaisten taiteilijoiden kanssa .
"Historiallinen genre" oli tärkeä askel "monumentaalisen muotokuvan" kehityksessä, jossa taiteilijat kuvasivat todellisia tapahtumia. Heidän hahmonsa olivat todellisia ihmisiä, jotka oli kirjoitettu tunnistettavasti. Tämän maallisen tyylilajin monumentteja on jäljellä vain vähän, ja perinteisimpiä ovat taistelumuistomerkit. Varhaisen renessanssin taistelusävellykset eivät ole tulleet meille. Niitä voidaan arvioida kolmen eri taidekoulun töistä: Pisanellon freskot Mantovassa (Palazzo Ducale), Piero della Francescon maalaukset Arezzossa (seinämaalaukset San Francescon kirkon kuorossa) ja Paolo Uccellon triptyykki Taistelu San Romano .
Renessanssin humanismin leviämisen myötä taiteilijat kääntyivät klassisten teemojen puoleen, erityisesti koristellakseen varakkaiden suojelijoiden koteja. Tunnetuin tällaisia tarkoituksia varten kirjoitettu teos on taiteilija Botticellin Mediciille tehty maalaus Venuksen syntymä . Humanismi vaikutti myös tapaan, jolla uskonnollisia teemoja kuvattiin, esimerkkinä Michelangelon Sikstuksen kappelin kattomaalaus .
Muut teemat poimittiin taiteilijan nykyelämästä, joskus allegorisella merkityksellä.
Tärkeät yhteiskunnalliset tapahtumat tallennettiin ja ikuistettiin usein maalauksiin, kuten Uccellon San Romanon taisteluun . Danten , Boccaccio - Decameronin ja muiden kirjoituksista tuli myös maalausten teemoja.
Katso myös: Teemat italialaisessa renessanssimaalauksessa .
XIII-XVI-luvuilla Italiassa ei ollut korkeakouluja, joissa ammattitaiteilijoita koulutettaisiin. Lahjakkaista teini-ikäisistä tuli taiteilijoita, kuvanveistäjiä, jotka työskentelivät ja opiskelivat italialaisten taiteilijoiden työpajoissa. Joten Michelangelo oli opiskelija taiteilija Domenico Ghirlandaion studiossa, vuoden oppisopimuskoulutuksen jälkeen hän muutti kuvanveistäjä Bertoldo di Giovannin kouluun, joka oli Firenzen todellisen omistajan Lorenzo de Medicin suojeluksessa. Leonardo da Vinci työskenteli oppipoikana Verrocchion työpajassa . Sandro Botticelli opiskeli maalausta viisi vuotta Fra Filippo Lipin ateljeessa , sitten Andrea Verrocchion työpajassa . Usein taiteilijan taidot välittyivät sukupolvelta toiselle, kuten se tapahtui venetsialaisten maalareiden Bellinin suvussa [5] . Työpajoissa opiskellessaan taiteilijoista tuli minkä tahansa taidekoulun kannattajia.
Italian renessanssin taiteen johtavat taidekoulut eri aikoina olivat: sienalainen ja firenzeläinen (XIV vuosisata), umbrialainen, padova, venetsialainen (XV vuosisata), roomalainen ja venetsialainen (XVI vuosisata).
Katso myös: Venetian School of Painting , Siena School of Painting , Luccano-Pisan School of Painting , Firentine School of Painting .
1200-luvun lopun Toscanan alueen taidetta hallitsi kaksi bysanttilaiseen tyyliin työskennellyt maalari , Cimabue Firenzestä ja Duccio Sienasta . He maalasivat enimmäkseen uskonnollisia maalauksia, joista osa oli suuria Madonnaa ja lasta kuvaavia alttaritauluja. Nämä kaksi maalaria, heidän aikalaisensa, Guido Siena , Coppo di Marcovaldo ja arvoituksellinen taiteilija, niin kutsuttu Pyhän Bernardinon mestari, työskentelivät muinaisessa ikonimaalauksen perinteessä [6] . Heidän temperamaalauksessaan monet yksityiskohdat kiinnitettiin jäykästi kuvattuun aiheeseen, esimerkiksi Madonnan ja Kristuslapsen käsien tarkka sijainti määrättiin siunauksen perinteistä. Neitsyen kuvassa hänen päänsä ja hartiansa, verhon taitokset - kaikki toistettiin lukemattomissa sellaisissa maalauksissa. Roomalaiset taiteilijat Cimabue, Duccio ja Pietro Cavallini ottivat askeleita kohti suurempaa naturalismia [2] .
Giotto di Bondonesta (1266–1337) tuli sikapaimen Cimabuen oppipoika ja aikansa merkittävin paimentoveri [7] . Giotto, ehkä Pietro Cavallinin ja muiden roomalaisten taiteilijoiden vaikutteita saanut, ei maalannut kuvaperinteen, vaan elämänhavaintojen perusteella.
Uskotaan, että Giotto voitti työssään Italialle ja Bysantille yhteisen ikonimaalauksen tyylin. Giotto muutti ikonin litteän kaksiulotteisen tilan kolmiulotteiseksi käyttämällä chiaroscuroa, joka luo illuusion avaruuden syvyydestä. Giotton maalausten hahmot näyttävät olevan kolmiulotteisia; he seisovat maassa pukeutuneena vaatteisiin, joissa on laskos ja rakenne. Mutta ennen kaikkea Giottolle on ominaista se, että hänen maalaustensa sankarit kokevat tunteita. Giotton kuvaamilla kasvoilla näkyy ilo, viha, epätoivo, häpeä, viha ja rakkaus.
Freskosarja Kristuksen elämästä ja Neitsyen elämästä , jonka hän maalasi Scrovegnin kappelissa Padovassa , asetti uuden standardin kerronnallisille kuvauksille. Hänen maalauksensa Madonna Ognisanti on Uffizi-galleriassa Firenzessä, samassa huoneessa kuin Cimabuen Madonna Santa Trinita ja Duccio Madonna Ruccellai . Mestareiden maalaustraditioiden piirteitä on helppo verrata [8] . Yksi piirteistä ilmenee Giotton teoksissa, jotka liittyvät ympäröivän elämän havaintoihin. Häntä pidetään renessanssin edeltäjänä [9] .
Valo-varjo-mallinnus on Giotton ajan maalauksen mestareiden suuri taiteellinen valloitus. Giotton ihmishahmot eivät luo varjoja, "valaistuksen" käsite ei sovellu hänen kuvaamiinsa kohtauksiin. Hän käyttää chiaroscuroa luomaan tunteen hahmon helpotuksesta käyttämällä tunnettua optista efektiä - ihmissilmä havaitsee vaaleamman - lähempänä ja tumman - etäisen.
Useat Giotton aikalaiset hallitsivat myös chiaroscuro-mallinnuksen. Niinpä taiteilija Pietro Cavallinissa Rooman Santa Cecilian kirkossa sijaitsevassa maalauksessaan "Viimeinen tuomio" apostolien hahmojen reliefit erottuvat niin paljon, että ne näyttävät kelluvan seinistä.
Giotton piirin taiteilijat tarkkailivat ja tutkivat luontoa, he pystyivät töissään välittämään sitä pienimmätkin yksityiskohdat.
Taiteilija Taddeo Gaddi kuvasi teoksissaan monimutkaisia arkkitehtonisia aiheita ja osoitti suurta kiinnostusta valotehosteiden kuvaamiseen. Esimerkkinä on hänen maalauksensa Marian ilmestyksestä paimenille Baroncelli-kappelissa Santa Crocessa, Firenzessä [2] . Tässä kuvassa taiteilija esittelee valotehosteita, jotka kuvaavat kahta yökohtausta varjostetuissa paikoissa - "Ilmoitus Sakarjalle" ja "Julistus paimenille". Yövalaistus välittyy niissä lisäämällä valon ja varjon kontrasteja, kun taas valon jakautuminen kuvassa ei liity lähteeseen eivätkä hahmot luo varjoja.
Assisin Pyhän Franciscuksen basilikan yläkirkon freskot , jotka ovat esimerkkejä naturalistisesta maalauksesta, liitetään usein Giottoon itselleen, mutta ne ovat todennäköisemmin hänen piirinsä taidemaalarin Pietro Cavallinin töitä .
Giotta-perinteisiin liittyvä taiteilija Cennino Cennini neuvoi mallintamaan muotoa kolmella eri samanvärisellä sävyllä, viimeistelemään korkeammat kohdat laimennetulla valkoisella ja alemmat päämaalilla. Tämän periaatteen ansiosta mestarit pystyivät saavuttamaan kolmiulotteisuuden vaikutuksen.
Giottoa ympäröivät maalarit tutkivat rohkeasti lineaarisen perspektiivin ja lyhentämisen mahdollisuuksia maalauksessa. Joten Assisin Pyhän Franciscuksen basilikan alemman kirkon maalauksessa mosaiikkilattia on kuvattu perspektiivissä freskoon "Tuo temppeliin".
Yleinen teema keskiaikaisten kirkkojen koristelussa oli viimeinen tuomio , joka Pohjois-Euroopan kirkoissa valtasi usein tilan länsi-oven yläpuolella. Italialaisessa Scrovegni-kappelissa Giotton tätä teemaa koskevat maalaukset on sijoitettu temppelin länsi seinälle. Mustan kuoleman teema rohkaisee katsojia keskittymään tarpeeseen suorittaa parannus ja anteeksiantamus ennen kuolemaa. Kuoleman väistämättömyys, palkkio katumuksen ja synnin rangaistuksesta korostettiin useissa freskoissa, jotka ovat tunnettuja kärsimyksen synkistä kuvauksista ja surrealistisista kuvista helvetin piinasta .
Campo Santon hautausmaalle , joka sijaitsee Piazza dei Miracolin pohjoisosassa , rakennettiin valtava rakennus, jossa oli kaarevia galleriakäytäviä. Näiden gallerioiden seiniä koristeltiin freskoilla kahden ja puolen vuosisadan ajan. Täällä työskenteli useita taiteilijoiden sukupolvia – kuoleman voiton mestarista Benozzo Gozzoliin . Hautausmaan freskojaksoista merkittävimmät ovat "Kristuksen kärsimys", "Kristuksen taivaaseenastuminen", "Kuoleman voitto". Nämä syklit liittyvät mustaan kuolemaan - ruttoepidemiaan Italiassa vuonna 1348. Syklejä yhdistää teema kuoleman voitto, viimeinen tuomio, syntisten rankaiseminen ja esimerkit vanhurskaudesta. Syklin tekijä on edelleen kiistanalainen.
Giotton oppilaan Andrea Orcagnin maalaus Kuoleman voitto on säilynyt tähän päivään sirpaleina ja on Santa Croce -museossa, maalauksen Kuoleman voitto Campo Santon hautausmaalla Pisassa on maalannut tuntematon taiteilija, mahdollisesti. Francesco Traini tai Buonamico Buffalmacco pelastuksen teemasta [2] .
Taidemaalarit Altichiero da Zevio ja Giusto de Menabuoi työskentelivät Padovassa 1300-luvun lopulla . Giuston mestariteos koristaa Padovan katedraalia kastekappelilla. Kuva koskettaa teemaa ihmisen luomisesta, hänen lankeemuksestaan ja pelastuksestaan. [10] .
Firenzessä, Santa Maria Novellan kappelissa , taiteilija Andrea Bonaiuti korostaa freskossaan kirkon roolia lunastusprosessissa [2] .
1300-luvun lopulla kansainvälinen gootti hallitsi Toscanan maalaustaidetta . Tämä näkyy jossain määrin taiteilijoiden Pietron ja Ambrogio Lorenzettin teoksissa, joille on ominaista armollisuus myöhäisgoottilaisissa verhoissa. Tämä maalaussuuntaus kehittyi Simone Martinin ja Gentile da Fabrianon teoksissa , joiden maalausten eleganssi ja yksityiskohtien rikkaus on ristiriidassa Giotton [2] maalausten kanssa .
1400-luvun alussa kansainvälisen gootti- ja renessanssimaalauksen eroista voitettuaan taiteilija Fra Beato Angelico pyrki temperaalttarimaalauksissa yksityiskohtien huolelliseen kehittämiseen, lehtikullan ja kirkkaiden värien käyttöön. Hänen San Marcon luostarissa olevat freskot esittävät mestarin Giotton oppilaana . Munkit sisustivat huoneet hänen maalaamillaan ikoneilla. Ikonit kuvaavat jaksoja Jeesuksen Kristuksen elämästä ja näyttävät kohtauksia ristiinnaulitsemisesta . Ne ovat väriltään ja tunnelmaltaan hillittyjä [2] [11] .
Todellisen renessanssin alku Firenzen maalauksessa on 1400-luvun ensimmäiseltä vuodelta. Tämä aika tunnetaan Italiassa Quattrocentona , joka on synonyymi varhaiselle renessanssille. Tuolloin Italiassa järjestettiin kilpailu pronssisten ovien suunnittelemiseksi Pyhän Johanneksen kastekappelille, Firenzen vanhimmalle säilyneelle kirkolle. Kastekappeli (käännettynä kreikaksi tarkoittaa "upotuspaikkaa") - huone kirkossa tai erillisessä rakennuksessa, joka on tarkoitettu kasteen sakramentille. Kastekappelit rakennettiin pyöreisiin tai kahdeksankulmaisiin rakennuksiin, jotka oli koristeltu runsaasti mosaiikeilla. Muinaisten kastekappelien fontit tehtiin marmorista ja muista arvokkaista kivilajeista. Firenzen kastekappelin kupolin sisäpuoli oli koristeltu valtavalla Kristuksen mosaiikkihahmolla, jonka uskotaan olevan Coppo di Marcovaldon työ . Kastekappelissa on kolme suurta osaa sisäänkäyntiporteilla. Eteläportin on suunnitellut Andrea Pisano .
Pisanon ovet jaettiin 28 osastoon, joissa oli kuvailevia kohtauksia Johannes Kastajan elämästä (20 lokeroa). Seitsemän muun taiteilijan ovet (8 lokeroa) olivat muodoltaan ja mitoiltaan samanlaisia ja sisälsivät kohtauksia, jotka kuvasivat olennaisia hyveitä .
Kilpailuun osallistui myös Lorenzo Ghibertin ja Brunelleschin suunnittelemia ovia . Ghiberti käytti koristeluun pientä, klassiseen tyyliin tehtyä Iisakin alastonhahmosta. Figuuri polvistuu kääröillä koristellulla haudalla, viittauksella antiikin Rooman taiteeseen. Brunelleschin ovessa on pronssinen poikahahmo, joka vetää sirpaleen jaloistaan [12] .
Ghiberti voitti kilpailun. Kastekappelin ovien luominen kesti 27 vuotta , minkä jälkeen työ uskottiin toiselle taiteilijalle. Kahdessa kohtauksessa ovilla Ghiberti esitti itseään. Kaiken kaikkiaan ovien luominen kesti 50 vuotta. Monet Firenzen taiteilijat osallistuivat heidän luomiseensa parantaen paitsi taitojaan monihahmoisten sävellysten järjestämisessä, myös taitojaan luoda lineaarista perspektiiviä. Ovilla oli valtava vaikutus Firenzen maalauksen kehitykseen. Ne olivat yhdistävä tekijä, ylpeyden lähde kaupungin taiteilijoille. Michelangelo kutsui näitä ovia paratiisin porteiksi .
Tällä hetkellä Heaven's Gate -paneelit on korvattu kopioilla. Alkuperäiset paneelit ovat esillä Opera del Duomo -museossa .
1800-luvun alun portin kopio asennettiin Kazanin katedraalin pohjoiseen sisäänkäyntiin Pietarissa .
Masaccion työn huippu oli Santa Maria del Carmnen kirkon Brancacci-kappelin freskot (1427-1428), jotka tehtiin yhdessä Masolinon kanssa.
Vuonna 1422 vaikutusvaltainen italialainen valtiomies Felice Brancacci tilasi Masolinon ja Masaccion maalaamaan kappelin. Mazolino onnistui maalaamaan holvit (maalauksia ei ole säilynyt). Syyskuussa 1425 Masolino lähti Unkariin, ja Masaccio jatkoi maalaamista yksin. Masolino liittyi työhön vuonna 1427. Maalaus jäi kuitenkin kesken, koska vuonna 1428 ensin Masolino ja sitten Masaccio lähtivät Roomaan, missä Masaccio kuoli yllättäen 26-vuotiaana. Työ kappelissa lopetettiin, ja vasta 50 vuotta myöhemmin Filippino Lippi sai kappelin suunnittelun valmiiksi. Taiteilija Filippino Lippi säilytti edeltäjiensä tyylin piirteet. Aikalaisten mukaan hän halusi jo lapsuudessa tulla taiteilijaksi nähtyään tämän kappelin freskoja.
Maalauksissaan Masaccio antoi kuville uskottavuuden, korostaa kuvattujen hahmojen fyysisyyttä ja monumentaalisuutta, välittää heidän tunnetilaaan ja kuvien psykologista syvyyttä. Freskossa "Karkotus paratiisista" hän ratkaisi alaston ihmishahmon kuvaamisen ongelman. Masaccion taiteella oli suuri vaikutus renessanssin taiteelliseen kulttuuriin, erityisesti Piero della Francescan, Michelangelon, Leonardo da Vincin työhön [13] .
Monet antiikin, keskiajan taiteilijat kuvasivat esineitä maalauksissa, mutta vain renessanssi asetti heille tehtäväksi kuvata esineen lisäksi koko tilaa. 1200-luvulla maalauksessa syntyi renessanssin perspektiivijärjestelmä.
Perspektiivin käsite sisältää todellisten ruumiiden mittasuhteiden ja muotojen kuvallisen vääristymisen niiden visuaalisessa havainnoissa. Maalauksen perspektiivi tunnettiin jo muinaisina aikoina, se oli ikivanha perspektiivi, jota taiteilijat eivät käyttäneet kaikkiin kuvan esineisiin ja epäsäännöllisesti. Antiikkinäkökulma yleistyi 1300-luvun alussa taiteilijoiden Cimabuen ja Cavallinin töissä ja jopa konservatiivisessa alttarimaalauksessa Pyhän Cecilian mestarista Ambrogio Lorenzettin johtamiin sienalaisiin mestareihin . Muinaisessa perspektiivissä supistumislinjat eivät leikkaa yhdessä pisteessä, vaan pareittain tietyllä pystyakselilla. Suora lineaarinen perspektiivi on suunniteltu kiinteään näkökulmaan ja olettaa yhden katoavan pisteen horisontissa, jossa kohteet pienenevät suhteessa etualalta poistuessaan.
Bysanttilaisessa ja vanhassa venäläisessä maalauksessa käytettiin käänteistä lineaarista perspektiiviä, kun esineet laajenivat liikkuessaan pois katsojasta. Syynä käänteisen perspektiivin käyttöön oli taiteilijoiden kyvyttömyys kuvata maailmaa sellaisena kuin katsoja sen näkee, myöhemmin käänteistä perspektiiviä käytettiin kirjoittamisen perinteenä. Tiedemies P. A. Florenskyn mukaan käänteisellä perspektiivillä on tiukka matemaattinen kuvaus, se vastaa matemaattisesti suoraa perspektiiviä, mutta henkisesti se muodostaa yhtenäisen symbolisen tilan, joka on suunnattu katsojaan ja olettaa hänen henkisen yhteyden symbolisten kuvien maailmaan . 14] .
Ensimmäinen taiteilija, joka ilmensi töissään suoran lineaarisen perspektiivin käsitettä, oli esirenessanssin maalari Giotto di Bondone (1267–1332). Freskossa "Annunciation to Anna" hän esitti talon sisätilat poistamalla katsojaa lähinnä olevan talon seinän. Tässä kuvassa hän esitti myös rakennuksen yläosan, vei katsojan näkökulman kuvan ulkopuolelle ja loi hänestä riippumattoman tilan.
1400-luvun ensimmäisellä puoliskolla monet taiteilijat työskentelivät myös kokonaisvaltaisen tilakuvan luomiseksi, realistisen tilan vaikutelman saavuttamiseksi, lineaarisen perspektiivin luomiseksi maalauksiinsa. Nämä asiat olivat näiden huolenaiheiden aiheena monille taiteilijoille, kuten Brunelleschi ja Alberti .
Brunelleschin tiedetään tehneen huolellista tutkimusta Firenzen katedraalin ulkopuolelta koristeltujen kahdeksankulmaisten kastekappelien kanssa . Uskotaan , että hän auttoi Masaccioa luomaan kuuluisan snag - paikan Pyhän kolminaisuuden ympärille Santa Maria Novellan katedraalissa . [13]
Maalauksen ja arkkitehtuurin alan teoreetikko oli Leon Battista Alberti (1404-1472). Hän kehitti lineaarisen perspektiivin teoriaa, tutki kuvan kysymyksiä avaruuden syvyyden kuvassa [15] .
Vasarin mukaan taiteilija Paolo Uccello oli niin pakkomielle lineaarisen näkökulman kysymyksistä, ettei hän ajatellut juuri mitään muuta ja kokeili monissa maalauksissaan. Hänen tunnetuin maalauksensa oli San Romanon taistelu , jossa hän kuvasi rikkinäisiä aseita maassa makaamassa, peltoja, kaukaisia kukkuloita luodakseen vaikutelman perspektiivistä.
1450-luvulla Piero Della Francesca osoitti maalauksessaan The Flagellation of Christ, että hän hallitsee lineaarisen perspektiivin ja valotieteen. Siitä lähtien lineaarinen perspektiivi on ollut säännöllisesti esillä taiteilijoiden, kuten Peruginon , maalauksissa maalauksessaan Kristus jakaa avaimia Pyhälle Pietarille Sikstuksen kappelissa. [12] . Tulevaisuudessa optisen illuusion jäljentäminen oli lujasti juurtunut kuvataiteeseen.
Taiteilija Giotto käytti chiaroscuroa muodon luomiseen. Taddeo Gaddi osoitti yökohtauksessaan Baroncellin kappelissa, kuinka valoa voidaan käyttää draaman luomiseen. Paolo Uccello , sata vuotta myöhemmin, kokeili dramaattista valon vaikutusta joissakin lähes yksivärisissä freskoissaan. Hän teki tämän maalauksessa Terra Verde ("Vihreä maa") elävöittäen sen sävellyksiä lisäämällä sinoperia. Tunnetuin on hänen hevosmuotokuvansa John Hawkwoodista Santa Maria del Fioren katedraalin seinällä . Tässä, profeettojen neljässä päässä, jotka hän maalasi katedraalin sisäkellon ympärille, hän käytti kontrastivärejä, mikä viittaa siihen, että jokainen hahmo olisi valaistu luonnonvalolla, ikään kuin lähde olisi katedraalin ikkuna [16] .
Piero Della Francesca kehitti valoopin. Maalauksessa Self- flaellation hän osoittaa tietoa siitä, kuinka valo leviää tasaisesti lähteestä. Tässä kuvassa oletetaan kaksi lähdettä, yksi sisäinen ja toinen ulkoinen. Sisäisestä lähteestä tulevan valon tulo, vaikka itse lähde on näkymätön, lasketaan matemaattisella tarkkuudella. Leonardo da Vinci käytti Pieron opetuksia valosta maalauksissaan [17] .
1400-luvun jälkipuoliskolla firenzeläiset taiteilijat eivät olleet vain hallitseneet alaston vartalon kuvaamisen taitoa, joka oli korkealla tasolla antiikin Kreikassa, vaan myös ylittivät kreikkalaiset maalauksessa ongelmien ratkaisun ansiosta. chiaroscurosta ja perspektiivistä. Renessanssin taiteilijat havaitsivat tarpeen soveltaa maalauksissa chiaroscuroa ja tilatehosteita, eivätkä tyytyneet vain muotoon ja väreihin. Joten varhaisen renessanssin italialainen taidemaalari Vittore Carpaccio maalauksessa " Englannin suurlähettiläiden lähtö Bretagnesta " ei antanut pääroolia hahmoille, vaan auringonvalon vaikutukselle, joka tulvi vasemmalta läpi avoimen oven ja valaisi köyhän kirjurin. , maalauksessaan " Pyhän Ursulan unelma " kuvaa pehmeästi valaistua sisätilaa, jossa nuori tyttö nukkuu. Huoneen seinillä leikitään chiaroscuron valotehosteilla.
Siunattu Neitsyt Maria , jota kirkko kunnioittaa kaikkialla maailmassa, kiinnosti myös Firenzen taiteilijoita, missä hänen ihmeellinen kuvansa sijaitsi. Täällä hänen mukaansa nimettiin Neitsyt Marian katedraali ja Santa Maria Novellan dominikaaninen kirkko.
Hänen ihmeellinen kuvansa tuhoutui tulipalossa, mutta korvattiin uudella kuvalla 1330-luvulla, jonka toteutti taiteilija Bernardo Daddi ja jonka taitavasti ja rikkaasti kehystti Andrea Orcagni .
Madonnan ja lapsen kuvaukset olivat erittäin suosittu taiteen aihe Firenzessä. Taiteilijat Cimabue , Giotto ja Masaccio kopioivat sitä sekä pieninä sarjamaalauksina että upeina alttaritauluina .
1400-1600-luvun alkupuoliskolla Madonnojen saviveistokset valmistivat Della Robbia -suvun mestarit. Luca Della Robbia oli ensimmäinen kuvanveistäjä, joka käytti lasitettua terrakottaa suurten veistosten luomiseen. Monet hänen teoksistaan ovat säilyneet tähän päivään asti. Della Robbian perheen jäsenten, erityisesti Andrea Della Robbian , taidosta tuli vertailukohta muille Firenzen taiteilijoille.
Varhaisen renessanssin madonnojen maalaajia olivat muun muassa Fra Beato Angelico , Filippo Lippi , Verrocchio ja David Ghirlandaio . Tapausta jatkoi taidemaalari Sandro Botticelli, joka loi Madonna-maalausten sarjan kahdenkymmenen vuoden aikana Medicien tilauksesta ; Madonnat maalasivat taiteilijat Perugino ja Leonardo da Vinci . Jopa Michelangelo , joka oli ensisijaisesti kuvanveistäjä, taivutettiin maalaamaan Madonna Doni , ja Raphael Santille tämä teema oli suosituin hänen monissa teoksissaan.
Yksi Pohjois-Italian vaikutusvaltaisimmista taiteilijoista oli padovalainen Andrea Mantegni , jolla oli onni työskennellä teini-iässä, kun suuri firenzeläinen kuvanveistäjä Donatello työskenteli siellä . Donatello loi valtavan ratsastuspronssipatsaan, ensimmäisen sitten Rooman valtakunnan ajan, italialaisesta condottiere Erasmo da Narnista , joka seisoo edelleen sokkelilla Pyhän Antoniuksen basilikan edessä . Hän työskenteli myös pääalttarilla ja tuotti sarjan pronssisia bareljeefejä, joissa hän saavutti illuusion ihmismuotojen syvyydestä ja näennäisestä pyöreydestä, kaikki erittäin hienossa kohokuviossa.
Mantegna loi 17-vuotiaana freskojaksot pyhien Jaakobin ja Christopherin elämästä Eremitani-kirkolle Scrovegni-kappelin viereen Padovassa. Valitettavasti nämä rakennukset tuhoutuivat toisen maailmansodan aikana, ja hänen työnsä tunnetaan vain valokuvista, jotka osoittavat taiteilijan mestaruuden, näkökulman [18] .
Mantegnan viimeinen työ Padovassa oli monumentaalinen San Zenon alttaritaulu, joka luotiin Veronan San Zenon basilikan rehtorille vuosina 1457-1459 [ 19 ] . tämä polyptyykki, jonka predella-paneelit ovat erityisen havaittavissa maisemaelementtien käsittelyssä, vaikutti hänen ja Veronan koulun mestareiden Francesco Moronen , Liberale da Veronan ja Girolamo dai Libri [20] .
Yksi Mantegnan tunnetuimmista teoksista on sisämaalaus noin 1470 - luvulta Palazzo Ducale - Camera degli Sposin tiloista Gonzagan perheelle Mantovassa . Hänen maalaaman rakennuksen seinät on koristeltu freskoilla, jotka kuvaavat kohtauksia Gonzaga-perheen elämästä, metsästysvalmisteluja jne., eli teemat ja juonet on otettu ihmisten tavallisesta perhe-elämästä. Ainoa ero jokapäiväiseen elämään oli pirteä siivekäs kerube, joka piti kädessään tabletteja ja seppeleitä, kiipeämässä näennäistä portaikkoa, jossa on kaide, kun taas huoneen kattoa koristavat maalaukset, jotka luovat illuusion taivaasta pilvien kanssa [12] .
Sinä aikana, kun Mantegna työskenteli Gonzaga-perheellä Mantovassa, muut taiteilijat suorittivat kunnianhimoisempia tehtäviä Ferraran Esten perheelle . Taiteilija Cosimo Tourin maalaukset erottuvat goottilaisen vaikutuksen ansiosta. Tura esittää klassiset hahmot ikään kuin ne olisivat pyhimyksiä, ympäröiden ne symbolisilla aiheilla, pukeen ne viitoihin, jotka näyttävät olevan tehty taidokkaasti taitetuista emaloiduista kuparista .
Ferraran markkreivi , ensimmäinen Ferraran herttua ja Modenan ja Reggion herttua Este Borso d'Esten talosta perheineen rakensi suuren rakennuksen Ferrara Palazzo Schifanoiaan [21] . Vuodesta 1470 lähtien maalarit Francesco del Cossa ja Ercole de Roberti maalasivat rakennuksen .
Rakennuksen maalaus sisälsi symbolisia maalauksia, joita oli vaikea toteuttaa. Seinämaalausten pääteema on vuoden syklit , jotka ovat horoskoopin merkkejä, ja mukana ovat salaperäiset Dekaanit - horoskooppiympyrän 36 osan hallitsijat (3 kussakin horoskooppimerkissä). Jokainen sykli kestää 10 päivää. Dekaanien yläpuolella kaksitoista roomalaista jumaluutta ominaisuuksineen on kuvattu istuvat upeissa vaunuissa, joita leijonat, kotkat, yksisarviset ja muut vastaavat eläimet ovat vetäneet.
Perheen jäsenet näkyvät syklien alemmilla tasoilla. Ajan myötä osa freskoista vaurioitui pahoin, joten kuvattuja hahmoja ei enää voitu tunnistaa [22] .
Ferraran Borso d'Esten herttuan hovista tuli Ferraran maalauskoulun keskus, johon kuuluivat taiteilijat Francesco del Cossa, Ercole de Roberti ja Cosimo Tura. Hänen tilauksestaan maalattiin myös kuuluisa Borso d'Este -raamattu, joka oli koristeltu renessanssin erinomaisen miniaturistin Taddeo Crivellin piirustuksilla.
Vuonna 1442 Alfonso V Magnanimousista tuli Napolin hallitsija , ja hän toi mukanaan kokoelman humanistisessa akatemiassa luotuja flaamilaisia maalauksia . Taiteilija Antonello da Messinalla oli pääsy kuninkaalliseen kokoelmaan, joka luultavasti sisälsi taiteilija Jan van Eyckin teoksia . Tämä saattoi vaikuttaa hänen kiinnostukseensa flaamilaista maalausta kohtaan ennen kuin Firenzen taiteilijat tiesivät siitä. Messina oli yksi ensimmäisistä Italiassa, joka työskenteli puhtaan öljymaalauksen tekniikassa.
Taiteilija Giovanni Bellini omaksui flaamilaisen maalauksen tekniikan lopulta Venetsiassa, ja siitä tuli tärkein meritasavallan taiteilijoiden joukossa, missä freskotaide ei koskaan menestynyt.
Taiteilija Antonello da Messina maalasi enimmäkseen pieniä muotokuvia kirkkain värein. Teoksissaan hän osoittaa kykynsä luoda perspektiiviä ja työskennellä valon kanssa. Hänen maalauksensa St. Jerome in a Cell , jossa monet taidehistorioitsijat panevat merkille Alankomaiden vaikutuksen, on täynnä monimutkaista symboliikkaa.
Vuosina 1475-1476 Antonello da Messina vieraili Venetsiassa, jossa hän vastaanotti ja toteutti tilauksia, missä hän ystävystyi taiteilijoiden kanssa, erityisesti Giovanni Bellinin kanssa, joka myöhemmin omaksui maalaustekniikkansa.
Vuonna 1479 Frederick III lähetti Giovanni Bellinin muotokuvamaalarina Istanbuliin sulttaani Mehmed II:n luo. Asuttuaan siellä kaksi vuotta maalarina ja sotilaallisena neuvonantajana Belline Gentile loi maalaussarjan, jossa hän yritti yhdistää Italian renessanssin estetiikkaa itämaisen taiteen perinteisiin (naiivi dekoratiivisuus, tasaisuus, frontaalisuus). Kotimaahansa palattuaan Gentile Bellini loi sarjan Venetsian ihmeitä Scuola di Santa Crocelle ja kuuluisammalle veljelleen Giovanni Bellinille , yhdelle Pohjois-Italian korkean renessanssin tärkeimmistä maalareista [2] [18 ]. ] .
1400-luvun lopulla Firenzessä useimmat taideteokset, jopa kirkkojen koristeluun tehdyt, toteutettiin yleensä tilauksesta ja varakkaiden ihmisten yksityisten lahjoitusten kustannuksella. Suurin osa tilauksista tuli Medicien perheeltä tai heihin läheisesti kuuluvilta, kuten Francesco Sassetti, Rousselai ja Tornabuoni.
1460-luvulla Italiassa Marsilio Ficinon toiminta aiheutti laajaa julkista kohua . Hänen ympärilleen muodostui samanhenkisten ihmisten ryhmä, eräänlainen tieteellinen veljeskunta, joka tunnettiin nimellä Platon Academy. Akatemiasta tuli yksi renessanssin tärkeimmistä älyllisistä keskuksista. Se sisälsi ihmisiä eri tasoista ja ammateista - aristokraatteja, diplomaatteja, kauppiaita, virkamiehiä, pappeja, lääkäreitä, yliopiston professoreita, humanisteja, teologeja, runoilijoita, taiteilijoita.
Keskiajalla kaikki taiteen klassiseen aikakauteen liittyvä käsitettiin pakanallisuutena. Renessanssin aikana klassikot yhdistetään yhä enemmän renessanssiin. Muinaisen mytologian hahmoilla alkoi olla uusi symbolinen rooli kristillisessä taiteessa. Eevan kuvasta on tullut viattoman rakkauden symboli tai laajemmassa mielessä jopa itse Neitsyt Marian symboli . Venuksen symbolinen kuva Botticellin temperamaalauksissa luotiin 1480-luvulla Cosimon veljenpojalle Pierfrancesco de' Medicille Botticellin Keväässä ja Venuksen syntymässä .
Tällä välin taiteilija Domenico Ghirlandaio , huolellinen ja tarkka piirtäjä, yksi aikansa parhaista muotokuvamaalajista, sai valmiiksi kaksi freskosarjaa kahdelle Firenzen kirkolle - Santa Trinitan kirkon Sassetti-kappelille ja Tornabuonin kappelille . Santa Maria Novellan kirkko . Capelli Sacetti -maalaus sisälsi neljä sibylaa (profeettoja ja ennustajia), kuusi freskokompositiota Pyhän Franciscuksen elämästä ja alttarimaalauksen "Paimenten palvonta". Alttariseinän freskot ovat taiteilijan tekemät ja jaksot Pyhän Franciscuksen elämästä ilmeisesti hänen työpajansa jäseniä.
Domenico Ghirlandaio loi myös maalaussyklejä Pyhän Franciscuksen elämä , Neitsyt Marian elämä ja Johannes Kastaja . Yhden vaikutusvaltaisimman ja rikkaimman firenzeläisen porvarien, Sassettin, holhouksen ansiosta hän loi muotokuvia Lorenzo Medicistä ja hänen kolmesta pojastaan heidän mentoriensa kanssa. Tornabuonin kappelissa on yksi muotokuva italialaisesta runoilijasta Polizianosta , mukana on Platonin akatemian vaikutusvaltaisia jäseniä, mukaan lukien italialainen filosofi, humanisti, astrologi, Firenzen platonisen akatemian perustaja ja johtaja Marsilio Ficino .
Vuodesta 1450 alkaen, jolloin italialaiset taiteilijat tutustuivat flaamilaisen taidemaalari Rogier van der Weydenin työhön , ja mahdollisesti aikaisemminkin öljymaali tuli taiteilijoiden arkeen . Taiteilijoiden tempera- ja freskotekniikoiden käyttö ei mahdollistanut täysin realististen kuvien saamista maalauksiin. Eritiheyksisten öljyjen käyttö mahdollisti maalien tekemisen läpikuultamattomiksi tai läpinäkyviksi ja niiden käytön muutaman päivän kuluessa valmistuksesta. Italialaisille taiteilijoille avautui uusi mahdollisuuksien maailma.
Vuonna 1475 Firenzeen saapui valtava alttaritaulu, The Adoration of the Shepherds . Hugo van der Goesin maalaus Portinarin perheen käskystä poistettiin Bruggesta ja asennettiin Santa Maria Nuovan sairaalan Sant'Egidion kappeliin. Alttari loisti voimakkaita punaisia ja vihreitä sävyjä. Etualalla oli asetelma kukista vastakkaisissa fajanssi- ja lasiastioissa. Vain yksi lasimaljakko kuvassa saattoi herättää taiteilijoiden huomion. Mutta mielenkiintoisin piirre triptyykissä oli luonnollinen ja realistinen kuvaus kolmesta paimenesta, joilla on ajelematon parta ja kädet uupuneet työstä. Domenico Ghirlandaio maalasi nopeasti oman versionsa maalauksesta [12] .
Vuonna 1477 paavi Sixtus IV rakensi uudelleen Vatikaanin kotikirkon vanhan kappelin , jossa pidettiin paavin jumalanpalvelukset. Hänen mukaansa Sikstuksen kappeliksi nimetyn uuden kappelin suunnittelu näyttää olleen alusta alkaen suunniteltu 16 suuren freskon sarjalle keskitason pilasterien välissä. Niiden yläpuolella piti olla sarja maalauksellisia muotokuvia paavista.
Vuonna 1480 kappelin maalaustyöt tilasivat taiteilijat: Botticelli, Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio ja Cosimo Rosselli . Bernadino Pinturicchiu työskenteli oppipoikana. Freskosyklin piti kuvata juonen Mooseksen elämästä ja tarinoita Kristuksen elämästä . Peruginon "Mooseksen löytäminen" ja "Kristuksen syntymä" freskot tuhottiin myöhemmin Michelangelon "Viimeinen tuomio" maalaamista varten .
Maalausten teemat antoivat taiteilijoille täyden valikoiman tutkia taitojaan, sillä niissä oli suuri joukko miehiä, naisia ja lapsia, symboleja enkeleistä itse paholaiseen. [24] .
Tuntemattomasta syystä Botticelli, Pietro Perugino ja Domenico Ghirlandaio lähtivät Firenzeen vuonna 1482. Vuonna 1483 seinämaalaukset valmistuivat ja paavi Sixtus IV vihki kappelin. Myöhemmin Luca Signorellin fresko ja Ghirlandaion sävellys "Kristuksen taivaaseenastuminen" hävisi arkkitraaven romahtaneesta osasta. Tällä hetkellä teossarjaan kuuluu 12 sävellystä. Seinien yläosaan ikkunoiden väliin maalattiin paavien muotokuvia. Kaikki sävellykset on järjestetty tasaisesti hahmojen koon ja hahmojen ulkonäön suhteen. Vasari pitää syklin yleiskonseptin kehittämisen taiteilija Sandro Botticellin ansiota.
Leonardon monilla tieteen ja taiteen aloilla osoittamaa kiinnostuksen aluetta ja lahjakkuutta pidetään " renessanssimiehen " arkkityyppinä. Mutta hän oli ennen kaikkea aikaansa edellä oleva taiteilija, joka luotti tietoon elämän eri osa-alueista.
Leonardo oli tieteellinen tarkkailija, jolla oli oma näkemyksensä ympäröivistä esineistä. Hän opiskeli ja maalasi kukkia, jokien pyörteitä, kallion ja vuorten muotoja, katseli lehdistä heijastuvaa valoa ja kuinka jalokivet kimaltivat. Hän tutki ihmiskehon muotoja leikkaamalla sairaaloista kolmekymmentä tai useampia noutamattomien ruumiiden ruumiita ymmärtääkseen lihasten ja jänteiden rakennetta ja muotoa.
Tiedemiehenä hän loi opin "ilmakehästä". Maalauksissaan, kuten Mona Lisassa ja Kalliomadonnassa , hän käytti valoa ja varjoa niin ymmärtäväisesti, että paremman sanan puutteessa häntä kutsuttiin Leonardon "savuksi".
Samalla kun katsoja kutsuttiin muuttuvien varjojen, kaoottisten vuorten ja pyörteiden salaperäiseen maailmaan, Leonardo saavutti realismia työssään ilmaistaessaan inhimillisiä tunteita, kuvia Giottosta, mutta Masacciolle tuntematonta Aadam ja Eeva -elokuvassa . Leonardon viimeinen ehtoollinen , Milanon luostarin ruokasalissa maalattu maalaus, tuli uskonnollista aihetta käsittelevien maalausten standardi vuosituhannen seuraavan puoliskon ajaksi. Ajatus ruokasalin maalaamisesta syntyi luostarin kirkon alttariosan jälleenrakennuksen jälkeen, jolloin siitä tehtiin Milanon hallitsijan Lodovico Moron ja hänen perheensä hauta. Leonardon maalaus valmistui vuonna 1497.
Maalauksessa on 12 apostolia, jotka on jaettu 4 ryhmään. Apostoli Tuomas on kuvattu Kristuksen oikealla puolella ja apostolit Matteus, Taddeus ja Simon on kuvattu kuvan oikealla puolella. Kuvan vasemmalla puolella ovat apostolit Bartolomeus, Andreas, Jaakob nuorempi. Leonardo luopui perinteestä sijoittaa Juudas erikseen ja kuvasi hänet apostolien joukkoon. Maalaus on tällä hetkellä huonossa kunnossa. Tuhoprosessi alkoi Leonardon aikana, mikä johtuu osittain sekamedian käytöstä freskoissa, joissa vallitsee tempera. Leonardo, kuten Vasari todisti, työskenteli hitaasti, pohdiskeli työtä pitkään, teki lukuisia muutoksia, mistä johtuu maalaustekniikan rikkominen, mikä vaatii nopeutta ja ei salli muutoksia.
Monet muut renessanssin taiteilijat maalasivat versioita viimeisestä ehtoollisesta , mutta vain Leonardon maalaus oli tarkoitettu kopioitavaksi lukemattomia kertoja puulla, alabasterilla, kipsillä, vedoksilla, kuvakudoksilla, virkkauksella ja muulla tavalla.
Sen lisäksi, että teokset vaikuttivat suoraan ihmisiin, Leonardon valon, anatomian, maiseman ja teknologian tutkimuksesta hyötyivät myös seuraavat ihmissukupolvet [7] .
Vuonna 1508 paavi Julius II onnistui saamaan kuvanveistäjä Michelangelon luvan jatkaa Sikstuksen kappelin maalaamista. Sikstuksen kappelin katto rakennettiin siten, että siinä oli kaksitoista kaltevaa holvia tukevaa osaa. Katto muodosti ihanteellisen pinnan kahdentoista apostolin teeman maalaamiseen . Michelangelo, joka myöntyi paavin vaatimuksiin, keksi pian täysin erilaisen suunnitelman, paljon monimutkaisemman sekä suunnittelun että ikonografian osalta. Hänen yksin tekemänsä työn mittakaavassa, pientä apua lukuun ottamatta, oli titaaninen ja kesti lähes viisi vuotta.
Paavin suunnitelman mukaan apostolien kuvien oli tarkoitus muodostaa temaattinen kuvalinkki Vanhan testamentin ja Uuden testamentin välille [24] . Michelangelo valitsi toisenlaisen järjestelmän. Freskojen teemana oli tarina maailmanhistorian "ensimmäisestä aikakaudesta" - ante legem (ennen Mooseksen lain antamista) [25] . Holvin maalaus loi yhteyden kappelin sivuseinien freskoihin - Mooseksen tarinasta Kristuksen elämään. Holvin keskivyö sisältää yhdeksän jaksoa Genesiksen kirjasta maailman luomisesta Nooan päihtymiseen asti. Yhdeksän kohtausta, kolme kussakin ryhmässä, paljastavat Jumalan, luojan, teemat ennen ihmisen luomista, Jumala ja ihminen paratiisissa, paratiisista karkotettu ihminen. Kappelin kulmissa olevalla kaaren neljällä kaistaleella on Vanhan testamentin tarinoita Israelin kansan pelastuksesta. Lopullisessa versiossa profeettojen, sibylien, Ignudin (alaston) kuvat toistavat paavi Juliuksen haudan ensimmäisen luonnoksen hahmoja. Holvin keskipisteenä on sävellys Eevan luominen - kristillisen dogman mukaan toinen Eeva, "tahraton", joka on kutsuttu korjaamaan syntisen Eevan tekoja, on Neitsyt Maria, joka myös personoi kirkkoa. Näin Neitsyt Marialle omistetussa kappelissa paljastuu Eeva-Maria-kirkon lähentyminen.
Vuonna 1533 paavi Clement VII halusi tilata Michelangelon maalaamaan viimeistä tuomiota ja enkelien lankeemusta käsittelevät freskot Sikstuksen kappelin sivuseinille . Paavi kuitenkin kuoli vuonna 1534. Michelangelo onnistui tekemään luonnoksia suunnitelluista sävellyksistä. Hän sai paavi Paavali III Farneselta uuden tilauksen Viimeinen tuomio -freskolle. Uutta freskoja varten sekä Michelangelon itsensä alttarin seinän lunetteissa että Peruginon freskoja kaadettiin . Uuden freskon työstö valmistui vuonna 1541. Michelangelo valitsi freskoon epätavallisen ikonografian. Freskolla kaikki hahmot eivät ole jakautuneet syntisiin ja vanhurskaisiin, vaan hämmennys valloittaa ennen viimeistä tuomiota. Fresko kohtasi vihamielisen asenteen papistopiireistä, jotka syyttivät taiteilijaa hurskauden sääntöjen rikkomisesta. Vasarin mukaan paavi Paavali IV oli tuhoamassa freskon ja käski taiteilija Daniele da Volterraa maalaamaan vaaleita kankaita alastonhahmojen päälle.
Leonardo da Vincin ja Michelangelon ohella Raphael Santi on synonyymi korkealle renessanssille, vaikka hän oli 18 vuotta nuorempi kuin Michelangelo ja 30 vuotta nuorempi kuin Leonardo. Ei voida sanoa, että hän rikastuttaisi maalausta merkittävästi, kuten tekivät hänen kuuluisat aikalaisensa. Pikemminkin hänen työnsä oli kaikkien korkean renessanssin tapahtumien huipentuma.
Rafael syntyi taiteilijan perheeseen, joten hänen uransa, toisin kuin Michelangelon, joka oli ala-aatelisen poika, oli ennalta arvattu. Muutama vuosi isänsä kuoleman jälkeen hän työskenteli jo umbrialaisessa taiteilijan Peruginon työpajassa . Hänen ensimmäinen signeerattu ja päivätty maalauksensa tehtiin ennen 21-vuotiaana, Neitsyen kihlaus , jossa hän jäljittelee Peruginon teosta Kristus antaa avaimet Pietarille [18] . Teoksissaan Rafael ei epäröinyt kopioida kuuluisien taiteilijoiden, aikalaistensa löytöjä käyttämällä Peruginon pyöristettyjä muotoja ja vaaleita värejä, Ghirlandaion realistisia muotokuvia, Leonardon realismia ja valaistusta, Michelangelon voimakasta käsialaa jne.
Lyhyen elämänsä aikana hän valmisti useita suuria alttaritauluja, erinomaisia muotokuvia paavista, kuvitti Vanhaa ja Uutta testamenttia. Samaan aikaan, kun Michelangelo maalasi Sikstuksen kappelin kattoa , Rafael esitti lähellä sarjan seinäfreskoja Vatikaanin kammioissa, mukaan lukien Ateenan koulu , Disputa , Parnassus .
Ateenan koulun fresko on omistettu filosofian apoteoosille ja kuvaa koulutettujen muinaisten ateenalaisten tapaamista, jotka kokoontuivat Platonin keskushahmon ympärille, jonka Rafael tunnetusti kopioi Leonardo da Vincin kuvasta . Suurella kivilohkolla istuva Herakleitos -hahmo on muotokuva Michelangelosta ja viittaus hänen Sikstuksen kappelissa olevaan freskoon profeetta Jeremiasta . Rafaelan oma muotokuva on oikealla hänen opettajansa Peruginon vieressä [26] . Oikeanpuoleisessa matemaatikoiden ryhmässä piirustuksessa olevan vanhan miehen Eukleideen varjolla taiteilija kuvasi arkkitehdin, korkean renessanssin arkkitehtuurin suurimman edustajan - Bramanten . Freskon keskeiset hahmot Platon ja Aristoteles personoivat renessanssin näkemysten mukaan filosofian kahta pääosaa - luontoa tutkivaa luonnonfilosofiaa ja etiikkaa tutkivaa moraalifilosofiaa.
Sävellys Parnassus , omistettu runouden teemalle jumalallisena inspiraationa. Freskon keskeistä hahmoa, viulua soittavaa Apolloa, ympäröivät tunnistetut runoilijat Homeros, Dante, Sappho ja muut.
Rafaelin suosion päälähde ei ollut hänen pääteoksensa, vaan pienet firenzeläiset maalaukset Madonnasta ja Kristuslapsesta. Hän maalasi saman kuvan Madonnasta pulleilla vauvoilla yhä uudelleen ja uudelleen. Hänen pääteoksensa, pitkään maakunnan Piacenzan temppelissä, Sikstuksen Madonnaa käytettiin mallina lukemattomille lasimaalauksille [ 27] [28] .
Giovanni Bellini oli veljensä Gentilen kaksois , samanikäinen kuin Mantegna ja Antonello da Messina . Hän työskenteli suurimman osan elämästään veljensä ateljeessa, ja hän sai vahvan vaikutuksen Mantegnan tyylistä, ja hän allekirjoitti maalauksia vasta 50-luvun lopulla. Elämänsä viimeisten 30 vuoden aikana hän oli kuitenkin poikkeuksellisen tuottelias ja vaikutusvaltainen taiteilija, joka vaikutti Giorgioneen ja Titianiin .
Bellini, kuten hänen paljon nuorempi nykyaikaisensa Rafael , maalasi monia pieniä maalauksia Madonnasta rikkailla valoväreillä. Nämä madonnat maalasivat myös muut Bellinin suuren taideateljeen jäsenet. Vain yhdestä pienestä Kristuksen ympärileikkauksen kuvasta oli neljä tai viisi lähes identtistä kopiota.
Taiteilijat tekivät perinteisesti seinämaalauksia alttareista, joissa oli Madonna ja lapsi sekä valtaistuimella istuva Neitsyt, joiden seurassa seisovat tietyissä paikoissa pyhimykset. Taiteilija Piero Della Francesca valitsi markkinarakonsa Madonnan valtaistuimen paikkaksi, ja Masaccion tapaan hän käytti sitä Pyhän Kolminaisuuden paikkana Santa Maria Novellassa . Pierrot ryhmitti pyhät valtaistuimen ympärille.
Bellini käytti maalausteemaa, joka tunnetaan nimellä Sacred Conversations , joissakin myöhemmissä alttarimaalauksissaan, kuten venetsialaisessa San Zaccarian kirkossa . Hänen maalauksensa laajentavat rakennuksen arkkitehtuuria eräänlaisena illuusiona paljastaen maiseman ja päivänvalon, joka virtaa Madonnan ja lapsen hahmojen läpi [29] .
Alunperin Vincenzo Catenan ja Giovanni Bellinin vaikutuksesta taiteilijaksi muodostunut Giorgione onnistui kehittämään useiden vuosien aikana oman kypsän tyylinsä, joka perustui hienovaraiseen värien ja valon vuorovaikutuksen tunteeseen.
Giorgionen maalausten tyyli on samanlainen kuin Vincenzo Catenan ja Giovanni Bellinin . Ajan myötä hän kehitti oman kirjoitustyylinsä, joka perustui tunteeseen värin ja valon vuorovaikutuksesta. Hänen taitonsa tekee hänestä yhden renessanssin omaperäisimmistä taiteilijoista. Yksi hänen maisemamaalauksistaan, joka tunnetaan nimellä Myrsky , joka kuvaa puolialastonta naista ruokkimassa vauvaa, klassisia pylväitä ja salamaa, miestä kepillä, muistuttaa Aadamia ja Eevaa heidän paratiisin jälkeisinä päivinä. Toinen maalaus, joka tunnetaan nimellä Kolme filosofia , muistuttaa meitä tietäjistä , jotka suunnittelevat matkaa Kristus-lapsen etsimiseen.
Giorgione maalasi alastomia naisia ihaillakseen ihmiskehoa. Sama teema löytyy myöhemmin taiteilijoiden Titianin , Velasquezin , Veronesen , Rembrandtin , Rubensin ja Manetin maalauksista . Tämä teema on Giorgionen taiteellinen perintö.
Giorgionen (33-vuotias) lyhyestä elämästä huolimatta hänellä oli monia oppilaita, muun muassa Sebastiano del Piombo , Giovanni da Udine , Fr. Torbido (lempinimi il Moreau) ja itse Titian .
Renessanssitaiteilija Titian maalasi kuvia raamatullisilla ja mytologisilla aiheilla, tunnettiin muotokuvamaalarina. Kuninkaat ja paavit, kardinaalit, herttuat ja ruhtinaat käskivät Titianin maalata. Hän loi eeppiset kankaat "Jumalan äidin taivaaseenastuminen" (1516-1518), "Madonna ja lapsi pyhien Franciscuksen ja Blaisen kanssa sekä Alvise Gozzin rukoilemassa" (1520), "Ariadne ja Bacchus" jne.
Kolmenkymmenen vuoden ikään asti hänet tunnustettiin Venetsian parhaaksi maalariksi. Hän maalasi myös monia alastomia naisia, useimmiten Sandro Botticellin tapaan, naamioi heidät jumalattareiksi, kuvasi metsää ja tähtitaivasta heidän ympärillään. Hänen maalauksensa oli tarkoitettu koristelemaan varakkaiden asiakkaiden seiniä. Lisäksi Titian esitteli maailmalle Pietro Aretinon ja paavi Paavali III:n sekä monien muiden aikansa kuuluisien henkilöiden kuvat. Titian tuli tunnetuksi myös uskonnollisesta maalauksestaan viimeisessä teoksessaan Pieta [12] [30] .
Elämänsä lopussa Titian kehitti oman maalaustekniikkansa levittäen maalia kankaalle siveltimellä, lastalla ja sormilla. Myöhemmissä teoksissaan läpinäkyvillä lasiteilla näkyy pohjamaalauksia, jotka paljastavat paikoin kankaan rakeisen rakenteen. Erimuotoisten vapaiden vedosten yhdistelmästä, ikään kuin paljastaen taiteilijan luomisprosessin, syntyy kuvia täynnä tärisevää elinvoimaa ja draamaa" [31] .
Titian : Doge Andrea Grittin muotokuva, 1500-luku
Diego Velázquez , Philip IV, 1600-luku
Joshua Reynolds , Baron Hesfield, 1700-luku
William Orpen Chef Chatham Hotel, Pariisi, 1921
K. Bryullov, italialainen keskipäivä , 1827. Venäjän valtionmuseo , Pietari
Michelangelon ja Tizianuksen elämä jatkui 1500-luvun jälkipuoliskolla. Taiteilijoiden Leonardo da Vincin , Mantegnan , Giovanni Bellinin , Antonello da Messinan ja Raphaelin työt omaksuivat myöhemmät taiteilijat manierisminä tunnetulla tyylillä , joka kehittyi kohti fantasiaa ja kuvallista virtuositeettia barokin aikana. Ensimmäiseen maneristien sukupolveen kuuluvat taiteilijat Jacopo Portomo , Francesco Parmigianino , Giulio Romano ja muut.
Taiteilija, joka otti suuria taiteellisia sävellyksiä Titianin teoksista, oli Tintoretto . Leonardo da Vincin ja Raphaelin töiden vaikutus opiskelijoiden työhön puolestaan vaikutti Poussinin työhön ja 1700- ja 1800-luvun klassisten taiteilijoiden kouluun. Antonello da Messinan työllä oli suora vaikutus Albrecht Düreriin ja Martin Schongaueriin ja heidän kaiverrustensa kautta moniin taiteilijoihin, mukaan lukien saksalaiset, hollantilaiset ja englantilaiset koulut 1900-luvun alkuun asti. [kahdeksantoista]
Michelangelon maalaama Sikstuksen kappelin katto ja myöhemmin hänen Viimeinen tuomionsa vaikuttivat Rafaelin ja hänen oppilaidensa kuvakoostumuksiin ja sitten lähes jokaisen 1500-luvun taiteilijan, joka etsi uusia ja mielenkiintoisia tapoja kuvata ihmiskehoa. Michelangelon vaikutus on jäljitettävissä Andrea del Sarton , Pontormon , Bronzinon , Parmigianinon , Veronesen , El Grecon , Carraccin, Caravaggion , Rubensin , Poussinin ja Tiepolon , 1800-luvun klassisten ja romanttisten taiteilijoiden, kuten jacque -taiteilijoiden sävellystyylissä. Louis David ja Eugène Delacroix .
Italian renessanssimaalauksen vaikutuksesta perustettiin monia modernin taiteen akatemioita, kuten Royal Academy , joka perustettiin erityisesti keräämään italialaista renessanssitaidetta. Kerätystä kokoelmasta muodostettiin Lontoon National Gallery . Italian renessanssin taideteoksia koristavat kuuluisa Pietarin Eremitaaši .
Italian renessanssitaiteilijoiden työ vaikutti myös venäläisiin taiteilijoihin, mukaan lukien A. Ivanov , O. Kiprensky , K. Bryullov . A. Ivanov havaitsi 1200-luvun Italian taiteessa 1400-luvun alun pyhän asenteen kuvattuun esineeseen ja sen muotoon, vakavan asenteen pyhää ja ihmeellistä aluetta kohtaan [32] .
| renessanssi | |
|---|---|
| taide Arkkitehtuuri Muotokuva (Italia) Veistos (Italia) | |