Venäläinen musiikki ( Venäjän kansallinen musiikki ) - Venäjän kansan musiikkikulttuurin saavutukset ; vuosisatoja vanhan historiallisen alkuperäisten perinteiden muodostumis- ja kehitysprosessin tulos . Tämä käsite yhdistää venäläisen musiikillisen kansanperinteen , venäläisen akateemisen musiikin , venäläisen pyhän musiikin [1] ja venäläisen romanssin [2] [3] .
Venäläisten genrejen luomisen aikakehys: kansanmusiikki - X-XX-luvut, pyhä musiikki - X-XXI-luvut, akateeminen musiikki - XVIII-XX-luvut [4] .
Venäläinen kansanmusiikki on peräisin Kiovan Venäjän alueella asuneiden slaavilaisten heimojen kansanperinteestä . Monilla aikamme säilyneillä laulutyypeillä on pakanalliset juuret, joskus kristillisten rituaalien vaikutuksesta [5] . Koska venäläinen kansanmusiikki on heterogeenista, sen juuret ovat muista Kiovan Venäjän alueella asuneista heimoista: suomalais-ugrilainen, turkkilainen ja muut [6] .
Tähän asti alueelliset, usein etniset perinteet tuntuvat venäläisessä kansanperinteessä. Pohjoisten, läntisten, eteläisten, keskialueiden, suurten jokien - Oka , Volga , Don [6] - altaiden siirtokuntien kansanlaulutaiteella on omat ominaisuutensa . Venäläinen kansanmusiikki on perusta, jolle kaikki venäläinen ammattimusiikki on kasvanut [7] .
Suurvenäläisten sävelten yleinen tyyppi kehittyi luultavasti " tatarikauden " loppupuolella, "kuninkaiden" aikaan (XIV vuosisata). Tyypillinen piirre on modaalinen rakenne, toisin kuin länsislaavien keskuudessa yleinen duuri-molli, ja erikoinen polyfonian tyyli [8] .
Venäjän musiikkikulttuurista on kirjallisia dokumentteja . Keskiaikaisen Venäjän suosituimpia soitintyyppejä uskottiin olevan kielisoittimet, kuten gusli tai gudok . Arkeologit ovat löytäneet näytteitä näistä instrumenteista Novgorodin alueelta , jotka ovat peräisin 1000-luvun alusta [9] . Muita soittimia ovat piippuhuilu ja lyömäsoittimet, kuten helistin ja tamburiini . Siitä huolimatta laulaminen venäläisellä oli suositumpaa kuin instrumentaalimusiikki. He lauloivat usein eeposia kansansankareista, kuten Sadkosta , Ilja Murometsista ja muista, joskus instrumentaalisäestyksenä.
Moskovan suurruhtinaskunnan aikana venäläistä musiikkia muodostivat kansanmusiikin lisäksi kaksi päägenreä: ortodoksinen liturginen musiikki ja maallinen viihdemusiikki.
Maalliseen musiikkiin sisältyi soittimien, kuten pillien ja kielisoittimien, käyttö, ja sitä soittivat yleensä juhlatilaisuuksissa alunperin aatelistoa viihdyttäneet puhvelit ja minstrelit . Venäjän kirkon skisman taantumuksellisella kaudella 1600-luvulla puhkivat musiikkinsa kanssa kiellettiin, mutta näistä rajoituksista huolimatta osa heidän perinteistään on säilynyt tähän päivään asti [10] .
Kansanmusiikin päälajeista voidaan erottaa kalenterirituaalilaulut , häälaulut , eeppiset, tanssi- ja lyyriset laulut, ditties . Kansanperinteen kansansoittimia käytetään yleensä paimenten elämässä tai tietyntyyppisissä tansseissa ja lauluissa. Yleisimmät ovat: jousisoittimet ( piippaus , harppu ), puhallinsoittimet ( pilli , zhaleyka , käyrätorvi , kuvikly , pan huilu ) . Aikakirjat mainitsevat: sotilaspiiput, metsästystorvet, tamburiinit.
Keskiajalla buffooneja - kansanmusiikin esittäjiä - vainottiin ja soittimet tuhottiin, joten alkuperäiset venäläiset soittimet eivät melkein saavuttaneet nykyaikaa. Tällaiset soittimet, jotka joskus yhdistetään venäläiseen musiikkiin, kuten mandoliini , seitsemänkielinen kitara , nappihaitari ( harmonika ), ovat länsieurooppalaista alkuperää olevia soittimia, ja ne levisivät Venäjälle suhteellisen myöhään (XIX-XX vuosisatoja) [6] . 1000-luvulta lähtien kelloa on käytetty Venäjällä musiikki-instrumenttina , joka myöhemmin ilmestyi venäläisten säveltäjien ohjelmistoon. Venäläistä musiikkia luonnehtiva venäläinen musiikkitieteilijä Boris Asafjev otti käyttöön termin "kellot" pitäen kellonsoittoa Venäjän musiikillisena symbolina [11] . Joissakin venäläisissä kansantanssityypeissä taputus, lyönnit vartaloon ja tallaukset täydentävät musiikkijaksoa toimien lyömäsoittimina esimerkiksi venäläisessä tanssissa .
Yksi ensimmäisistä kansanmusiikkiryhmistä Venäjällä oli vuonna 1868 perustettu Dmitri Agrenev-Slavjanskyn Slavic Chapel , joka edisti venäläistä ja slaavilaista kansanlaulua Venäjällä ja ulkomailla, usein varietee-sovituksissa. 1900-luvun alussa syntyivät Vasili Andreevin venäläisten kansansoittimien orkesteri ja M. E. Pyatnitskyn mukaan nimetty venäläinen kansankuoro : ensimmäisessä ryhmässä kansan käyttämää instrumentointia laajennettiin ja parannettiin, toisessa esitettiin kansanlauluja. autenttisessa muodossaan [6] .
1960-luvulla syntyi pieniä, usein nuorista ammattimuusikoista koostuvia kansanperinteen ryhmiä, joiden tavoitteena oli toistaa tarkasti kansan ohjelmisto ja tapa - yleensä tietyn alueen tai kylän. Ryhmät esiintyivät maan eri maakuntien kulttuuritaloissa. Tästä ympäristöstä ovat kasvaneet muun muassa Dmitry Pokrovsky Folk Music Ensemble ja Sirin Choir Ensemble: molemmat yhtyeet esittävät sekä talonpojan kansanmusiikkia että pyhää suullista ja kirjallista perinnettä [6] . Kansanlaulut olivat osa Neuvostoliiton poplaulajien, erityisesti Lidia Ruslanovan , Olga Voronetsin , ohjelmistoa . Vuonna 1974 laulaja Nadezhda Babkina loi kansanmusiikkiyhtyeen Russian Song . Vuonna 1977 laulaja Ljudmila Zykina loi Rossiya - yhtyeen . Vuonna 1982 Boris Bazurov perusti Rusichi -yhtyeen . Vuonna 1999 laulaja Ljudmila Ryumina perusti Ljudmila Ryuminan johdolla " Moskovan kulttuuriperinteen keskuksen " ja sen kanssa yhtyeen "Rusy".
Nyky-Venäjällä Pelageya tunnetaan kansanlaulun esittäjien keskuudessa , vuodesta 1996 lähtien hän on ollut solistina luomassaan samannimisessä ryhmässä. Vuodesta 1998 lähtien Ivan Kupala -ryhmä on luonut kansanmusiikkia , joka perustuu autenttiseen kansanperinteeseen, pääasiassa Neuvostoliiton folkloristien etnografisten tutkimusretkien aikana vuosina 1970-1980. Ryhmän albumi " Kostroma " auttoi kansanmusiikin popularisoimista nykyaikaisella venäläisellä musiikilla ja loi perustan monien myöhempien kansanmusiikkia luovien venäläisten ryhmien luomiselle. Kappale "Kostroma" samannimiseltä albumilta käytettiin vuoden 2014 olympialaisissa Sotsissa .
Kansanmusiikin päälajeista voidaan erottaa työsävelmät , kuorot ja laulut , rituaaliperinteen (kalenteri-maatalous ja perhe-kotitalous), eeppiset genret ( eepos , historialliset laulut ), henkiset runot , pyöreät tanssit ja tanssit lauluilla, talonpoikaperinteen lyyrisiä lauluja, urbaaneja lyyrisiä lauluja , instrumentaalimusiikkia [12] .
Kansanmusiikki oli enemmän laulua kuin instrumentaalia (mahdollisesti kirkon venäläisten soittimien kieltäminen ). 1800-luvun puolivälissä syntyi uusi genre - ditty .
Venäläinen kansanlaulu on kollektiivinen suullinen taide, joka välitetään sukupolvelta toiselle. 1930-luvun "marxilaisen kansanperinteen" kannattajien mukaan vallankumousta edeltävänä aikana talonpojat esittivät lauluja ja ne olivat enimmäkseen surullisia. Ja proletaarisen tunteen kasvaessa vuonna 1905 kansanlauluihin ilmestyy "vallankumouksellinen sävy": luokkaviha ilmaistaan talonpoikaisväestössä (" Dubinushka ", "Lähdämme rohkeasti taisteluun ") [13] . Lokakuun vallankumouksen jälkeen suullista kansantaidetta hallitsee satiiri ja kansanelämää koskeva huumori, jotka muodostavat juoruja harmonikan säestyksellä [13] .
Oletettavasti 1500-1600-luvuilla syntyi venäläinen lyyrinen laulu ja sen korkein muoto on viipyvä . Tämä tyyppi liittyy moniäänisten tai heterofonisten äänilaulutyyppien kansanpolyfonian syntymiseen aliäänipolyfonialla - äänilaululla, jonka sävelen on siirretty suhteessa kuoron johtavan äänen keskimääräiseen säveleen . Venäjän eri alueilla ylisävellaulun perinne vaihtelee [14] . Kansanlaulu on lähes aina moniäänistä, lukuun ottamatta eeposia , itkulauluja , kehtolauluja ja lastenlauluja , jotka esitetään yhdellä äänellä. Melodisesti kehittyneitä ovat tietyntyyppiset hää- ja hautajaisetitkut (valitukset): niille on ominaista ilmaisu, joka johtuu rituaalikaavojen yhdistämisestä esiintyjän (yleensä naisen) henkilökohtaiseen improvisaatioon [6] .
Venäläisen kansanlaulun modaalinen järjestelmä on ainutlaatuinen: se on lähellä Kiinan tai Skotlannin asteikon pentatonista asteikkoa , tetrakordaalista ja täysdiatonista . Yksi- ja moniäänisellä kansanlaululla on oma modaalisäveljärjestelmänsä, joka eroaa sointuihin rakennetusta säveltoiminnallisuudesta ; tämä järjestelmä muuttui myöhemmin harmonisen mollin johdantosäveleksi talonpoikaromanssin , kaupunkilaulun , haitarisävelmän (" Keskellä tasaista laaksoa ") ilmaantumisen myötä ja sidottiin sointuihin [15] .
Kuuluisia kansanperinteissä kirjoitettuja lauluja, mutta ei kansanmusiikkia, ovat mm.: " Kalinka " on yksi maailman tunnetuimmista venäläisistä melodioista, " Katyusha " on isänmaallinen laulu, joka on suosittu Neuvostoliitossa ja nyky-Venäjällä, " Korobushka " on melodia tunnetaan maailmassa peleistä " Tetris ", " Polyushko-field " - venäläinen melodia, joka on suosittu ulkomaisten 1900-luvun säveltäjien keskuudessa, " Voi pakkanen, pakkanen " - suosittu juomalaulu " Smuglyanka ". Venäläisten klassisten muusikoiden ja Neuvostoliiton popmusiikin suosimia venäläisiä kansanlauluja ovat " Pellolla oli koivu ", " Oi sinä, aro on leveä ".
Venäläisellä sakraalisella musiikilla tarkoitetaan uskonnollisiin teksteihin perustuvia laulu- tai vokaali-instrumentaalisia teoksia sekä Venäjän ortodoksisen kirkon kellojen soittamista. Sillä on syvät ja vahvat perinteet sekä kansan- että säveltäjätaiteessa. Hengellisen musiikin kansantyylilajit ovat hengellisiä runoja , joiden joukossa on monia valituksia ; niiden melodian alkuperä on peräisin pakanallisesta slaavilaisesta perinteestä, kun taas hyvin lyyriset tekstit, joille on ominaista voimakas emotionaalinen ilmaisu tai ainakin kirkas erityiskuva ja metafora ja erityinen katuva tunnelma, ovat peräisin Vanhasta ja Uudesta testamentista sekä lähellä - Kristillinen uskonnollinen runous.
Yhdessä uskonnon kanssa Bysantista lainattiin kirkkolauluja. Kirkkolaulu oli 1600-luvun loppuun asti käytännössä ainoa ammattimaisen ortodoksisen musiikkitaiteen muoto [16] . Nuottikirjoitukseen käytettiin erityisiä merkkejä - neumeja , joiden ansiosta on säilynyt useita esimerkkejä keskiaikaisesta kirkkomusiikista, mukaan lukien kaksi tsaari Ivan Julman 1500-luvulla säveltämää tikkua [17] . 1600-luku tuo venäläiseen sakraaliseen musiikkiin uutta virtaa. Muusikot tutkivat Euroopan musiikkikulttuuria, tutustuvat täysin uuteen tyyliin. 1600-luvulla pyhä musiikki on laskenut Pietari I :n monien erilaisten uudistusten seurauksena . Italialaiset alkoivat kouluttaa palatsikuoroa . Joissakin katedraaleissa vanhauskoisen laulun kehitys jatkuu. 1800-luku tuo mukanaan uuden pyhän musiikin genren – teokset juhlallisiin liturgioihin. Tämän genren edustajia olivat keisarillisen hovin kappelin johtaja Dmitri Bortnyansky , klassisen kuorokonsertin luoja Maksim Berezovski , säveltäjä ja kapellimestari Stepan Degtyarev , säveltäjä ja valtionhoitaja Artemy Vedel , säveltäjä Stepan Davydov . Saksalaisella musiikkikulttuurilla oli vahva vaikutus tuon ajan venäläiseen kirkkomusiikkiin. Säveltäjät Aleksei Lvov ja Pavel Vorotnikov antoivat kirkon hymneille protestanttisen laulun muodon. 1900-luvulla pyhä musiikki on täynnä kansanmusiikkia venäläisten säveltäjien, erityisesti Vasily Orlovin , Stepan Smolenskin , Nikolai Danilinin ja Sergei Rahmaninovin teosten ansiosta .
Ortodoksinen jumalanpalvelus , toisin kuin katolinen tai protestanttinen jumalanpalvelus, on aina pysynyt yksinomaan äänekkäänä. Instrumentaalinen säestys ei ollut sallittua. Sen tärkeimpiä genrejä kaikille kirkkokunnille yhteisten psalmien lisäksi olivat stichera , troparion , kontakion , loisto , myöhemmin muodostui liturgia ja koko yön vigilia . Täysin muodostuneessa ortodoksisessa jumalanpalveluksessa laulu seurasi kaikkia sen osia – liturgiaa (messua), vesperiä ja matineja (suurten juhlien aattona, koko yön vigilia); kasteen riitit , häät , hautaukset , samoin kuin riitit - rukoukset , muistotilaisuudet ja niin edelleen. Jopa Bysantissa eri genreille ja palvonnan eri osille oli erilaisia laulutyylejä - lauluja [18] .
Vuoden 1917 vallankumouksellisten tapahtumien jälkeen venäläisen pyhän musiikin kehitys modernina taiteena keskeytettiin. A. T. Grechaninov ja N. N. Cherepnin jatkoivat kuitenkin kirkkosävellysten säveltämistä ulkomailla . Kirkkokuorojen johtajista tunnetuimpia ovat: Sergei Žarov , Nikolai Athos , Pjotr Spasski , Boris Ledkovski ; tutkijoiden (ja samalla säveltäjien) joukossa: Ivan Gardner ja Albert Swan .
1980 -luvun lopulta lähtien kirkkolaulutaide Venäjällä on alkanut elpyä: uusia ryhmiä syntyy, tutkimuksia julkaistaan, joukko säveltäjiä kääntyy hengellisiin genreihin. Niistä kirjoittajista, joiden kirjoitukset täyttävät ortodoksisen jumalanpalveluksen vaatimukset, voidaan mainita diakoni Sergei Trubatšov , arkkipappi Aleksandr Vedernikov ja Vladimir Martynov . Suurin osa nykyaikaisista sävellyksistä on tarkoitettu hengellisiin konsertteihin, joita pidetään useammin maallisissa saleissa, mutta joskus kirkoissa [1] .
Znamenny-laulu tai znamenny-laulu on muinaisen venäläisen liturgisen laulun päätyyppi. Nimi tulee lukemattomista kylteistä - sen tallentamiseen käytetyistä lipuista. Vanhimmat koukuilla merkityt käsikirjoitukset ovat peräisin 1000-luvulta. 1600-luvulle mennessä koukkutietueeseen ilmestyi lisämerkkejä - "merkit" ja "merkit", varhaiset käsikirjoitukset edustavat merkitsemätöntä merkintää. 1600-luvun käsikirjoitukset kertovat perinteisen yksiäänisen laulun ohella varhaisen kansanpolyfonian ( lineaarinen laulu ) esiintyminen, joka myös nauhoitettiin lipuilla. 1600-luvun uudistusten aikana Znamenny-laulu syrjäytettiin vähitellen eurooppalaisen laulun muodoilla, jotka eivät perustuneet vanhoihin modaaleihin, vaan länsieurooppalaisen mallin duuri-molli tonaalisuuteen. 1600-luvun lopulla - 1700-luvun alussa Kiovan perinteen mukaisia Znamenny-melodioita alettiin nauhoittaa neliön notaatiolla , joka muistutti katolisissa laulukirjoissa käytettyä roomalaista neliön notaatiota. Vuonna 1778 Moskovassa julkaistiin "Abridged Daily Musical Singing", joka levitettiin laajalti ja hyväksyttiin alkuperäiseksi oppaaksi kirkonlaulun opettamiseen teologisissa oppilaitoksissa [19] .
Tähän asti vanhauskoiset ovat noudattaneet Znamenny-laulun perinteitä . On olemassa asiantuntijoita, jotka elvyttävät Znannyn laulamista Venäjän ortodoksisen kirkon uudessa riitissä, esimerkiksi Valaamin luostarissa [20] . Znannyn laulua herätetään henkiin useissa yliopistoissa, esimerkiksi Pietarin valtion konservatorion muinaisen venäläisen laulutaiteen osastolla , Gnessinin musiikkiopistossa , Venäjän kristillisessä humanistisessa akatemiassa .
Nykyään Znamennyn laululaulut on pääsääntöisesti nuotittu sekä perinteisellä koukulla että pyöreällä italialaisella notaatiolla. Tunnetaan erilaisia znamenny-laulutyyppejä ja vastaavia bannereita - kondakar, pilari, demestvenny, raita, haara.
Kondakar-laulu tulee sanasta " kondakion " - yksi liturgisista virsistä. Merkintä on peräisin paleo-bysantista ja lainattu Venäjältä 800-luvulla. Sille on ominaista melodisesti kehittyneiden elementtien läsnäolo, erityinen melismatiikka. Kondakar-laulun kukoistus Venäjällä osuu 1000-1100-luvuille, 1300-luvulle mennessä se katoaa venäläisestä liturgisesta perinteestä liturgisen peruskirjan muutoksen Studianista Jerusalemiin ja vastaavan liturgisten kirjojen rungon muutoksen yhteydessä. Sitä löytyy kondakareista, joiden perustana ovat kontakia ja ikos koko kirkkovuoden lomien kunniaksi ja pyhien muistoksi.
Pilarilaulu on znamenny-laulun päätyyppi, jota laulaa lähes koko venäläisen liturgisen perinteen kirjakokoelma. Nimi tulee sanasta "pilari" - Oktoeh -kirjan kahdeksan viikon jakso . Pilarilaulu on yleistynyt ja yleisin venäläisessä monofonisessa liturgisessa perinteessä tällä hetkellä. Laulu koostuu lauluista (kokiz), istuvuudesta ja kasvoista, jotka puolestaan koostuvat pienemmistä yksiköistä - koukuista [16] . Siinä on osmoottinen järjestelmä . Pilarilaulut ovat läsnä paitsi liturgisissa lauluissa, myös arkilauluissa. Yleisimmät käyttöön tulleet laulut ovat kuudennen äänen kokizas. Liturgisten kirjojen lisäksi nuottikirjoitusta varten luotiin erityisiä lauluaakkosia, kokiznikkeja ja fitnikkejä.
Matkalaulu on yleinen muinaisessa venäläisessä musiikkikulttuurissa Znamenny- ja demestvenny-laulun ohella. Se syntyi 1400-luvun viimeisellä neljänneksellä. 1500-luvun puoliväliin asti sitä käytettiin Stihirarissa , sitten Obikhodissa. Matkalaulusta tuli 1500-luvun lopulla itsenäinen, kehittynyt muinaisen venäläisen laulutaiteen haara, joka erottui suuremmasta juhlallisuudesta, laulusta ja sujuvuudesta. Raitalaulun melodia muodostuu kanonisista melodisista kaavoista, jotka ovat alisteisia osmoosijärjestelmälle. Raitalaulun kehityksen huippu on 1500-1600-luvuilla. 1600-luvun jälkipuoliskolla matkalaulu alkoi jäädä pois käytöstä.
Demestvenny-laulu (demestvennoe-laulu, demestvo) on yksi muinaisen venäläisen laulutaiteen tyylisuunnista. Varhainen maininta siitä viittaa vuoteen 1441 1400-luvun lopun Moskovan aikakirjoissa. Se tuli laajalle levinneeksi 1500-1600-luvuilla, myös polyfoniassa. Paikallisen laulun ohjelmisto sisältää yksittäisiä lauluja jokapäiväisestä elämästä, juhlapyhistä ja Trezvonovista , paaston Stihirarista, Oktoikhista ja Irmologiyasta . Aluksi demest-laulu nauhoitettiin Znamennyn notaatiolla. 1500-luvulla sen pohjalta luotiin demest-merkintä käyttäen znamenny-merkinnän elementtejä, mutta monimutkaisemmassa muodossa. Demestvessä kehitettiin tyylimalleja, joilla oli merkittävä rooli venäläisen laulutaiteen kehityksessä: juhlallinen laulutyyli muodostettiin tekstin yksittäisten tavujen leveillä lauluilla. Sitä käytetään tällä hetkellä erityisenä juhlallisena lauluna esimerkiksi piispanpalveluksissa.
Kuuluisia Znamennyn laulumestareita Vasili III :n ja Ivan Julman aikakaudella : Savva Rogov , Fjodor Krestyanin , Ivan Nos , Markell Bezborody ja Stefan Golysh . Häiriöiden ajan ja Mihail Fedorovitšin hallituskauden aikana tunnettiin metropoliita Varlaam ja Isaiah Lukoshko . Merkittävä mestari oli Usolskin koulun edustaja Thaddeus Subbotin . Alexander Mezenets oli yksi Znamenny-laulun alan parhaista asiantuntijoista ja perusteoksen "Znamenny Chantingin ABC" luoja vuonna 1688, joka on täydellinen esitys Znamenny-laulun teoriasta .
Partes-laulu on eräänlainen kirkkolaulu, joka perustuu sävellyksen moniääniseen kuoroesitykseen. Äänien määrä voi olla 3-12 ja voi olla 48. Partes-laulu tuli katolisesta Italiasta Puolaan ja sieltä Venäjän valtakuntaan .
1800-luvulla partes-laulu syrjäytti vähitellen znamennyn. Tämä tarkoitti znamenny- monodian (monofonian) perusperiaatteiden todellista hylkäämistä . Partes-laulun käyttöönoton alullepanijat olivat Länsi-Venäjän ortodoksiset veljeskunnat . Venäjän tsaarikunnassa partes-laulun otettiin liturgiseen käyttöön patriarkka Nikon . Tsaari Aleksei Mihailovitš piti innovaatiosta erittäin paljon , ja hän osallistui puolueiden käyttöönotossa Moskovan kirkoissa [21] . Partes-laulua puolustivat venäläiset musiikkiteoreetikot Ioanniky Korenev ja Nikolai Diletsky . Partes-laulun käyttöönottoa Venäjän kirkon käytäntöön vastustajat olivat ortodoksisen perinteen kannattajia, mukaan lukien näkyvät kirkkohierarkit, kuten patriarkka Hermogenes ja patriarkka Joseph , sekä vanhauskoiset ja kreikkalaiset papistot [22] .
Jotkut säveltäjät ovat pyrkineet sisällyttämään znamenny-melodioita partioiden jokapäiväiseen elämään harmonisoimalla niitä länsieurooppalaisen harmonian sääntöjen mukaisesti. Liturgisen partes-musiikin ovat kirjoittaneet monet säveltäjät, esimerkiksi Dmitri Bortnyansky . Artemy Vedelin ja Stepan Degtyarevin konserttiviirit ovat olleet tunnettuja 1700-luvulta lähtien . 1800-luvun toiselta puoliskolta lähtien on tunnettu Mihail Ippolitov-Ivanovin , Vladimir Rebikovin , Aleksanteri Arkangelin , Aleksanteri Grechaninovin ja Pavel Chesnokovin kuorovespers . Parhaita esimerkkejä tästä genrestä ovat Pjotr Tšaikovskin ja Sergei Rahmaninovin "All-night Vigils" [23] .
Vuoden 1917 lokakuun vallankumouksen jälkeen, uusien viranomaisten uskonnollisten liikkeiden syrjäyttämispolitiikan yhteydessä, pyhän musiikin kehitys pysähtyi 1980-luvun loppuun, jolloin ortodoksinen musiikki heräsi henkiin; uudet modernit säveltäjät ilmestyivät: diakoni Sergei Trubatšov , Vladimir Martynov . Suurin osa nykyaikaisista pyhän musiikin sävellyksistä on tarkoitettu pyhiin konsertteihin, jotka pidetään pääsääntöisesti maallisissa saleissa, mutta joskus kirkoissa [24] .
Kant on eräänlainen maallinen moniääninen laulu, joka oli yleinen Venäjän valtakunnassa 1600-1700-luvuilla. Kamariversio osalaulusta [25] . Se oli suosittu Ukrainassa ja Valko -Venäjällä . Aluksi cants luotiin uskonnollisiin psalmeihin ja niitä käytettiin papiston piireissä ja luostareissa. Kantin poetiikka tulee kirjallisesta runoudesta. 1600-luvulla luotiin cantes tavurunouden edustajien sanoille .
Kantin musiikkityylille on ominaista kolmiosainen esitys homofonisesta varastosta , jossa ylääänet ja basso liikkuvat rinnakkain , harmoniassa - diatonisessa , selkeässä sävytoiminnallisuudessa, rytmi -neliö-asujen ryhmittelyssä. Tekstin laulamistapa on pääosin tavuinen .
Kantteja esitti laulajayhtye tai kuoro ilman instrumentaalista säestystä sekä puhallinsoittimien, kuten käyrätorviorkesterien , kanssa . Melko usein kantoihin liittyi kelloja, tykkituli ja ilotulitus. Kantin intonaatiorakenne on yhdistelmä Znamenny-laulun elementtejä, venäläisiä ja ukrainalaisia kansanlauluja sekä puolalaista melodiaa. Melodinen tyyli on lähellä partes-konserttoa . 1700-luvulla ilmestyy isänmaallisia, jokapäiväisiä, rakkauslyyrisiä cantes; Pietari I : n ajalle on ominaista "tervetuloa" ja "panegyric" -laulut fanfaarimelodisilla käänteillä, juhlallinen poloneis -rytmi , riemuitsevat rouladit ylemmillä äänillä sanoilla " vivat ", "hosianna", " monet vuotta ", jäljittelevät nimenhuudot . Cantesista tuli myöhemmin kaupunkilaisten väestöryhmien suosikki musiikinteon muoto: lyyrisiä, merenkulkusia, pastoraalisia ja koomisia cantes ilmestyi. Lyyriset laulut imevät elementtejä olemassa olevista tanssimuodoista, pääasiassa menuetista . Useimmissa tapauksissa canteen sanojen ja musiikin kirjoittajat ovat tuntemattomia [26] . Pietari I:n alaisuudessa monien kanttien musiikin kirjoittajat olivat suvereenin lauluvirkailijat , muun muassa Vasily Titov ja Maxim Berezovski . Kantit vaikuttivat kaupunkiromantiikkaan [27] .
Hengelliset runot - venäläiset kansanrunot-laulut kristillisistä teemoista ja juoneista. Hengellinen säe sisältää syvän rakentavan, opettavan alun. Niitä on käytetty laajimmin 1600-luvulta lähtien. Ilmeisesti niillä on sekoitettu alkuperä - venäläinen eeppinen ja eurooppalainen lyyrinen laulu. Aluksi esiintyjät olivat pyhiinvaeltajia Pyhään maahan ja myöhemmin vaeltavia sokeita laulajia. 1800-luvulle asti liikkuvat laulajat olivat henkisen runouden tärkeimpiä luojia ja esittäjiä Valko -Venäjällä , Ukrainassa, Bulgariassa ja useimmilla Venäjän alueilla.
1700-luvulta lähtien psalmit yleistyivät vanhojen uskovien ja lahkojen keskuudessa - khlystit , eunukit , molokanit , doukhoborit (khlysteissä ja skopteissa hengellisiä säkeitä kutsuttiin yleensä "laulajiksi"). Tässä uskonnollisemmassa ympäristössä tavalliset ihmiset alkoivat laulaa hengellistä runoutta.
Hengelliset säkeet on jaettu kahteen tyyppiin: "vanhemmat" ja "nuoremmat". "Vanhimmat" ovat eeppisiä kertomuksia, jotka perustuvat Vanhan testamentin, Uuden testamentin juoniin ja hagiografisiin legendoihin (runot Kyyhkyskirjasta , Aadamista , Joosef Kauniista , Tsarevitš Joasaph , Aleksei Jumalan mies , Theodore Tyrone , noin Egor rohkea, prinssi Efimyan, rikkaista ja Lazarista jne.), he ovat lähellä eeppisiä . "Nuorempi" heijastaa Puolasta tulleen tavujakeen vaikutusta.
Yleensä nämä ovat surullisia ja katuvia lauluja. He laulavat kuolemasta, sielun irtautumisesta ruumiista ja elämän katoavaisuudesta. 1600-luvulla, kun vanhauskoisten keskuudessa oli ajatus Antikristuksen hallituskaudesta, alkoi ilmestyä eskatologisia säkeitä. Yksi hengellisen runouden päätutkijoista Georgi Fedotov kirjoitti, että viimeisen tuomion teema on yksi kansanrunouden voimakkaimmista vetovoimakeskuksista. 1900-luvulla monet eskatologiset säkeet nousivat jälleen katakombeihin - vain Antikristuksen saapuminen niihin liittyy jo vallankumoukseen , kirkkojen tuhoamiseen, kollektivisointiin , leireihin jne.)
Pohjois-Venäjällä psalmeja lauletaan ilman säestystä , Ukrainassa ja Valko-Venäjällä - usein hurdy-gurdylle tai viululle.
Kellojen soittaminen Venäjän ortodoksisessa kirkossa on yksi kristillisen kirkon jumalanpalveluksen olennaisista varusteista [28] . Ortodoksiassa kellonsoitto on olennainen osa kirkon rituaaleja. Uskovat pitävät kellon soittoa maagisen kyvyn ajaa pois pahat henget , sairaudet ja pysäyttää luonnonkatastrofit. Kellojen ja kellojen soiton käyttö rituaalisiin, maagisiin tarkoituksiin juontaa juurensa kaukaiseen menneisyyteen [29] . Soittamisen taito välitettiin perinteisesti suusta suuhun, ja joissakin katedraaleissa ja luostareissa oli soittoarteleita.
Kellojen soittoja on useita tyyppejä [30] [31] :
Trezvonista tuli perusta taiteelliselle ilmiölle, joka tunnetaan nimellä "kellosoitto" - erillinen venäläisen kirkkotaiteen tyyppi, joka oli kehittynyt 1600-luvulle mennessä ja muodostanut alueellisia perinteitä ja sulautunut 1900-luvun lopulla maalliseen konserttiperinteeseen.
Kellonsoittoa käytettiin laajalti 1800-luvun venäläisten säveltäjien teoksissa. M. Glinka käytti kelloja oopperan "Ivan Susanin" loppukuorossa "Glory" tai "Elämä tsaarille" , Mussorgski - syklin " Kuvia näyttelyssä " näytelmässä "Bogatyr Gates ... " ja oopperassa "Boris Godunov" , Borodin - näytelmässä "Luostarissa" "Pienestä sarjasta", N. A. Rimski-Korsakov - " Pihkovan nainen ", " Tsaari Saltanin tarina ", " Tarina " Kitezhin näkymätön kaupunki ", P. Tšaikovski - teoksessa " Oprichnik ". Yksi Sergei Rahmaninovin kantaateista oli nimeltään " Kellot ". 1900-luvulla tätä perinnettä jatkoivat G. Sviridov , R. Shchedrin , V. Gavrilin , A. Petrov ja muut.
1920-luvun lopulla seurasi epävirallinen kellojen soittokielto, jota seurasi kellojen joukkotuho, ja soittamisen perinne säilyi vain joissakin kirkoissa ja luostareissa. 1970–1980-luvuilla yleisön huomio kellonsoittotaidetta kohtaan alkoi jälleen palata, ja vuonna 1989 perustettiin Kulttuurirahaston tuella Venäjän kellotaideyhdistys [33] . Arkangelin puuarkkitehtuurin museo oli melko pitkään kellomusiikin elvyttämisen tärkein tukikohta . Vuodesta 1984 lähtien kellomusiikkikonsertteja on pidetty Suzdalissa , vuodesta 1987 - Leningradissa ja sitten muissa Venäjän kaupungeissa. Konserttikellojen soitettavien kaupunkien maantiede kasvaa joka vuosi: Suuri Rostov , Vologda , Lutsk , Irkutsk , Tšeljabinsk , Kostroma , Jaroslavl , Uljanovsk , Uglich ja muut [34] .
Akateemisen (ammattimaisen) musiikin kehitys Venäjällä alkoi suhteellisen myöhään ortodoksisen kirkon maallisen musiikin kiellon vuoksi. Ivan Julman hallituskaudesta lähtien kuninkaallinen hovi kutsui länsimaisia säveltäjiä ja muusikoita täyttämään aukon. Pietari I :n hallituskaudella he olivat hovissa säännöllisesti [35] . Huolimatta siitä, että Pietari I ei pitänyt musiikista, hän piti eurooppalaista musiikkia sivilisaation symbolina ja tapana länsimaistaa maata; Pietarin perustaminen länsimaiseen malliin vaikutti eurooppalaisen musiikin leviämiseen yhteiskunnan ylempien kerrosten keskuudessa [36] . Ihastus italialaiseen oopperaan hovissa keisarinnat Elisabet Petrovnan ja Katariina II :n aikana auttoi myös levittämään kiinnostusta länsimaiseen musiikkiin aristokratian keskuudessa [37] . Tämä harrastus levisi niin laajalle, että monet eivät edes tienneet venäläisten säveltäjien olemassaolosta [38] .
Keskittyminen eurooppalaiseen musiikkiin merkitsi sitä, että venäläisten säveltäjien oli kirjoitettava länsimaiseen tyyliin, jos he halusivat sävellyksiään esitettävän. Heidän menestyksensä tähän suuntaan oli vaihtelevaa, koska he eivät tunteneet eurooppalaisia sävellyssääntöjä. Jotkut säveltäjät saattoivat matkustaa ulkomaille koulutukseen (yleensä Italiaan) ja oppivat säveltämään laulu- ja instrumentaaliteoksia italialaisten klassikoiden perinteen mukaisesti. Näitä ovat säveltäjät Dmitri Bortnyansky , Maxim Berezovsky ja Artemy Vedel [39] .
Kotimainen sävellystaide Venäjällä alkoi kehittyä merkittävästi 1700-luvun 70-luvulta lähtien. Ensimmäisten venäläisten säveltäjien joukossa merkittäviä olivat myös: V. A. Pashkevich , M. M. Sokolovsky ja erityisesti todellinen ammattilainen E. I. Fomin . 1800-luvun alussa, venäläisen musiikin kehityksen uudessa vaiheessa, työskentelivät sellaiset säveltäjät kuin: S. I. Davydov , S. A. Degterev , K. A. Kavos , A. N. Verstovsky , A. A. Aljabyev . Ehkä ensimmäinen venäläinen säveltäjä, joka käytti tyypillisiä perinteisiä venäläisiä elementtejä maallisesta musiikista, oli E. I. Fomin vuoden 1787 oopperassa Coachmen on a Frame. S. A. Degterev käytti kansanmusiikkia isänmaallisen oratorion "Minin ja Pozharsky tai Moskovan vapautuminen" kuorolaulussa vuonna 1811. Kansallista historiaa työssään käytti laajasti K. A. Kavos ja kansankuorolaulu oopperassa "Ivan Susanin" vuonna 1815, esimerkiksi laulussa "Älä raivoa, raivokkaat tuulet". A. N. Verstovsky luotti myös kansalliseen historiaan, hänen oopperansa " Askoldin hauta " vuodelta 1835 erottuu kirkkaan kansanvärisillä lauluilla, kuten "Charms tuli pöydälle" ja "Isoisät elivät ennen vanhaan".
Venäläiset maallisen musiikin perinteet nostivat uudelle tasolle Mihail Glinka , joka sävelsi oopperat Elämä tsaarille (Ivan Susanin) vuonna 1836, Ruslan ja Ljudmila (1837-1842). Glinkan vaikutuksesta muodostui säveltäjän nuoremman aikalaisensa A. S. Dargomyzhskyn tyyli .
Venäläisestä kansanmusiikista on tullut nuoremman sukupolven säveltäjien päälähde. Mily Balakirevin johtama " Mighty Handful " -niminen säveltäjäryhmä , johon kuuluivat myös Nikolai Rimski-Korsakov , Modest Mussorgski , Aleksanteri Borodin ja Caesar Cui , julisti tavoitteekseen tehdä venäläisten kansallisten perinteiden suosituksi klassisen musiikin alalla. Mighty Handfulin merkittävimpiä sävellyksiä olivat oopperat Snegurotshka , Sadko , Boris Godunov , Prinssi Igor , Khovanshchina ja Scheherazade sinfoninen sarja . Nikolai Rimski-Korsakovin oopperaan " The Tale of Tsar Saltan " säveltämä orkesterivälisoitto " Flight of the Bumblebee " pääsee Guinnessin ennätysten kirjaan eri ulkomaisten muusikoiden esittämänä . Monet Glinkan ja The Mighty Handfulin teoksista perustuivat Venäjän historiaan, kansantarinoihin ja kirjallisuuteen, ja niitä pidetään musiikin romanttisen nationalismin mestariteoksina.
Vuonna 1859 perustettiin myös Russian Musical Society , jota johtivat säveltäjä-pianistit - veljekset Anton ja Nikolai Rubinstein . "Mighty Handful" vastusti usein Venäjän musiikkiyhdistystä; "Mighty Handful" tunnusti venäläisen kansallisen identiteetin, ja Venäjän musiikkiseuraa ohjasi universaali eurooppalainen perinne. Siitä huolimatta Russian Musical Society perusti Venäjän ensimmäiset konservatoriot Pietariin ja Moskovaan. Pietarin konservatoriossa koulutettiin venäläinen säveltäjä Pjotr Tšaikovski , joka on kuuluisa baleteistaan, kuten Joutsenlampi , Prinsessa ja Pähkinänsärkijä . Hän on edelleen tunnetuin venäläinen säveltäjä ulkomailla. Hänen tyylinsä kuuluisin seuraaja oli Sergei Rahmaninov , joka opiskeli Moskovan konservatoriossa , jossa Tšaikovski opetti.
1890-luvun puolivälissä - 1900-luvun puolivälissä. Alexander Glazunov loi pääteoksensa .
1800-luvun lopulla ja 1900-luvun alussa oli venäläisten klassikoiden kolmas aalto: Igor Stravinski , Aleksandr Skrjabin , Sergei Prokofjev ja Dmitri Šostakovitš . He olivat tyylin ja musiikin kielen kokeilijoita. Stravinskylla oli erityinen vaikutus aikalaisiinsa ja myöhempiin säveltäjäsukupolviin Venäjällä ja länsimaissa.
Lokakuun vallankumouksen jälkeen venäläinen musiikki muuttui dramaattisesti. Rahmaninov, Stravinski, Glazunov, Grechaninov, Medtner muuttivat. Vaikka Prokofjev lähti myös Venäjältä vuonna 1918, hän lopulta palasi ja osallistui neuvostomusiikkiin . 1920-luvun alussa elettiin avantgarde-kokeilujen aikakautta, joka oli saanut vaikutteita aikakauden vallankumouksellisesta hengestä. 1930-luvulla, Josif Stalinin aikana, musiikin monimuotoisuus oli rajallista. Klassismi hyväksyttiin, eikä kokeiluja kannustettu [40] . Esimerkiksi Šostakovitšin ooppera Lady Macbeth Mtsenskin alueelta tuomittiin Pravda - sanomalehdessä " formalismiksi " ja se kiellettiin pian teattereista useiksi vuosiksi.
Aikakauden musiikilliset patriarkat olivat Sergei Prokofjev, Dmitri Šostakovitš, Aram Hatšaturjan ja Aleksandr Aleksandrov . Jälkimmäinen tunnetaan parhaiten Neuvostoliiton hymnin ja kappaleen " Pyhä sota " säveltämisestä. Ajan myötä joukko nuoria neuvostosäveltäjiä, kuten Georgi Sviridov , Alfred Schnittke ja Sofia Gubaidulina , nousi esiin tiukan Neuvostoliiton koulutusjärjestelmän vuoksi. Neuvostoliiton säveltäjien liitto perustettiin vuonna 1932, ja siitä tuli Neuvostoliiton musiikin tärkein sääntelyelin.
Maallisen kuoromusiikin historia Venäjällä alkaa 1800-luvulta [41] , jolloin partes-laulu tuli ortodoksiseen kirkkomusiikkiin ja korvasi yksiäänisen znamenny-laulun . Samaan aikaan ilmestyi maallinen kamarikuorolaulu , joka esitettiin kantteihin .
Venäläisellä oopperalla oli tärkeä rooli maallisen kuoromusiikin kehityksessä ; kuorolauluja Mihail Glinkan oopperoissa " Elämä tsaarille " ja " Ruslan ja Ljudmila ". Oopperakuorolaululla oli merkittävä rooli 1800-luvun klassisilta säveltäjiltä. Kuorolaulun suosion huippu tuli 1800-luvun jälkipuoliskolla ja 1900-luvun alussa. Kansallisen noususuhdanteen aiheuttaman isänmaallisten oratorioiden, kantaattien ja laulujen aikakauden jälkeen kansanlaulujen kuorosovituksia alkoi ilmestyä runsaasti [41] . Vuonna 1878 perustettiin Venäjän kuoroyhdistys , joka yhdisti maallisen kuorolaulun ystävät. Venäjän kuoroseuran kuoro osallistui Venäjän musiikkiseuran konsertteihin ja antoi myös useita omia konserttejaan joka vuosi [42] . Vuonna 1887 naisäänet esiteltiin kuorossa ensimmäistä kertaa [43] .
Lokakuun vallankumouksen jälkeen Georgi Sviridov vaikutti merkittävästi maallisen kuoromusiikin kehitykseen . Toinen ikoninen säveltäjä on Thomas Korganov . Neuvostoajan merkittävimpiä kuoroja ovat A. V. Svešnikovin nimetty valtion akateeminen venäläinen kuoro , A. A. Jurlovin nimetty republikaaninen venäläinen kuoro , ME Pjatnitskin mukaan nimetty venäläinen kansankuoro , Moskovan valtion akateeminen kamarikuoro [2] . Popmusiikissa " Turetski -kuoro " tunnetaan .
Sodan jälkeisinä vuosina lasten kuorolaulu saavutti erillisen suosion. Vuonna 1957 perustettiin Moskovan poikakuoro , joka esittää venäläistä sakraalista musiikkia ja kansanlauluja. Vuonna 1970 perustettiin YK:n radion ja keskustelevision suuri lapsikuoro , joka esittää kantaatteja, sinfoniaa, oopperoita ja isänmaallisia lauluja. Jevgeni Krylatovin , Arkadi Ostrovskin , Aleksandra Pakhmutovan ja muiden säveltäjien lastenlauluja , kuten " Kaukaa kaukainen ", " Olkoon aina auringonpaiste ", " Väsyneiden lelujen nukkuminen ", " Siivelliset keinut ", " Lennä kokon kanssa, siniset yöt " ”, “ Antoshka ”. 1970-luvulla kuoro oli niin suosittu, että sen solistit saavuttivat suosiota kansan keskuudessa: Seryozha Paramonov , Sveta Pogasiy, Rita Sukhankina , Dima Galikhin . Vuodesta 1991 lähtien siellä on toiminut kamarikuoro " Vera ". Nyky-Venäjällä vuodesta 2013 lähtien on toiminut All-Russian Choral Society , joka perusti vuonna 2014 Venäjän lastenkuoron .
Venäjällä avantgarde-musiikki alkoi muodostua 1910-1920-luvuilla ja saavutti huippunsa 1960-1980-luvuilla. Venäläistä avantgardia musiikissa luonnehdittiin alun perin futuristiksi . Tätä liikettä tukivat sellaiset säveltäjät kuin Nikolai Roslavets , Ivan Vyshnegradsky , Nikolai Obukhov , Arthur Lurie , Joseph Schillinger , Arseniy Avraamov .
Varhaismusikaalisella avantgardilla Venäjällä ei ollut yhtä, muodostunutta suuntaa, ja avantgarden puoleen kääntyneet säveltäjät etsivät luovasti ”uutta maailmankatsomusta” ja ”äänenmaailmankuvaa”, jotka heijastuivat sekä musiikkiin että musiikkiin. kirjallisia manifesteja. "Uuden maailman kuulemisen" mukaisesti monia musiikillisia perusluokkia mietittiin uudelleen - ääni , sävelkorkeus , sointi , harmonia ja niin edelleen. Melkein kaikki varhaiset avantgarde-taiteilijat tavalla tai toisella uudistivat perinteistä temperamenttijärjestelmää ja keksivät uusia sävyjakojärjestelmiä. Futuristit pyrkivät keksimään uusia soittimia tai laitteita, jotka sopivat tähän lähestymistapaan, kuten Lev Theremin , joka loi thereminin elektroakustisen instrumentin , ja Nikolai Obukhov , joka loi eetterin, kristallin, aallot ja Sounding Crossin. Nämä soittimet tarjosivat pohjimmiltaan uutta sonoriikkia , mutta usein yritettiin myös jalostaa klassisen musiikin perinteisiä orkesterisoittimia. Uutta sonoriikkia seuraa haku sanalla "spatial music". Musiikillisen futurismin pääkäsite oli äänimassan vapautuminen. Toinen lähestymistapa oli "ultrakromaattinen harmonia", jonka venäläiset säveltäjät johtivat Aleksanteri Skrjabinin myöhäisen teoksen tyylistä [44] .
Varhainen venäläinen musiikillinen avantgarde ei vaikuttanut 1960-1980-luvun Neuvostoliiton avantgarde-musiikkiin. Ensimmäinen sodanjälkeisen ajan avantgarde-taiteilija on Andrei Volkonsky . Neuvostoliiton musiikillisen avantgarden ominaispiirre oli kansanmusiikkiväri, kun uusia tekniikoita sovellettiin kansanmusiikkien kehittämiseen. Ensimmäinen tekniikan hallinta oli serialismi , sitten sonorismi ja aleatoriikka ; samaan aikaan alkoi elektronisen musiikin kehitys . Myöhemmin puhtaat järjestelmät väistyivät erilaisille sekatekniikoille: "kollaasin" ja polystylistiikan käsitteet ilmestyivät - Alfred Schnittken termi , jonka teokset edustavat selkeimmin tätä ilmiötä. Avantgarde-musiikin maamerkkinä esiintyjä oli Edison Denisov , joka perusti Nykymusiikin yhdistyksen vuonna 1990, samanlaisena kuin vuonna 1924 perustettu samanniminen yhdistys [45] .
Venäläinen romanssi syntyi romantiikan aallolla 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla. Monissa romansseissa mustalaisaiheet (ns. "mustalaiset") esitetään. 1800-luvun aikana muodostui useita alalajeja - salonkiromantiikka, julma romanssi , mustalaisromantiikka jne.
Venäläisen romanssin "kulta-aika" tuli 1900-luvun alussa, jolloin työskentelivät sellaiset suuret ja omaperäiset esiintyjät kuin A. Vertinsky ja A. Vyaltseva . Myöhemmin romanssiperinnettä jatkoivat maanpaossa Pjotr Leštšenko ja Alla Bayanova , Neuvostoliitossa Isabella Jurjeva , Tamara Tsereteli ja Vadim Kozin .
Neuvostoaikana, varsinkin 1930-luvun lopulta lähtien, romantiikkaa vainottiin tsaariajan jäännöksenä, joka oli haitallista sosialistisen tulevaisuuden rakentajille. Johtavat esiintyjät vaikenivat tai joutuivat tukahduttamaan tai pakotettiin muuttamaan maasta.
Tyylilajin keräilijä ja tutkija Anatoli Titov antoi vakavan panoksen venäläisen romanssin luokitteluun . Mainittujen tyyppien lisäksi hän nosti esiin: jaloromantiikan, romanssivastauksen, ironisen, näyttelemisen, valkokaartin, vankilan ja muut. Erillinen romanssia lähellä oleva genre on melodeklamaatio .
| venäläistä taidetta | |
|---|---|
| |